Libros de Arte contemporáneo, página 4 de 154

Nadie sabe qué o quién es Banksy. La única certeza que tenemos, es que bajo ese rótulo aparecieron a fines de los noventas obras cargadas de ironía política: frescos de "street art" donde vemos a la iconica Mona Lisa cargando un lanzallamas o a una desnuda y famelica niña vietnamita de la mano con Mickey Mouse y Ronald McDonalds. El lugar escogido para escenificar aquel discurso anticapitalista no fue la galeria de arte; sino los muros de barrios obreros en ciudades como Bristol, Chiapas o Barcelona. "El copyright es para policias" reune las reflexiones teoricas y biograficas de Bansky sobre la politica que impulsa todo arte callejero. Es un manifiesto decantado que invita a repensar el entorno que habitamos y denunciar su desigualdad en los muros de la urbe. No hay que vestirse como revolucionario sino serlo, nos dice. Y poco importa saber que o quien esta detras de esta obra. Sino comprender que el arte es la mejor herramienta para interrumpir la mirada del policia.

Isabel & Alfredo Aquilizan son una pareja de artistas que emigra desde Filipinas a Australia. Sus obras aúnan sus experiencias personales sobre la migración, que realizan junto con las comunidade

* Este histórico estudio del street art internacional se sitúa en el punto en el que confluyen el arte y el atlas. * Organizado por continentes y ciudades (desde Nueva York, Los Ángeles y Montreal, en Angloamerica, pasando por Ciudad de Mexico y Buenos Aires, en Iberoamerica, hasta Londres, Berlin y Madrid, en Europa, asi como Sidney y Tokio, en el Pacifico), se presentan los perfiles de mas de cien de los artistas mas importantes de la actualidad y mas de setecientas asombrosas obras de arte. * Un testimonio de como este variado movimiento artistico contemporaneo se ha convertido en un autentico fenomeno global: se narra la evolucion del arte urbano en cada region y se proporciona un contexto historico esencial. Desde su genesis en la Costa Este de Estados Unidos a finales de la decada de 1960, el street art y el grafiti han viajado a casi todos los rincones del planeta y han dado lugar a nuevos estilos muy floridos y dinamicos. Al exponer sus obras en la galeria mas grande y abierta del mundo, los grafiteros y artistas urbanos muestran sus creaciones a un publico que no puede evitarlas, con lo que desafian las ideas convencionales sobre el lugar del arte en la vida cotidiana.Desde Steve Powers (ESPO), en Nueva York, hasta Ian Strange, en Australia, pasando por el Londres de Eine, el Paris transfigurado por Honet y OX, y los gigantescos murales de los brasileños Os Gemeos, esta es la primera historia genuinamente geografica de esta forma de arte. La forma mas elevada del street art y del grafiti no es una mera estetica basada en esloganes, consignas politicas o promocion personal: es un movimiento mundial muy comprometido con la creatividad espontanea y la infinita diversidad de las ciudades.

Un dels objectius de Palau i Fabre, un cop establert a París, era conèixer Picasso. I la seva voluntat de coneixement el va portar a escriure aquest llibre, fins i tot abans d'haver conegut personalm

Un précurseur de l'Impressionnisme Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique

El viaje de Concha Daud a la isla de Lanzarote se convirtió, sin esperarlo, en una experiencia agridulce que la marcó y que canalizó a traves de su pintura, crónica de las texturas y colores del paisaje canario, pero tambien de las emociones vividas alli. Dedicada a su perro, Damir, esta coleccion de pinturas pretende incidir en la defensa del paisaje como un bien universal, mostrarlo y enaltecerlo a traves de una obra impregnada de melancolia por su caracter subjetivo y, a la vez, evocar la figura del canario Cesar Manrique, como pequeño homenaje a este artista que logro proteger estos espacios para el bien comun. Los cuadros que recoge el presente catalogo forman parte de una serie tematica, pintada entre 2016 y 2021, formada por mas de cien obras, de entre las cuales se ha hecho una seleccion. Pinturas sencillas, obras figurativas y descriptivas, marcadas por un sello personal que transciende la realidad visual.

"En busca del viento perdido" muestra el enfoque polifacético de Enrique Ramírez, que entrelaza fotografía, escultura e instrumentos de navegación en su cautivadora obra de arte. Destaca por su trabajo en fotografia, cine y escultura, centrado en temas del mar y la naturaleza. Su obra es mundialmente conocida y figura en colecciones de museos y fundaciones como el MoMA de Nueva York, el MACBA de Barcelona y el PAMM de Miami. El libro incluye una amplia entrevista entre Ramirez y Gilles A. Tiberghien, profusamente ilustrada con numerosas imagenes. A traves de este dialogo, profundizan en la obra de Ramirez, su vision artistica y su proceso creativo. Enrique Ramirez nacio en 1979 en Santiago de Chile, actualmente vive y trabaja entre Paris y Santiago. Su obra combina videos, fotografia, bandas sonoras, instalaciones y narraciones poeticas. A Enrique Ramirez le gusta trabajar con historias dentro de historias, ficciones a caballo entre distintos paises y epocas, espejismos surgidos de la brecha entre sueño y realidad. A menudo utiliza imagenes y sonido para desarrollar intrincadas tramas que logran un sutil equilibrio entre poesia y politica. Su mundo imaginario de temas entrelazados esta anclado en un elemento obsesivamente recurrente en la raiz de todas sus meditaciones: el mar como lugar de la memoria en perpetuo movimiento sobre el que puede proyectar narraciones en las que el destino de Chile se cruza con relatos epicos de viajes lejanos, conquistas y mareas migratorias cambiantes. Sus imagenes inspiradas en el mar cuentan una desconcertante historia de la verdad siempre esquiva, asi como la corriente de la historia, siempre la misma pero nunca identica.

Las composiciones dedicadas a la actividad en la playa son probablemente la parte más conocida de la obra de Joaquín Sorolla (1863-1923). Realizadas siempre al natural (para el pintor, el verano suponia en realidad el periodo de mas actividad), seran estas obras las que le reporten mas exito en sus exposiciones nacionales e internacionales.Si bien sus primeras escenas se centran en las faenas del trabajo en la costa, subrayando la condicion del mar como medio de vida, es sobre todo con las representaciones del descanso estival en la playa con las que mas estrechamente se asocia su obra. Junto a su maestria pictorica, estas pinturas ofrecen tambien un interesante trasunto de la evolucion que experimento el entorno del mar en relacion con las propiedades terapeuticas del baño y el nacimiento del veraneo como periodo de ocio y sociabilidad.Los veranos de Sorolla nos acerca, a traves de una cuidada seleccion de 40 obras, la mitad de ellas de pequeño formato, a las manifestaciones que estas nuevas ideas sobre el mar tuvieron en la obra y en la propia vida personal del gran maestro valenciano. En este sentido, la propuesta abarca tanto las escenas de la costa mediterranea, en las que predomina el aspecto ludico del disfrute del mar, como en las ambientadas en la costa cantabrica, que transmiten el ambiente de los veraneantes de las clases altas de San Sebastian, Zarauz y Biarritz.

Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que cultivó artes tan diversas como la pintura, la escultura, el cine, la confección de grabados y la poesía. Pero fue su obra fotográfica, con sus desnudos, imagenes de moda y retratos, la que escribio un nuevo capitulo en la historia de la fotografia.A traves de una extensa coleccion, tanto de sus obras mas famosas como de otras menos conocidas, esta monografia ofrece una vivida perspectiva de la polifacetica practica de Man Ray y su legado fotografico. Siga la trayectoria de Man Ray desde sus inicios artisticos en Nueva York hasta su papel protagonista en la vanguardia parisiense. Alli participo en la primera exposicion surrealista con Jean Arp, Max Ernst, Andre Masson, Joan Miro y Pablo Picasso, y creo obras tan emblematicas como Noire et blanche (Negra y blanca) y Le Violon d'Ingres (El violin de Ingres). Mediante numerosos ejemplos de naturaleza muerta y retratos, entre otros, observamos como Man Ray experimentaba constantemente con nuevas tecnicas, convirtiendo la fotografia, mas alla de su dominio documental, en una expresion eterea y poetica a traves de la exposicion multiple, la solarizacion y su particular marca de fotogramas que bautizo con ingenio como rayogramas.

Juan Alfonso Contreras abarca la escena plástica andaluza del siglo XXI mediante una poética elaborada a partir de la obra de 73 artistas a los que ha entrevistado entre los años 2020 y 2023. A través de la charla sosegada, de preguntas oportunas y respuestas meditadas, se da cuenta de sus trayectorias y se pone en claro los retos a los que se enfrentan, al tiempo que asoman sus reflexiones sobre el mundo contemporaneo. Adicionalmente, el libro incluye obras de todos los artistas que ellos mismos han seleccionado.Los artistas son la esencia de este libro. A lo largo de las 470 paginas de este volumen, el autor agrupa a creadores vivos, andaluces o estrechamente vinculados a Andalucia, de diferentes generaciones y disciplinas. Algunos poseen los mas importantes galardones de las artes plasticas y todos cuentan con dilatadas trayectorias profesionales y con un amplio reconocimiento, estando sus obras en muchos casos en importantes museos y colecciones. Se trata de nombres conocidos que abarcan un espectro generacional desde Luis Gordillo o Miguel Rodriguez-Acosta hasta el joven Manuel M. Romero.Tambien la Academia de España en Roma tiene un hueco en esta publicacion, dado que han sido muchos los artistas andaluces que han pasado por esta importante institucion cultural; Juan Al

Aquest volum es una monografia sobre l’obra propia de l’artista textil Josep Royo, centrant-se especialment no en les col·laboracions amb Miró i Tàpies, que ja han estat prou divulgades, sinó en els

Cinco meses después del triunfo de la Revolución rusa, los nuevos gobernantes nombraron a artistas como Malévich, Kandinski, Tatlin o Chagall para ocupar importantes puestos en el recién creado Comisariado del Pueblo para la Instruccion Publica. Estos vanguardistas pretendian transformar calles y plazas, la educacion y, en ultima instancia, a las propias personas. Sin embargo, su intento de llevar el arte a la vida no acababa de cuadrar con la interpretacion bolchevique de una cultura revolucionaria, lo que hizo que no tardase mucho en resquebrajarse la confianza entre ambos.Primera obra que aborda la asombrosa historia de la vanguardia rusa en su conjunto. De la mano de un numero sin precedentes de cartas, diarios y recuerdos, muchos de ellos ineditos, ofrece un vibrante y conmovedor retrato de estos excepcionales artistas y de una epoca irrepetible.

Puede que conozca la cita de 1889 de Oscar Wilde, "La vida imita al arte mucho más de lo que el arte imita a la vida." Puede ser así, pero cuando el arte imita a la vida, se llama mímesis. Mímesis derivado del verbo griego mimeisthai es un termino que conlleva una amplia gama de significa dos, que incluyen representacion, mimetismo, el acto de expresion, el acto de semejarse, y la presentacion del yo. En la antigua Grecia, la mimesis era una idea que regia la creacion de obras de arte, especialmente en lo que respecta al mundo fisico que se identificaba como el paradigma de la verdad y la belleza. Hoy en dia este termino se utiliza principalmente en la critica literaria y la filosofia, pero a proposito de esta exposicion reconoceremos el significado original de mimesis; el acto de representar la realidad en el arte.

Análisis del trabajo realizado en las dos últimas décadas en la que el artista ha puesto la pintura en el centro, con especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre esta y la fotografia, el collage y el dibujo. En estos años su modo de pintar sigue siendo el mismo: Luis Gordillo siempre esta en la pintura, pero no siempre esta pintando. La experimentacion, palabra clave de su quehacer artistico, es constante. Y esta publicacion muestra las tensiones y las energias que desprende el trabajo del artista desde dentro, con una doble perspectiva: por un lado, una vision de los temas recurrentes en sus cuadros y, por otra, una observacion detenida de las exploraciones y las derivas de su proceso creativo. Dentro de esta ultima, la publicacion incluye una seleccion de veinte antipoemas escritos por Gordillo en los ultimos años.Se incluye un texto de Chus Martinez.La exposicion a la que este libro responde se inaugura en septiembre en la Sala Alcala 31 de Madrid, celebrando una capacidad creativa unica, la de un artista que a sus ochenta y nueve años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones.

Con la llegada de la segunda mitad del siglo XX, el paradigma de las prácticas artísticas cambió de forma radical. Los géneros artísticos tradicionales (pintura, dibujo, escultura, grabado, etcétera),fueron relegados a un segundo plano al mismo tiempo que

Con frecuencia, necesitamos tomar distancia para apreciar lo propio, introducir una alteridad, que nos haga aprehender con más honduras lo que consideramos nuestro. Quizás por ello el viaje ha formado parte de la educacion artistica del creador humanista. Si bien los modos de vivir y experimentar el viaje han cambiado significativamente en el transcurso del tiempo ?desde el Grand Tour hasta la deriva situacionista o el Erasmus actual? estos desplazamientos comparten una voluntad formativa. El artista moderno adquirira un papel absolutamente nomada. Impulsado tanto por el deseo de conocer los grandes centros artisticos como por los exilios derivados de las agitadas circunstancias sociales que atraviesan las centurias, los artistas se ven impelidos a un constante devenir. Pero, sea cual sea su motivacion, forzado o buscado, en el viaje anida tambien una aspiracion al reencuentro con uno mismo. Fuertemente a partir del siglo XVIII, el viaje se revela una manera privilegiada de introspeccion. Si Rousseau se referia a el como esas heures de solitude ou je suis pleinement a moi, en los escritos de Friedrich o Schlegel se hablara del heroismo del viaje ligado a la identidad intrepida del artista. Este vinculo no hara sino estrecharse en lo sucesivo. Tomando casos señeros, este libro explora la dimension sentimental del transito indagando en ese particular imaginario del artista contemporaneo como artista viajero en el siglo XX y comienzos del XXI. En nuestra era, marcada por flujos y nomadismos a escala global, las visiones y experiencias asociadas al desplazamiento, y a fortiori al artistico, han sufrido transformaciones sin igual.

nsiders call it the Craft. Discover the fascinating true story of one of the most influential and misunderstood secret brotherhoods in modern society.Founded in London in 1717 as a way of binding men in fellowship, Freemasonry proved so addictive that within two decades it had spread across the globe. Masonic influence became pervasive. Under George Washington, the Craft became a creed for the new American nation. Masonic networks held the British empire together. Under Napoleon, the Craft became a tool of authoritarianism and then a cover for revolutionary conspiracy. Both the Mormon Church and the Sicilian mafia owe their origins to Freemasonry.Yet the Masons were as feared as they were influential. In the eyes of the Catholic Church, Freemasonry has always been a den of devil-worshippers. For Hitler, Mussolini and Franco, the Lodges spread the diseases of pacifism, socialism and Jewish influence, so had to be crushed.Freemasonry's story yokes together Winston Churchill and Walt Disney; Wolfgang Mozart and Shaquille O'Neal; Benjamin Franklin and Buzz Aldrin; Rudyard Kipling and 'Buffalo Bill' Cody; Duke Ellington and the Duke of Wellington.John Dickie's The Craft is an enthralling exploration of a the world's most famous and misunderstood secret brotherhood, a movement that not only helped to forge modern society, but has substantial contemporary influence, with 400,000 members in Britain, over a million in the USA, and around six million across the world.

“Las nubesfuria no siempre vienen cuando las llamas pero cuando vienen son tremendas y casi invencibles.” Así empieza ‘Las nubesfuria’, un cuento escrito por Belén Gopegui e ilustrado por Natalia Ca