Libros de Teoría y crítica de arte, página 22 de 165

Este libro reúne tres textos fundamentales de Vladímir Markov, pintor y teórico del arte cuyas ideas tuvieron enorme importancia en la formación de las vanguardias rusas. "Factura. Principios de creación plástica" es su obra más importante y madura. El término «factura» se convirtió rápidamente en una contraseña entre iniciados para referir la anhelada liberación del arte y, fundamentalmente, para comprender la obra artística como el conjunto de características formales que la configuran, independientemente del tema, avanzando la teorización del arte abstracto. "La secesión rusa" y "Principios del arte nuevo", textos previos todavía cargados de cierto simbolismo, intentaron conformar un sistema diferenciado que diese cuenta de las vertiginosas transformaciones de las artes plásticas.

Sus lecturas de cada obra de arte como actos estéticos únicos en un lugar y momento concreto son las de un pensador que practica una historia del arte (Kunstgeschithe) seria y rigurosa, aunque matizada por una imaginación histórica y poética que hace que la podríamos bautizar como poesía del arte (Kunst gedichte).

Belligerent de Jenny Holzer es el título más reciente de la serie LiberArs. Aunque el libro comparte formato con los otros de la colección, una mirada más atenta revela que no se trata de un libro tradicional, sino una caja con cierre magnético. La caja contiene siete obras originales de Holzer que se despliegan hasta convertirse en pósters de 60 x 79 cm, que pueden guardarse en la caja o incluso enmarcase y exhibirse. En Belligerent, Holzer ha encontrado las huellas de una conciencia dormida y ciega en los censurados informes de abuso de prisioneros en las prisiones americanas, señalándolo con precisión para que nosotros mismos decidamos si nos atrevemos a mirar.

Sia il tema trattato, sia il tono umoristico di fondo –una Filosofia intorno a un’immaginaria stanza ideale – ci dicono che siamo di fronte a un testo atipico nella produzione letteraria di Edgar All

In Links between Communication Competency and Social Competency during and after an Artist''s Career, Nahvi examines artists using his firsthand experience as an artist, film documentaries, and research articles discussing social and communication competency in order to deliver a clear explanation of what barriers artists face in communicating and relating with other artists and non-artists. Artists tend to deprive themselves of face-to-face communication for prolonged periods of time for the sole purpose of immersing themselves in their art, and in doing so social and communication difficulties arise. These deficiencies are a means to use and abuse artists, which are often times preserved through stereotype reinforcement. It is essential to recognize these weaknesses and find ways to improve them. This study provides an inside look at artists and the interpersonal relations and social behavior and influence affecting this group, and provides recommendations for how artists can retrain themselves to develop their social and communication skills.

Fragmentación: acción o efecto de fragmentar o dividir en fragmentos, esto es, en pequeñas partes o porciones de algunas cosa quebradas o partidas. O aplocada a las artes, restos o trozos de alguna o

Composiciones bajo tierra aborda aspectos clave de la abstracción prehispánica tal como resuenan en diferentes momentos del arte moderno y contemporáneo. De esta manera, los textiles andinos, los atuendos propios de las ceremonias selk'nam, y las líneas de Nasca son abordados a la luz de la enseñanza y obra del artista alemán Josef Albers, la abstracción geométrica de comienzos del siblo XX, y el Land Art norteamericano, respectivamente.

La pregunta clave que plantea Cómo hacer cosas con arte es qué relevancia tiene el arte en la sociedad. ¿Cómo deviene importante el arte a nivel político o social? Este libro intenta responder a esta pregunta de forma teorica, e indicar, mediante el analisis de obras de James Coleman, Daniel Buren, Jeff Koons y Tino Sehgal, como los artistas pueden desarrollar e influir en la vertiente social; dicho en otras palabras, este libro proporciona lo que se denomina una interpretacion pragmatica del impacto social del arte. El titulo de la obra ya es un juego de palabras con la influyente serie de conferencias de John Langshaw Austin Como hacer cosas con palabras, en la que reflexionaba sobre lo performativo, esto es, sobre la capacidad productora de realidad del lenguaje.Si la linea argumental de Dorothea von Hantelmann se basa en dos premisas teoricas de Austin y en la nocion de performatividad de Judith Butler, este libro ofrece una autentica semantica de como actua la obra de arte, no a pesar sino en virtud de integrarse en ciertas convenciones: como, por ejemplo, sostiene o coproduce una cierta idea de historia, progreso y desarrollo a traves del museo. El modelo de performatividad que defiende la autora señala estos niveles fundamentales de produccion de sentido: centrandose en las convenciones de produccion, presentacion y persistencia historica del arte, von Hantelmann muestra como estas convenciones se coproducen en cualquier obra de arte, y sugiere que es precisamente esta dependencia de las convenciones lo que plantea la posibilidad de cambiarlas.La cuestion de como hacer cosas con arte parece particularmente pertinente hoy en dia: nunca antes en la historia de las sociedades occidentales habia sido tan importante lo que llamamos arte; se estan construyendo mas museos de arte que nunca; las exposiciones atraen a publicos masivos; el mundo del arte se ha expandido no solo global sino tambien socialmente, y es probable que ninguna otra profesion haya aumentado tanto de estatus como la del artista, quien encarna a la perfeccion la idea predominante actual de subjetividad creativa y autonoma.

Raymond Bayer (1898-1959), fundador con Charles Lalo y Etienne Souriau de la Revue d´Esthetique, se propuso estudiar en este volumen la reflexión que sobre el arte y sobre lo bello ha venido haciendo

Arte o Plagio, hechos y dichos, es el primer volumen que lanza una mirada holística sobre la dilatada producción simbólica y discursiva de este importante artista español. Este libro se presenta bajo el concepto de dos volúmenes en uno. En la primera parte, el crítico y ensayista cubano, autor de varios libros sobre arte y cultura contemporáneas, Andrés Isaac Santana y el artista Boyer Tresaco, despliegan un análisis acerca de las maniobras de la figura del plagio en la escena contemporánea del arte, apuntando hacia los elementos de poder y autoridad que avalan su operatoria. En la segunda, en cambio, los autores Tamara Díaz Bringas, Oreste Hurtado, Suset Sánchez, Fernando Castro, Ernesto Castro, Miguel Cereceda y Thomas McEvilley, emprenden un riguroso y lúcido análisis por diferentes zonas del trabajo de este artista, precedidos de una pulsión interpretativa francamente envidiable.

Con el advenimiento del nuevo milenio, las históricas relaciones entre arte y naturaleza siguen más vivas que nunca. La noción de naturaleza se encuentra atravesada por múltiples vectores que llevan los limites de aquello que consideramos natural mas alla de sus fronteras tradicionales. Y, por otro lado, la naturaleza se ha convertido en el ambito de trabajo de muchas tendencias artisticas contemporaneas. De la mano de diez autores, esta publicacion aborda las dimensiones simbolicas y politicas de las practicas artisticas que parten de la naturaleza con la voluntat de transformar la realidad, y que tienen como objetivo potenciar un espacio de dialogo y generar un debate y un pensamiento critico. Desde campos de investigacion aparentemente distantes, cada capitulo ofrece un punto de vista diferente para repensar la relacion entre arte, naturaleza y politica.

La Sala Canal de Isabel II presenta la exposición Dios iberoamericano, de Juan Manuel Díaz Burgos, un conjunto de más de ciento cincuenta fotografías centradas en las semejanzas y diferencias de los distintos ritos religiosos que se celebran en España e Iberoamérica. Es el resultado de reorganizar un archivo de miles de fotografías y descubrir en su contenido, años después, nuevas claves para construir otros discursos. Dios iberoamericano propone una reflexión, a través del lenguaje simbólico de las imágenes, sobre la influencia que supuso la introducción de la religión en la cultura del Nuevo Continente. La exposición, comisariada por Chema Conesa, recorre Iberoamérica y España a través de un juego de fotografías contrapuestas, mostrando sus características particulares, expresiones estéticas y contenidos pasionales. La mayoría de las fotografías de la exposición son inéditas y recorren los últimos treinta y cinco años de la producción de Díaz Burgos. El fotógrafo ha documentado dos formas de expresión estética y ritual: la vieja Metrópoli, reivindicadora de la tradición y las viejas normas, y el Nuevo Mundo, con una tradición construida sobre la cultura indígena, reinterpretada tras la conquista y en viva evolución. Juan Manuel Díaz Burgos (Cartagena, 1951) es un autor con una clara vocación por la fotografía humanista, documental y de ensayo. Uno de sus más importantes campos de trabajo es Iberoamérica, donde ha recogido imágenes cargadas de realismo y fuerza. Ha realizado múltiples exposiciones y publicado numerosos libros. Recientemente ha recibido el Premio Bartolomé Ros de PHotoEspaña 2017.

Un libro sobre la vida de Cecilia de Madrazo, esposa del pintor y mujer de atractiva personalidad. Desde su nacimiento en Madrid, en 1846, su vida estuvo abocada a contemplar en primera fila los acontecimientos artisticos que se sucedieron en España y Europa, ya que la presencia indiscutible de la saga de los Madrazo en todas aquellas instituciones oficiales y oficiosas que rigieron la politica cultural española de todo el siglo XIX le proporciono una informacion privilegiada que ella asimilo desde niña. La asidua correspondencia con su padre, con sus hermanos, o con los marchantes de su esposo, dan testimonio locuaz de una extensa epoca ya que su longevidad le permitio alcanzar los años 30 del siglo XX. Este epistolario que abarca un largo periodo, desde 1868 hasta 1917, ha sido la columna vertebral para la elaboracion de esta biografia a la que se han sumado otras numerosas fuentes que informan sobre el mundo apasionante que Cecilia de Madrazo vivio en los distintos escenarios donde fijo sucesivamente su residencia. Ella fue testigo de uno de los periodos de desarrollo artistico mas algido protagonizado por la colonia de artistas españoles tanto en Roma como en el Paris del ultimo cuarto del siglo XIX. En dichas ciudades, su casa fue siempre lugar de encuentro de la intelectualidad mas cosmopolita asi como de pintores y marchantes donde se forjaron muchos de los negocios que les abrieron la puerta del exito internacional. Finalmente fue Venecia la ciudad donde Cecilia se establecio definitivamente y desde alli apoyo el desarrollo artistico de su hijo, Mariano Fortuny y Madrazo, reconocido artista polifacetico que sobresalio en el campo de la pintura, de la escenografia y en la creacion de textiles.El relato de su vida se completa con una interesante, y en muchos casos inedita, documentacion fotografica que perfila una vision total de su figura. Las palabras de sus Ultimas voluntades referidas a su proceder porque he querido llevar bien el nombre de mi marido justifican una vida dedicada por entero a enaltecer la figura del artista reusense para quien ella fue su luz y su memoria.

El libro recoge un total de 383 cartas, escritas por el pintor, por su esposa Cecilia de Madrazo y por sus cuñados Ricardo, Raimundo e Isabel, y enviadas en su mayoría a Federico de Madrazo, suegro y padre respectivamente de los remitentes. Datadas entre 1863 y 1919, por su contenido constituyen un apoyo fundamental para profundizar en el conocimiento de Fortuny, uno de los pintores españoles del siglo XIX con mayor proyeccion internacional. Gracias a la informacion vertida en muchas de estas cartas, se han podido aclarar algunas cuestiones sobre su vida, sus obras o su personalidad artistica, y conocer sus propias opiniones acerca del panorama cultural e historico de su tiempo. Ademas, las cartas resultan fundamentales para estudiar las relaciones personales y sociales de los Madrazo, y a su vez aportan abundante informacion sobre las biografias y trayectorias profesionales de un buen numero de artistas nacionales y extranjeros, y sobre acontecimientos de diversa indole tanto de España como de Paris, Roma y Venecia.En España no abundan los ejemplos de correspondencias de artistas que hayan llegado integras hasta nuestros dias. Por ello resulta especialmente valioso el fondo documental de la familia Madrazo que posee el Museo Nacional del Prado, fuente inagotable de datos, que nos permiten ahondar en el conocimiento de una de las familias mas influyentes del panorama artistico de la España del siglo XIX.

"Las nubes son maravillosas, en el caso de la teología negativa medieval porque sirven de imagen para la experiencia de Dios en su absoluta alteridad con respecto al ser humano y a la creación, y en la modernidad, porque permiten construir mundos otros, sustitutivos de este. En ambos casos, su maravilla se fundamenta en su negación."

Como primera traducción al español, A contrapelo ofrece un repertorio de síntomas, posiciones y direcciones que permite visualizar un panorama histórico-político de la escena artística en la Polonia comunista, desde la que se situaron una serie de prácticas artísticas no oficiales a partir de la virulencia de su quehacer teórico-artístico, entre el gesto y la militancia. Manifiestos, reflexiones y ensayos de artistas y colectivos que de alguna manera permean otras prácticas escriturales (poesía, narrativa), además de su trabajo creativo como artistas visuales: el espesor de aquellas voces inarticuladas para el régimen cristaliza la complejidad de un arte polaco no-oficial que, a contrapunto de las lógicas institucionales del campo y los supuestos epistemológicos y estéticos bajo los cuales descansa la definición de arte, se define en la búsqueda de un lugar intermedio -aquél desde el cual también es posible la interrupción y transformación del continuum de la historia. Un modo de concebir y hacer artísticamente, hacia una definición política -y, por lo mismo, no politizada- del arte.

No hay mesa redonda, seminario, encuentro o congreso relacionado con los museos, que no exprese de una u otra manera, la necesidad de reflexionar y actualizar la relacion de la sociedad con el patrimonio. El LIME MADRID es el comienzo de un proceso que pretende ampliarse en dos sentidos: internamente, dando cabida a todos los implicados en un desarrollo tan complejo como el que estamos tratando, que va desde la educacion a todas las facetas de la museologia y museografia, y su difusion. Pero tambien externamente, creando una red de laboratorios interconectados en diferentes instituciones y paises, segun sus propias caracteristicas.