Libros de Teoría y crítica de arte, página 33 de 154

Bringing together an international team of scholars this book offers new perspectives on the impact that the Bauhaus and its teaching had on a wide range of artistic practices

Este libro investiga las huellas del arte japonés en las disciplinas plásticas europeas de finales del siglo XIX, así como del XX, sobre todo en la pintura. Impresionismo, postimpresionismo y vanguardias recibieron la influencia del Pais del Sol Naciente y algunos nombres destacan de manera especial: Van Gogh y Miro, por ejemplo, quienes sucumbieron a las sugerencias de espiritualidad que transmite el arte del Extremo Oriente. Muy curiosa es la posicion de Picasso, que durante toda su vida nego cualquier tipo de inspiracion nipona, pero su obra desmiente sus palabras, segun puede comprobarse en las paginas de este ensayo.

El arte ecosocial se manifiesta en cada matiz de la existencia, en el entramado de las experiencias subjetivas y emocionales que son las que tejen el sentido que damos a la realidad. Las reflexiones aqui propuestas pretenden facilitar el paso hacia otro modo de habitarnos en el mundo, atendiendo a la exploracion de las experiencias mas basicas, precisamente porque desde lo mas cotidiano se manifiesta la capacidad extraordinaria del cambio hacia otra manera de pensar.El pensamiento nace de estructuras aprendidas y valores adquiridos; por eso, si deconstruimos sus patrones adiestrados, abrimos otras maneras de percibir, sentir y, por tanto, de hacer. Sin embargo, actuar ante los problemas ambientales que hemos creado no encuentra correlacion con los valores que pautan el exito social de las personas. La voracidad del capitalismo nos esta llevando al colapso, rompiendo el equilibrio sostenible que garantiza la supervivencia de las especies del planeta.Por tal motivo, la practica artistica ecosocial, como contrapunto, dirige su atencion a la idea de ser con los otros y contribuye a transformar las relaciones utilitaristas que ejercemos sobre nuestro propio ser, sobre los demas seres y sobre nuestro entorno.

Los dos márgenes de la ría de Bilbao ofrecen escenas dignas de las más perturbadoras distopías y evocadoras de un periodo ya concluido. Si bien se aportan datos este es un libro concebido no desde la razon, dado el desconocimiento de la realidad del trabajo en la fundicion, la mina o el astillero, sino desde la emocion, alentado por el cariño a un paisaje que perdura en parte. Sirva como reconocimiento a las personas que dedicaron su vida a ello.

Presentamos los 100 artistas nacidos después de 1980 que han sido más votados por un extenso panel de expertos como aquellos que están haciendo y harán las obras más interesantes. Son las estrellas del futuro y aquellos que venderan a altos precios. Algunos elegidos son : Lawrence Abu Hamdan; Farah Al Qasimi; Korakrit Arunanondchai; Firelei Baez; Meriem Bennani; Amoako Boafo; Danielle Brathwaite-Shirley; Jordan Casteel; Jesse Darling; Jade Fadojutimi; Louis Fratino; Lauren Halsey; Kudzanai-Violet Hwami; Joy Labinjo; Lina Lapelyte; Carolyn Lazard; Ad Minoliti; Tyler Mitchell; Toyin Ojih Odutola; Ima-Abasi Okon; Thao Nguyen Phan; Christina Quarles; Tschabalala Self; Paul Mpagi Sepuya; Shen Xin; Avery Singer; Martine Syms; Salman Toor; Zadie Xa Los expertos trabajan en instituciones como Baltimore Museum of Art; Bellas Artes Projects (Manila); ESPAC (Mexico); The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh); KW Institute for Contemporary Art (Berlin); MoMA (NY); Museo de Arte Moderno (Medellin); Museums Victoria (Melbourne); RAW Material Company (Dakar); Sharjah Art Foundation; Studio Museum in Harlem (NY); Tai Kwun Contemporary (Hong Kong); Tate Modern (Londres); Whitechapel Gallery (Londres); Whitney Museum of American Art (NY); and X Museum (Beijing)

Desde su surgimiento a finales de los 50, la performance se ha definido como una acción efímera que transcurre en co-presencia física del artista y el espectador en un lugar y tiempo determinados. De esta definicion de la performance se ha derivado con fr

¿Por qué decimos que una obra de arte es buena? ¿Qué es lo que queremos decir? Se ha escrito poco sobre la calidad en el arte, un concepto esquivo que, al perfilarse demasiado desde la subjetividad y los prejuicios, resulta dificil de concretar y definir. Se rebela Alejandro Vergara Sharp contra esta dificultad y, con una prosa cercana y directa, defiende que ?un buen conocimiento de la historia del arte nos proporciona elementos de juicio que hacen que nuestra argumentacion no sea simplemente subjetiva?. Invita entonces al lector a iniciar con el un viaje de investigacion y, a la manera socratica, va desvelando, y desvelandose a si mismo, una a una las cuestiones que pueden ayudar a esclarecer el termino.

Un libro literalmente deslumbrador. David Hockney estaría de acuerdo con Jean Dubuffet cuando dice que el arte es tan necesario como el pan para los seres humanos. Sin el pan, dice Dubuffet, se mueren de hambre; sin el arte, se mueren de tedio.Antonio Muñoz Molina, Babelia, El PaisLa historia de las imagenes se inicia en las cavernas y finaliza, por ahora, en la pantalla del ordenador. ¿Quien sabe hacia donde ira en el futuro? No obstante, el desafio sigue siendo el mismo: como representar el mundo tridimensional sobre una superficie de dos dimensiones.David HockneyCon la experiencia y el entusiasmo de toda una vida dedicada a pintar, a dibujar y a crear imagenes con camaras, David Hockney ;en una estimulante conversacion con el critico de arte Martin Gayford; explora como y por que se han creado las imagenes a lo largo de los milenios. Con la yuxtaposicion de una rica variedad de imagenes, los autores cruzan las habituales fronteras entre la cultura elevada y el entretenimiento popular y establecen unas relaciones inesperadas a traves del tiempo y de los diferentes medios. Con un capitulo final revisado donde figuran algunas de las ultimas obras de Hockney, este libro tan elogiado por la critica nos dara pie a ver esos cuadros que ya conocemos como si los contemplaramos por primera vez.

Un encuentro entre conciencia e inspiración. Una integración entre la búsqueda y la creatividad. Una lectura imprescindible para quienes quieran convertir la vida en arte.¿Qué hay en la esencia de ese impulso que nos lleva a escribir un relato, pintar un cuadro, componer una cancion, o realizar cualquier acto creativo? ¿Es una fuerza solo artistica o involucra otros aspectos del ser? Y lo mas crucial: ¿Que puede aportar el arte en este presente tan incierto? A partir de un solido trabajo de investigacion, Kreimer se zambulle en zonas de mucha afinidad entre conceptos como inspiracion, conciencia, atencion, significado o proposito. Su libro tambien explora las energias sutiles e inexpresables, y como el solo hecho de considerarlas facilita que obren por si mismas y que nos convirtamos en sus instrumentos.La propuesta trasciende las fronteras con que habitualmente nos referimos a esos procesos y busca sus raices en niveles mas profundos, donde la mente individual se encuentra con la Conciencia Universal.

UNA CIUDAD MUCHOS MUNDOS ES UN PROGRAMA DEDICADO A LA PRODUCCIóN E INVESTIGACIóN EN TORNO A LAS PRáCTICAS ARTISTICAS Y SOCIALES VINCULADAS A CONTEXTOS ESPECIFICOS QUE TUVO LUGAR EN INTERMEDIæ EN DOS

42 pinturas de Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko y otros artistas para observar y entender. ¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostracion,todo se vuelve luminoso y accesible.El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras:Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko...Y el arte se torna limpido.42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDERAnalisis de la obra paso a pasoDetalles puestos de relieve42 PAGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AUN MASContexto historico y culturalCuadros complementarios

Nos gustan los domingos es un ensayo-manifiesto lleno de ironía en repuesta a los bien pensantes y a los apologistas exaltados del valor del trabajo (de los demás) refleja una sociedad desgraciadamente de plena actualidad. Despues de Siete mujeres y Caminar hasta el anochecer, ambas publicadas en esta editorial, Lydie Salvayre ataca de nuevo al mundo mercantil con un elogio al arte de la pereza, ese arte sutil y vagabundo que, al abrir la puerta a lo inesperado y al pensamiento, podria cambiar el mundo al restablecer lo esencial: la plenitud y el bien de todos. Multiplicando las referencias artisticas, filosoficas y politicas (Nietzsche, Seneca, Proust y muchos otros), Lydie Salvayre toca una multitud de temas esenciales para incitarnos a volver a pensar la organizacion del trabajo para una mejor reparticion de las tareas y de los bienes.Brillante e hilarante, este breve texto de tres capitulos es, bajo su aire de boutade desenfrenada, un manifiesto en favor de una pereza que al final da lugar a una sabiduria que nos libera del espejismo del Dinero y nos deja por fin disfrutar de la verdadera felicidad de ser y de pensar.La pereza no es blandengueria pegajosa, no es intoxicacion de cannabis, no es delectacion taciturna, no es una letargia de despues de comer, no es neurastenia cronica, no es indiferencia apatica, no es desden romantico, no es postracion triste, no es pasotismo zafio, no es indolencia hastiada, no es dandismo cansado, no es lo que comunmente se llama gandulear, o vaguear, u holgazanear, o haraganeria, o simulacion, o fingimiento, con lo que a menudo se finge confundirla. La pereza es un arte sutil, discreto y beneficioso.

Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad.áá ¿Puede el arte dar a ver lo que no vemos? Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersion cada vez mas inquietante en un mundo digitalmente administrado. Graciela Speranza buscaba respuestas en la literatura y el arte contemporaneos cuando la pandemia de la covid-19 no solo acelero la comunicacion virtual, el control y la vigilancia, sino que en las ciudades desiertas nos enfrento con "un atisbo de un futuro posible, un mundo sin nosotros".Pero ¿que puede decir el arte en medio de la catastrofe? De la montaña de abetos que Agnes Denes planto en Finlandia y los conciertos aracnocosmicos de Tomas Saraceno a las novelas fragmentarias de Olga Tokarczuk y Jenny Offill y los ensayos breves de Karl Ove Knusgard, de la telefotografia de Trevor Paglen y los videos de Hito Steyerl a las reconstrucciones agudas de Forensic Architecture o Agustin Fernandez Mallo, el arte y la literatura desvelan, recomponen, reconstruyen y, en el intento, renuevan s

CREA COMO LAS ARTISTAS CANARIAS DEL SIGLO XX

¿Quién es Violante? Violante es la inspiración de Lope deVega y también la mía (como autor del libro), desde que enel colegio me hicieron aprender de memoria un soneto deLope de Vega, que sirve al mismo tiempo para decirnos losversos y la metrica que un soneto tiene.Violante, como es una paseante empedernida de las callesde Madrid y alrededores, ha decidido necesitar que alguienla acompañe en sus caminatas. Para ello ha pensado envosotros, amables lectores, y asi establecer un dialogosobre lo que vemos: iglesias, edificios, exposiciones de artey todo lo que se nos ocurra, como las relaciones existentesentre las matematicas, la poesia, el amor, la musica...Nos convertiremos, igual que el pintor Manet, en un flaneur;o sea, un impresionista callejero, alguien que escribe ocomenta sus impresiones sobre distintos temas.Samuel Santa-Olalla Torija

Esta publicación recoge por primera vez en lengua castellana una recopilación de artículos en torno a las artes visuales escritos por Virginia Woolf entre los años 1920 y 1936. En ellos la autora indaga en la relación entre escritura y pintura, narra sus visitas a exposiciones, recoge impresiones y méritos del grupo Bloomsbury, y manifiesta su postura en torno a la aparición del cine o a la vinculación de los artistas con la esfera política.

«Este libro es el resultado de un cuarto de siglo enseñando. Es mi intento por dar respuesta a la pregunta: "Y ahora ¿qué?" para quienes entran en el "segundo acto" de sus vidas.»Julia Cameron ha in

El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caida y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imagenes. Hasta hoy, el comentario estetico tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontacion con lo que las supera; lo visible no es unicamente cuestion de superficie. El cuerpo es una representacion, inseparable de la mirada que lo elabora y de los "media" que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutaneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, peliculas de color, bloques de marmol, pantallas de proyeccion. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construccion del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos esteticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.

La arquitectura también se construye con palabras, y el amplio campo de la teoría, la crítica y la historia ha producido textos que han influido indeleblemente en la conformación de los edificios. Aqui se agrupan tres docenas de articulos que comentan libros o deploran desapariciones de autores singulares con los que he tenido la fortuna de recorrer parte del camino, desde el Colin Rowe que hubiera sido centenario en 2020 hasta los jovenes nacidos medio siglo despues, y evocados todos con un unico texto excepto en el caso de tres amigos fallecidos prematuramente y estrechamente vinculados con Arquitectura Viva Vicente Verdu, Juan Antonio Ramirez y Richard Ingersoll, que se recuerdan con dos contribuciones. Como los maestros de la arquitectura, tratados en otros volumenes, han sido en ocasiones tambien maestros de escritura, la relacion cronologica se hace preceder de un articulo sobre algunos libros de los mas destacados de ellos, y se cierra con dos despedidas corales que celebran telegraficamente autores no incluidos en la lista.

Una profunda conexión entre las culturas alemana y brasileña es el hilo conductor de este libro, que investiga con diligencia algunos de los orígenes del diseño brasileño en Ulm, Alemania. Allí se desarrollo la Ulm School of Design, donde un fertil terreno cultural, sucesor de la Bauhaus y de movimientos como el Arte Concreto, moldeo el pensamiento visual de importantes artistas y diseñadores de mediados del siglo XX. La publicacion recorre la trayectoria de los profesionales, las obras y el pensamiento visual de la HfG Ulm y los institutos brasileños fundados para el desarrollo del diseño en el pais, como el Institute of Contemporary Arts (ICA), vinculado al Museu de Arte de So Paulo Assis Chateaubriand (Masp), y la Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI), en Rio de Janeiro. El libro traza lineas nitidas entre la produccion de nombres como el suizo Max Bill, los diseñadores alemanes Otl Aicher y Karl Heinz Bergmiller y los artistas brasileños Lygia Pape, Almir Mavignier y Geraldo de Barros.