Anna Maria Guasch

¿Cómo podemos comprender el arte más actual? Nuevos ismos del siglo XXI busca responder a esta pregunta proponiendo un particular reader que recoge 27 textos fundamentales de los más prestigiosos autores nacionales e internacionales.Organizado alrededor de seis ejes, precedidos de una introduccion general, este libro plantea la existencia de nuevos ismos en el arte actual que reclaman fundamentos de analisis y solicitan una voz publica para la practica artistica: archivismo, activismo, comunitarismo, cosmopolitismo, indigenismo y ecologismo. Cada uno de estos movimientos participa de un rechazo del formalismo y de un alejamiento de lo estrictamente artistico; y sus innovaciones y propuestas no solo provienen de la creatividad individual, sino que surgen tambien de la necesidad de construir marcos teoricos coherentes con la realidad. Estos movimientos situan, ademas, la creatividad mas cerca de lo etico que de lo estetico y toman prestadas herramientas de proyectos sociales o antropologicos. Partiendo de la esfera artistica como un lugar de pensamiento e intervencion que se entreteje con toda una serie de referentes teoricos, autores como Claire Bishop, Wolfgang Ernst, Helen Gilbert, Marsha Meskimmon, Nicholas Mirzoeff, Donna Haraway, Nicos Papastergiadis, Judith Butler, T. J. Demos o Ernst van Alphen, entre muchos otros, nos sirven de guia para comprender la complejidad de las propuestas artisticas del siglo XXI.

El presente libro ofrece una reflexión sobre el arte a través de sus «derivas», es decir, los movimientos que anidan en la creación y que hacen que en el arte actual quepan todas las maneras. A lo la

La exposición “Magiciens de la Terre” en el Centre Georges Pompidou en 1989, descubrió una profunda falla en el mundo del arte contemporáneo, limitado hasta entonces, con escasas matizaciones o excep

Hacia mediados del siglo pasado empezaron a publicarse estudios del arte del siglo xx: se creía que podía darse carpetazo a un período que lo había dicho todo entre las dos guerras mundiales con el antecedente de las primeras vanguardias y el colofón de las de posguerra. El agotamiento y superación de unas y otras y los vaivenes que ha dado la creación plástica en las últimas décadas ha hecho comprender que no había un prefacio, un desarrollo y un desenlace en el arte de nuestro tiempo. La historia del arte del siglo xx está, en parte pues, por escribir. Fruto de esta circunstancia es el presente libro. Las exposiciones son uno de los instrumentos más útiles para avanzar en el conocimiento del arte contemporáneo, para profundizar en su acrisolamiento y en su génesis. Este fenómeno es el que se analiza en este libro nacido con la voluntad de acercarse con mirada histórica a lo que hasta ahora ha sido contemplado con ojos críticos o, mejor, con los de la crítica del arte al uso, una crítica, por lo común, inmersa en la trama de marchantes, galeristas, gestores e instituciones. El arte del siglo xx en sus exposiciones. 1945-2007 se centra especialmente en las exposiciones que han generado nuevas maneras de contemplar y expresar la realidad. Se han primado las exposiciones "de tesis", las que han propuesto nuevas intenciones creativas y las que han puesto de manifiesto el "espíritu de los tiempos"; las exposiciones que han agitado el debate creativo; las que han sabido manifestar los significados culturales del arte; la que, en definitiva, han sido concebidas como interrogaciones sobre el estilo, los lenguajes y los discursos plásticos, pero también, sobre las intenciones y los posicionamientos artísticos de nuestra época.

Este libro estudia con una rigurosa metodología histórica una de las manifestaciones más significativas de nuestro arte contemporáneo, el arte vasco. Pero esta obra supera el ámbito geográfico, convirtiendose en un modelo metodologico del analisis de los fundamentos, las causas y el comportamiento social del fenomeno artistico.A partir de la consideracion de que las interrelaciones entre arte y sociedad no surgen de una manera impersonal sino que son producto de la mediacion individual y colectiva, el libro analiza las estructuras sociales que posibilitan o truncan la existencia de las creaciones plasticas, la politica de difusion cultural y de enseñanzas artisticas que promociona una determinada manera de entender el arte, la lucha tanto del artista como de los grupos para definir la esencialidad etnica y cultural o la universalidad de sus obras, las ideologias que impulsan cada uno de estos planteamientos de la realidad y las tendencias estilisticas a que dan lugar.Todo ello se complementa con una importante recopilacion de documentos, algunos de ellos ineditos, y una extensa bibliografia que convierten el libro en un instrumento insustituible para acercarse al mundo del arte vasco.

En el marco del cuestionamiento y la renovación de la escritura autobiográfica en el que han trabajado autores como Roland Barthes, Jacques Derrida, Philippe Lejeune o Paul de Man, este libro acomete el estudio de la obra de On Kawara, Hanne Darboven, Mary Kelly, Sol LeWitt, Cindy Sherman y del cineasta Jean-Luc Godard. Estos artistas se valen de imagenes o de imagenes-texto para diseñar una tipologiaa utobiografica, la autobiografia visual, que, mas alla del autorretrato, establece un nuevo nexo entre el autor, la vida y la descripcion de esta. Asi se plantean cuestiones como los procesos creativos que recurren al archivo, la relacion entre el registro y el recuerdo, el dialogo entre el lugar y la memoria (lo privado, lo arcaico) y el concepto de indice a partir de la des-figuracion del yo autobiografico.

At the start of the twenty-first century, the contemporary implies a clear desire to affirm a type of art that is expanding across the globe, challenging old geographical borders, and reclaiming narratives of place and displacement; in other words, new cultural practices that transfigure the relationship between the global and the local, and articulate the discourse of difference. Being in the place of here and now, working with others in simultaneous and specific practice, and contemplating the production of work in the experience of connection means raising the value of the performative aspect of practice and displacing the reflective role of cultural production. In the new cartography of this multifarious global art, the author, who combines theoretical and curatorial discourse with creative practice, defines how global concepts circulate from the critical analysis of transnational contemporary art to the global.

El presente libro es un análisis histórico y crítico de la creación contemporánea. Las exposiciones que constituyen la trama de este libro forman parte del debate creativo que ha agitado el arte del siglo xx y ha sido uno de los instrumentos mas importantes, si no el que mas, de difusion, de acrisolamiento y, en muchos casos, de gestacion de estilos, lenguajes y posicionamientos plasticos. Se han primado las exposiciones que han sido concebidas como interrogaciones sobre el estilo, los lenguajes y los discursos plasticos, pero tambien sobre las intenciones y los posicionamientos artisticos de nuestra epoca.

El hecho de escoger la entrevista como formato de «literatura artística» responde al auge que esta experimenta como género literario a la hora de abordar el sistema del arte contemporáneo y sus difer

Por lo general, el arte vasco se ha asociado a figuras como las de Chillida, Oteiza, Basterrechea, Ibarrola, Mendiburu, Nagel, etc. Sin embargo, es bastante más que estos nombres u otros muchos que se pudieran citar. Constituye una compleja red de connotaciones y relaciones, que abarcan desde lo ideológico hasta lo social, desde lo político hasta lo cultural. Por ello, el interés del presente volumen supera el del estricto ámbito geográfico que sirve de marco a la investigación, para mostrar un modelo metodológico del análisis de los fundamentos, las causas y el comportamiento social del fenómeno artístico. A partir de la consideración de que las interrelaciones entre arte y sociedad no surgen de una manera impersonal, sino que son producto de la mediación individual y colectiva, se analizan las estructuras sociales que posibilitan o truncan la existencia de las creaciones plásticas, la política de difusión cultural y de enseñanzas artísticas que promociona una determinada manera de entender el arte, la lucha tanto del artista como de los grupos para definir la esencialidad étnica y cultural o la universalidad de sus obras, las ideologías que impulsan cada uno de estos planteamientos de la realidad, y las tendencias estilísticas a que dan lugar. Resultado de todo ello es este libro, desde su primera publicación en el año 1985, se ha consolidado como la monografía de referencia sobre la creación artística en el País Vasco en la segunda mitad del siglo XX.

When we talk about the geographical, ecological, ethnographic, historical, documentary, and cosmopolitan turns in relation to the work of practitioners of contempory art, what exactly do we mean? Are we talking about a reading strategy? About an interpretive model, as would be derived from the linguistic turn of the 1970s, or rather about a stratigraphic structure that could be read across multiple cultural practices? Do we wish to read one system by means of another system, in a way that one nurtures the other so that it can open us up to other forms of being? Or is it rather about a generative movement in which a new horizon emerges in the process, leaving behind the practice that was its point of departure? The recurrence of turn in place of style, -ism, or tendency would ultimately respond to a clear urgency of the contemporary global world: a movement characterised by aesthetic pluralism, by the simultaneousness of various modi operandi, and by a great multiplicity of languages that constantly change their state while having many features in common. And turn would also allow within the space of the contemporary of here and now , a great diversity of stories from all around the world that should be confronted simultaneously in an intellectual outlook that is continuous and disjunctive, essential to understanding the present as a whole.

This book provides a comprehensive exploration of the relationship between art and the archive. The author examines how artists have engaged with archival materials, practices and methodologies throughout history, from the avant-garde movements of the early 20th century to contemporary artistic practices. She explores the ways in which artists have appropriated, transformed and recontextualized archival documents and narratives to create new meanings and perspectives on history, memory, and identity. Guasch also discusses the role of the archive in shaping artistic production, reception and historiography, highlighting its significance as a site of cultural memory and knowledge production. Through a series of case studies and theoretical reflections, the book offers insights into the diverse ways in which artists have navigated the archive as a source of inspiration, critique and intervention in the artistic process. Art and Archive represents an archaeological and genealogical history of the relationships, sometimes linear, sometimes discontinuous, between art and the archive. The archive ceases to be a dusty space or a repository of historical artifacts, to become an active discursive and relational system that establishes aesthetically, socially and politically new relationships of temporality between past, present, and future, in what is understood as the time of the future perfect.

La crítica es, posiblemente, el modo de pensamiento característico de la modernidad. Conecta la construcción de artefactos culturales -artísticos o literarios- con el campo de los saberes y con el debate publico. Se puede afirmar que lo que hoy reconocemos como "ambito de la cultura" surge en gran medida como consecuencia de la trama de analisis, juicios y posicionamientos desarrollados por la critica y diseminados en debates, revistas, libros y otros medios de comunicacion.

El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbolico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterializacion de la obra de arte.

El libro reúne un total de 32 textos de exposiciones realizadas por famosos teóricos y críticos del arte contemporáneo internacional, en el periodo 1980-1995. Incluye además un prólogo general y datos biograficos de los autores.El libro reune un total de 32 textos de exposiciones realizadas por famosos teoricos y criticos del arte contemporaneo internacional, en el periodo 1980-1995. De este modo se presenta un panorama de las ideas rectoras imperantes en las tendencias del arte contemporaneo, a partir del analisis de sus principales interpretes y promotores. Entre los autores destacan figuras de la critica internacional y nacional, como Achille Bonito Oliva, Thomas Crow, Hal Foster, Donald Kuspit, Jose Luis Brea, Griselda Pollock, Harald Szeeman, o Jean Hubert Martin, entre otros.El libro reúne un total de 32 textos de exposiciones realizadas por famosos teóricos y críticos del arte contemporáneo internacional, en el periodo 1980-1995. Incluye además un prólogo general y datos biograficos de los autores.

Este libro, que también se hubiera podido denominar Criticografía del Arte Contemporáneo, nace fruto de la necesidad de aportar un "nuevo formato" a los diferentes trabajos existentes de "literatura artística" como fuente de estudio teórico del arte. Mediante el uso de la entrevista, que se ha convertido en uno de los métodos más directos y eficaces para aclarar vivencias y conceptos habitualmente oscuros o "impensados", y partiendo de la voz en primera persona de sus protagonistas, este trabajo pretende un acercamiento a algunos de los críticos, teóricos e historiadores del arte con mayor incidencia en el complejo panorama crítico internacional de los últimos años: Benjamín Buchloh, Donald Kuspit, Thomas Crow, Arthur Danto, Hal Foster, Serge Guilbaut, Rosalind Krauss, Griselda Pollock, Lucy Lippard y Douglas Crimp.