Michael Fried

Fried ofrece una interpretación original de la pintura de Courbet, en la que destaca tanto su visualidad como su sentido alegórico y metafórico. Los grandes temas del artista y los grandes tópicos de la historiografia son analizados con la minuciosidad que le es caracteristica: el realismo de Courbet, su "sentido" politico, su "vision natural"... Y a buen seguro que alguna de estas cuestiones la feminidad de Courbet, por ejemplo sorprenderan al lector.

Presentamos ahora la traducción de Absorption and Theatricality con el título El lugar del espectador. Estética y orígenes de la pintura moderna, en lo que seguimos la pauta marcada por la edición francesa. A este le seguiran los dos libros sobre Coubert y Manet, con lo que el lector en lengua castellana podra disponer de las obras fundamentales de Fried.Calificado en numerosas ocasiones de formalista, Michael Fried analiza los cambios producidos en la pintura francesa en torno a 1750 en atencion a un problema central para todo el arte de la modernidad: la posicion del espectador virtual que toda pintura implica. Fried lleva a cabo un estudio detenido de las obras de los principales artistas de ese momento, tambien de aquellas otras de autores menores que contribuyen a configurar una imagen precisa del problema, y articula estos analisis con una pormenorizada investigacion de las fuentes escritas, los comentarios y las criticas suscitadas por los Salones. En el siglo XVIII, a traves de estas criticas y reflexiones en cuyo marco son las de Diderot de singular importancia, se advierte la tension que suscito esta pintura, como a traves de ella se perfilaba una manera original, y en buena medida heterogenea, de ver el mundo.

La figura ha sido un aspecto central para la pintura. En muchos ensayos recientes he intentado mostrar el conflicto entre la figura como propiedad fundamental de los objetos y la figura como médium de la pintura. El exito o fracaso de una pintura ha dependido de su capacidad para conservarse, quedar impresa o resultar convincente como figura. Lo que esta en juego en este conflicto es si las pinturas o los objetos en cuestion se perciben como pinturas o como objetos, y que es lo que determina su identidad como pinturas al enfrentarse a la exigencia de que se conserven como figuras.

Stephen Shore (b. 1947) is a true artistic innovator whose work has opened up new frontiers for contemporary photography. His photographs of American scenes unveil the exceptional beauty to be found in the everyday. As one of the first art photographers to work in color, Shore pioneered such contemporary genres as the diaristic snapshot (later taken up by Nan Goldin and Wolfgang Tillmans) and the monumentalized landscape (as later practiced by Becher-school photographers Thomas Struth and Andreas Gursky). This monograph offers the first complete examination of Shore's long and storied career, from his residency at Warhol's Factory to his experiments in conceptual photography; from his landmark series AMERICAN SURFACES to his continued exploration of emerging techniques. Shore's high-key portraits of America's chromatic landscape can be found in the permanent collections of major museums all over the world.

Anthony Caro (b. 1924) is widely regarded as Britain's greatest living sculptor and has enjoyed an international reputation since the early 1960s. Although best known for his work in steel, Caro has also worked in bronze, wood, lead, ceramics, and paper, on both large and intimate scales. Since the 1980s, the range of Caro's work has increased, encompassing sculpitecture (sculpture that the viewer can enter); large-scale works that allude to classical architecture; and sculptures that respond to earlier works by such masters as Rubens, Manet, and Matisse. This extensively illustrated book includes an overview of Caro's career by Paul Moorhouse, as well as critical essays by Michael Fried and Dave Hickey. This publication accompanies a major retrospective exhibition of Caro's work opening at Tate Britain in January 2005 and is the most up-to-date survey of Caro's work in print.

El punctum de Roland Barthes es un texto imprescindible para todos aquellos interesados en la fotografía contemporánea, en la obra de Barthes y la teoría del arte más fecunda del siglo XX. En este arriesgado ensayo, Michael Fried realiza una lectura de La camara lucida de Roland Barthes, descubriendo afinidades entre esta y algunos motivos centrales de su propio pensamiento (principalmente, los formulados en su celebre Arte y objetualidad, de 1967). Cuestionando la recepcion mas extendida del texto barthesiano, que se ha centrado casi siempre en el punctum como catalizador de una respuesta subjetiva en el espectador, Fried reenmarca este concepto en una tradicion de antiteatralidad que se remonta hasta Diderot y de la que el mismo es su principal exponente contemporaneo. De hecho, segun Fried argumenta en estas paginas, el punctum funcionaria como una garantia ontologica de la anti-teatralidad de la fotografia. Partiendo de este punto, Fried arriba a algunas conclusiones ultimas de La camara lucida que el propio Barthes no se aventuro a formular.

Este libro forma parte de una trilogía, junto con "El lugar del espectador" y "El realismo de Courbet", que analiza cierta problemática en la evolución de la pintura francesa entre los comienzos de la reaccion al Rococo, en la decada de 1750, y el advenimiento del Impresionismo en 1870-80. Las decadas de 1860 y 1870 en Francia tambien fueron el momento y el lugar en que aparecio la pintura moderna (los lienzos de Manet de la primera mitad de 1860-70 son esenciales) y, de hecho, me fije inicialmente en el periodo comprendido entre "Pere de famille" de Greuze y el "Dejeneur sur lherbe" de Manet porque, ademas del intenso magnetismo de las obras en cuestion, pense que la historia del arte (de la cual no me excluyo) tan solo poseia por entonces una comprension muy rudimentaria de lo que podriamos denominar la prehistoria de la modernidad. En esta trilogia he intentado realizar un analisis de esta prehistoria, entre otras muchas cosas, revelando una dinamica esencial en el nucleo de su estructura que hasta ahora resultaba insospechada.La modernidad de Manet desborda el que suele ser un trabajo monografico de un historiador convencional. El analisis de Fried se centra en la obra del pintor frances con una minuciosidad rigurosa, pero tambien en los pintores de la generacion de Manet y en las criticas que se hicieron a las obras de todos estos pintores. Por otra parte, lo que no suele ser habitual en este tipo de estudios, Fried vuelve sobre un trabajo anterior -"Las fuentes de Manet"-, que incluye en el texto y lo revisa a partir de su propia reflexion y su dialogo, en ocasiones polemico, con las criticas y los vacios que en su tiempo suscito.

Se reúnen en Michael Fried el historiador y el crítico de arte, dos actividades y dos tipos de discurso que marcan el específico talante del autor. Considerado habitualmente como un "crítico formalista", en la estela de Clement Greenberg, Fried es autor de algunos de los textos fundamentales en la critica del arte moderno, entre ellos La figura como forma: los poligonos irregulares de Frank Stella (1966) y Arte y objetualidad (1967). Ambos se recogen aqui y el segundo da titulo al libro. Ademas, un conjunto de articulos sobre artistas como Noland, Caro, Morris Louis, Hofmann, Johns, etc., es decir, la "plana mayor" de la pintura moderna estadounidense, aquella que, en opinion de Greenberg y el propio Fried, determina el espacio de la modernidad.

Fried ofrece una interpretación original de la pintura de Courbet, en la que destaca tanto su visualidad como su sentido alegórico y metafórico. Los grandes temas del artista y los grandes tópicos de la historiografia son analizados con la minuciosidad que le es caracteristica: el realismo de Courbet, su "sentido" politico, su "vision natural"... Y a buen seguro que alguna de estas cuestiones –la feminidad de Courbet, por ejemplo– sorprenderan al lector.

La expresión teatral y la contención, el ensimismamiento, son dos actitudes que la pintura francesa de mediados del siglo xviii va a hacer suyas. Las figuras ensimismadas, absortas, de Chardin contrastan con las mucho mas retoricas, teatrales, de Greuze. Ambas responden a problemas que van mas alla de las tradicionales cuestiones de estilo. La pretension de crear una ficcion suprema en palabras de Fried conduce directamente al analisis de la situacion del espectador que toda obra pictorica supone. Ahora bien, solo si este espectador desaparece, solo entonces sera plena la ficcion,

Este libro forma parte de una trilogía, junto con “El lugar del espectador” y “El realismo de Courbet”, que analiza cierta problemática en la evolución de la pintura francesa entre los comienzos de l