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Summa Artis es la gran enciclopedia española del Arte y, al mismo tiempo, una historia de la civilización vista a través de las creaciones artísticas del hombre. Abarca temas y aspectos no tratados o

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens

Selección de los 18 cuentos más importantes y significativos de Rubén Darío que abarcan las diferentes etapas de su estilo literario.Así, en su libro, Janson y Rosenblum, basándose en la documentación historica del periodo, describen las formas de creacion y contemplacion artistica de esta epoca, examinando la influencia reciproca entre arte y tecnologia , arte y politica, arte y musica, arte y literatura. Agrupado en cuatro amplias divisiones historicas, el texto comienza en 1776, y termina con el amanecer de un nuevo siglo en la Exposicion Universal de Paris de 1900. En contraposicion con los analisis mas francocentristas, ofrecen una completa muestra internacional, que abarca desde Australia hasta Estados Unidos, desde Mexico hasta Rusia. Y es mas, las corrientes revisionistas que han cambiado drasticamente nuestra concepcion del arte del XIX, tambien estan aqui contempladas, de forma que , ademas de un profundo estudio sobre la ya muy conocida lista de genios de primer orden- David, Canova, Goya, Ingres, Courbet, Manet, Carpeauz, Monet, Renoir, entre otros-, hay una completa revision de innumerables maestros menores- victorianos excentricos, academicos franceses, realistas sociales belgas-, que aportan un amplio contexto junto a los maestros mas conocidos del siglo. Todo ello con quinientas dos ilust...

La exposición El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935 quiere ofrecer la oportunidad de conocer, juzgar y disfrutar del que ha sido llamado "el último estilo total" de la historia: el difícilmente definible art deco. Esta es la primera muestra que se le dedica en España y tambien la primera en celebrarse fuera de un museo generalista o de artes decorativas, en una institucion con un programa de exposiciones centrado fundamentalmente en el arte moderno.Lo que conocemos como art deco fue un estilo alternativo a la vanguardia: significo una modernidad mas pragmatica y ornamental que utopica y funcionalista y acabo convirtiendose en el gran estilo del deseo y el gusto modernos, tan caracteristicos de las sociedades occidentales y del capitalismo de las primeras decadas siglo XX. El gusto moderno. Art deco en Paris, 1910-1935 se organiza en ocho secciones, cronologicas y tematicas, a traves de las que se narra un fenomeno tan fascinante como poco conocido. Con mas de trescientas cincuenta piezas de pintura, escultura, mobiliario, moda, joyeria, perfumeria, cine, arquitectura, vidrio, ceramica, laca y orfebreria, ademas de tejidos, encuadernaciones, fotografias, dibujos, planos, maquetas, carteles publicitarios y revistas procedentes de mas de cincuenta colecciones publicas y privadas de Europa y Estados Unidos, la exposicion testimonia el aire de un tiempo tan dificil de captar como presente en nuestra cultura contemporanea.La muestra reune a 122 artistas, artistas-decoradores, diseñadores, couturiers, interioristas, arquitectos, artesanos o ensembliers cuyas obras articulan relato expositivo que busca los origenes del art deco en el Paris de la primera decada del siglo XX, revisa el cubismo como una de sus fuentes y ofrece una panoramica del lujo y la funcionalidad de los interiores franceses de los años veinte. Recorre despues la Exposicion Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de Paris en 1925 y presenta una cuidada seleccion de objetos resultantes de los procesos de seduccion para el consumo y creacion de nuevos habitos sentimentales, corporales e intelectuales que el art deco ejercio sobre la moda, la perfumeria, los complementos y los objetos decorativos. El gusto moderno. Art deco en Paris, 1910-1935 se demora tambien en el viaje moderno y en la presencia de lo exotico en el art deco centrada en la Exposicion Colonial de 1931 en Paris y llega hasta mediados de los años treinta, cuando la peculiar modernidad del art deco se reune y se mezcla con aquellas nuevas formas las de Charlotte Perriand, Le Corbusier o Eileen Gray habitualmente identificadas con la modernidad, de cuya historia el art deco, curiosa e injustamente, parece casi no haber formado parte.

En los últimos años del siglo XIX, Santiago Ramón y Cajal comenzó a realizar numerosos dibujos histológicos en los que se representaba, sobre todo, la morfología de los tejidos nerviosos, algo que siguio haciendo hasta principios de los años 30. Dichas ilustraciones fueron conocidas tempranamente por la comunidad cientifica, y tras la concesion a Cajal del premio Nobel en 1906 alcanzaron gran difusion en amplios sectores del pensamiento y la cultura. Las espectaculares y caracteristicas imagenes de las neuronas pasaron a ser patrimonio visual colectivo y contemplando las obras realizadas por Tanguy, Masson, Miro, Ernst y otros artistas en los inicios del movimiento surrealista, se detecta que muestran un parentesco formal innegable con los esquemas y representaciones histologicas de Cajal.

Catálogo de la exposición"ARTE CONTEMPORÁNEO EN PALACIO. PINTURA Y ESCULTURA EN LAS COLECCIONES REALES"

William Kentridge (Johannesburgo, 1955) ha creado un cuerpo de trabajo en donde a traves de medios tradicionales como el dibujo, el grabado y la animación cuadro por cuadro, se pregunta por los fundamentos de la representacion visual en la modernidad, la relacion entre imagen y narracion y la naturaleza de lo cinematico. William Kentridge. Fortuna reconstruye y despliega los diferentes caminos adoptados por el artista en la formacion de una gramatica visual singular, donde la subjetividad artistica se entremezcla en todo momento con la historia reciente de Sudafrica.

El trabajo que presentamos aquí pretende profundizar en el entendimiento de la creatividad humana dentro de un esquema evolutivo. Suministrando a un equipo de artistas los conceptos básicos en que s

Tras su exitosa presentacion en toda Espana, la segunda edicion de Mi querida Babel reune nuevos materiales para todos los amantes de este singular cofre del tesoro y objeto de regalo.Un Breviario de nombres de mujer, firmado por Juan Pablo Silvestre, desvela el misterio de las palabras secretas que forman el mantra "Mi querida Babel". Nombres olvidados de todas las epocas y culturas elegidos por el poder esoterico de su sonido. Pero tambien patrimonio y acervo cultural, reflejo de la riqueza de todo lo creado por el hombre y fuente de inspiracion, en esta ocasion, de los rostros de mujer creados por Ana Juan para la obra.Ademas, piezas de coleccionista como los facsimil de la partitura original de Bebo Valdes o el manuscrito y notas de composicion de la letra de la cancion que firma Juan Pablo Silvestre.Todo ello precedido por unas sugerentes Instrucciones de uso y disfrute para el empleo del mantra.Nuevos elementos que identifican este libro con el peculiar sentido del humor y exquisita sensibilidad de Juan Pablo Silvestre, abriendonos a su rico mundo, tal y como se expresa semanalmente en cada emision de su programa de RNE-R3 Mundo Babel.

Esta obra nos adentra en el proceso de creación que llevaron a cabo icónicos artistas mexicanos hasta alcanzar los estilos por los que hoy son mundialmente conocidos. A través de las imágenes y los ensayos se ofrece una mirada critica al nacimiento y desarrollo de movimientos esteticos, sus protagonistas y el impacto que tuvieron internacionalmente dentro del vasto paisaje artistico del siglo XX.

¿Cómo se construye la historia del arte contemporáneo chino? ¿Desde qué perspectivas? ¿Quiénes son los que esbozan los discursos teóricos y expositivos a partir de monográ?cos, ensayos, catálogos y libros de entrevistas? ¿Cuáles son las expectativas que genera y de qué modo éstas in?uyen en su recepción en un marco internacional? Tales preguntas deben enmarcarse en la emergencia del arte chino contemporáneo en el escenario global en la década de los noventa y en la rápida consolidación de gran parte de sus artistas, a partir del nuevo milenio, en el mercado artístico transnacional. El presente libro recoge una serie de entrevistas a distintos historiadores, críticos de arte y comisarios que han participado activamente en la elaboración de la(s) historia(s) del arte contemporáneo en China desde una polifonía de voces y prismas. Los relatos presentados desde la primera persona del singular constituyen una fuente clave para elaborar la historia, aun siendo conscientes del reto de articularla mientras está en construcción. Estas conversaciones se convierten en instrumentos para reinterpretar, dialogar y re?exionar sobre los paradigmas y narrativas que acompañan al denominado arte contemporáneo chino.

Catálogo de la exposición centrada en el primer procedimiento fotográfico de la historia y su introducción en España. El daguerrotipo se presentó en 1839 como el sistema mecánico de reproducción de la realidad, una nueva tecnología capaz de fijar las imágenes obtenidas en el interior de una cámara oscura. El propósito de esta exposición ha sido contextualizar el nacimiento de un invento tan singular, como el mejor ejercicio para conocer su historia y de acercar al público aunque sea mínimamente, a lo que debieron sentir aquello que vieron por primera vez un daguerrotipo, su perfección, la finura de sus detalles, su cercanía con la realidad, en definitiva, a la "extrema fidelidad" del daguerrotipo presente como el "triunfo de la imagen", como portador de verdad y memoria, individuales y colectivas.

El noveno título de la colección anual del BBVA OpenMind dedicada a la divulgación científica y tecnológica"El próximo paso: la vida exponencial"presenta una visión del potencial de las llamadas “tec

"Catálogo de la exposición Bruce Conner (1933, McPherson, Kansas-2008, San Francisco) es uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición, la primera que presenta su trabajo en nuestro pais, reune mas de 250 obras que abarcan los cincuenta años de su trayectoria.La obra de Conner surge en la escena artistica de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes tecnicas y, a menudo, creando piezas hibridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado."

Los Encuentros Internacionales de Arte en Pamplona reunieron, en junio de 1972, obras de más de 350 artistas de todas las disciplinas: arte electrónico, performance, videoarte, poesía pública, pintura y escultura, musica electroacustica, musica aleatoria A lo largo de la semana que duraron, lograron convocar, ademas, a varias decenas de artistas internacionales como John Cage, Steve Reich, Michael Nyman, etc. Los Encuentros de Pamplona supusieron un verdadero shock en la conciencia colectiva española. Y aunquese celebraron con todas las limitaciones impuestas por la agonica dictadura, fueron un preanuncio de la creacion artistica y cultural en libertad que llegaria a España tras la muerte de Franco.Este acontecimiento inesperado y premonitorio es el que se aborda en el libro Los Encuentros de Pamplona, en donde se incluyen entrevistas a sus principales protagonistas (Luis de Pablo, Jose Luis Alexanco, IgnacioGomez de Liaño, Isidoro Valcarcel Medina, Jose Miguel de Prada Poole), varios ensayos de importantes especialistas y dos series completas de las fotografias que documentan aquel decisivo acontecimiento. Los Encuentros de Pamplona permitira poner en perspectiva los logros y las limitaciones de la creacion artistica y cultural en España tras este casi medio siglo de convivencia

La exposición, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes) y comisariada por Berta Sichel para Bureau Phi Art Projects, es una inmersion multimedia en cuatro decadas de la produccion de Leandro Katz, El rastro de la gaviota- titulo de una de sus obras- es un ensayo visual de la conexion del artista con la antropologia, la historia y la literatura desde diversos acercamientos conceptuales. En su obra, uno de los intereses mas destacados es la cultura Maya. La aparente simplicidad en las imagenes de la Luna en peliculas como Tomas Lunares o La ventana de Judas, entre otras, y tambien en la serie fotografica El Alfabeto lunar, por ejemplo, estan implicitamente relacionadas con esta cultura, ya que existia una intima conexion entre la Luna y algunos de sus mitos.

What about the Art? Contemporary Art from China es el reflejo editorial de la exposición de mismo nombre organizada por Qatar Museums que tuvo lugar el pasado año en la galería Al Riwaq en Doha. Cai Guo-Qiang reflexiona sobre el proceso creativo a parti

- El único libro sobre una de las colecciones privadas de arte iraní más importante del mundo. - Este lujoso volumen recoge 250 piezas de arte contemporáneo iraní y una selección de obras medievales

A miles de kilómetros se escribió una narración hasta ahora desconocida del arte español contemporáneo. En la ciudad de Pittsburgh (Pensilvania) el mogul de la industria del acero, Andrew Carnegie, decidio financiar desde 1896 un sistema de acceso a la cultura para el pueblo americano, que incluia un museo y, de forma periodica, una exposicion donde se enseñara lo mejor del arte occidental: las Internacionales. El arte español fue protagonista en muchas de estas ediciones, con el exito de Zuloaga, Anglada Camarasa, Picasso, Dali, Miro, Solana, Caviedes, Tapies, Canogar, Feito, Saura, Rivera, Chillida, Susana Solano, Juan Muñoz o Cristina Iglesias, entre otros. Este libro analiza la trayectoria de mas de un centenar de artistas españoles, asi como su recepcion en los media y en el sistema de galerias y museos estadounidenses. Fue un proceso que culmino con la plena integracion de nuestro arte en la escena internacional, superando por fin los topicos y complejos del pasado.

La intriga de esta novela está basada en la idea de un crimen sin móviles, un crimen perfecto: dos desconocidos acuerdan asesinar cada uno al enemigo del otro, proporcionándose así una coartada indestructible. Bruno: alcohólico con problemas edípicos, homosexual latente viaja en el mismo tren que Guy :ambicioso, trabajador, adaptado. Empieza a conversar y Bruno, demoníacamente, fuerza al otro a hablar, a descubrir su punto débil, la única grieta en su ordenada existencia: Guy quisiera verse libre de su mujer, que le traicionó y que puede ahora obstaculizar su prometedor futuro. Bruno le propone un pacto: él matará a la mujer y Guy, a su vez, al padre de Bruno, a quien éste odia. Guy rechaza tan absurdo plan y lo olvida, pero no así Bruno, quien, una vez cumplida su parte, reclama al horrorizado Guy que cumpla con la suya...