Libros de Arte moderno, página 11 de 44

La exposición ´Hilos de Esplendor. Tapices del Barroco´, organizada conjuntamente por el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Patrimonio Nacional, ofrece una selección de casi una treintena

Un libro de inspiración. Un recorrido visual donde observamos que las calles de la ciudad siguen siendo ?lienzos? para grandes artistas urbanos.

La definición de la época del Barroco, entendida como un conjunto de complejos acontecimientos culturales y artísticos acaecidos en Europa durante el siglo XVII, es una cuestión ampliamente discutida entre los críticos. En una de sus acepciones más difundidas, el Barroco queda circunscrito a ciertos aspectos del arte propio del siglo XVII que, centrando su atención en la Roma suntuosa, trastocó por completo las proporciones y el armonioso estatismo del Renacimiento, ya minados durante el anterior siglo por obra del Manierismo, con el predominio de líneas angulosas, el movimiento excéntrico de las formas, la audacia óptica del ilusionismo y la expresividad teatral. Bernini, Barromini, da Cortona y Rubens son, entre otros, ejemplos determinantes. Sin embargo, además de estas expresiones afectistas, el arte del siglo XVII presenta soluciones en absoluto distintas que se materializan en la pintura naturalista de Caravaggio, pero también en el clasicismo de Poussin y los Carraci, en la pintura intimista de Vermeer y en los registros pictóricos de Rembrandt y Velázquez. Reflejo de las vicisitudes sociales, políticas, científicas, culturales y religiosas que agitaron profundamente al mundo europeo, el Barroco, desde su aparición en el escenario italiano gracias a los encargos de la iglesia y las familias poderosas, brilla con un nuevo esplendor España, Francia, los Países Bajos y en otros lugares de Europa y ultramar, coincidiendo, al mismo tiempo, con el surgimiento de nuevos mecenas y coleccionistas y siguiendo caminos que se cruzan con la música, la literatura y el teatro. A principios del siglo XVIII, como fruto de la evolución más madura del Barroco, nace en Francia y se extiende al resto de Europa el estilo Rococó, que adopta formas ligeras y adornos arabescos, elegantes y de colores brillantes tanto en la pintura como en la escultura y en la arquitectura, antepone a los temas más específicamente sagrados o heroicos, los motivos relacionados con la ligereza de la vida aristocrática o las escenas de género; todo ello desde una actitud alegre, frívola pero también humilde y sin pretensiones. Watteau , Fragonard, Boucherm Canaletto y Bellotto son algunos de los representantes de este estilo de pintura, mientras que en la arquitectura destaca Neuman con la magnífica residencia de Wurzburgo.

La iglesia de San Luis de los franceses está considerada como una de las obras maestras del arte barroco hispánico. Era la capilla pública del noviciado de la Compañía de Jesús en Sevilla. En su diseño fue crucial la labor de Leonardo de Figueroa con la supervision de un escogido grupo de intelectuales jesuitas. Pretende recrear un templo destinado al culto divino recuperando la morfologia y la simbologia del templo de Jerusalen. Su arquitectura, diseñada segun el modelo de otras iglesias jesuitas, esta dotada de un complejo sistema de iluminacion acompañado de todas las bellas artes reunidas en su interior, tratando de unificar su contenido en torno a las enseñanzas de San Ignacio de Loyola.

Textos de Concha Herrero Carretero, Nello Forti Grazzini. Catálogo de la exposición.La tapicería de Las bodas de Mercurio, tejida por Willem de Pannemaker, tapicero y proveedor de las cortes reales del Renacimiento flamenco, formo parte desde 1603 -tal como las investigaciones en relacion con esta exposicion han podido establecer- de la coleccion de Francisco de Sandoval y Rojas, I duque de Lerma y valido de Felipe III. Sus tapices alegorico-mitologicos, para cuya ejecucion fueron claves las creaciones de Rafael, manifiestan la especial predileccion que el Duque sintio por la tapiceria y por el arte flamenco e italiano, evidente tambien en el resto de sus colecciones. Por ello, el retrato del Duque de Lerma, pintado por Rubens en 1603, año en que la tapiceria quedo incorporada a la coleccion ducal, se incluye tambien en la exposicion, al igual que una serie de estampas de Giovanni Volpato de las Logias vaticanas, fuente iconografica de las cenefas de la serie.

Giralda es el nombre que recibe el campanario de la Catedral de Sevilla. Aunque fue construida a semejanza del alminar de la mezquita Kutubia de Marrakech (Marruecos), su remate superior y el hermoso campanario que eleva y estiliza su estructura es renacentista. Efectivamente, los dos tercios inferiores de la torre corresponden al alminar de la antigua mezquita de la ciudad, de la época almohade (finales del siglo XII), mientras que en el siglo XVI se añadió el cuerpo de campanas gracias al trabajo del arquitecto Hernán Ruiz el Joven, que además fue encargado por el Cabildo catedralicio para que el nuevo cuerpo tuviera un remate en forma de estatua que representara la Fe. La estatua fue instalada en 1568 y fue la escultura en bronce más grande del Renacimiento europeo. La palabra giralda proviene de girar y significa "veleta de torre que tiene figura humana o de animal". Con el paso del tiempo, ese nombre pasó a denominar a la torre en su conjunto, comenzándose a conocer a la figura que la corona como el Giraldillo. La Giralda, con sus 97,5 metros de altura -101 metros, incluido el Giraldillo-, fue durante siglos la torre más alta de España y actualmente lo sigue siendo de la ciudad, así como una de las construcciones más famosas de todo nuestro país. El 29 de diciembre de 1928 fue declarada Patrimonio Nacional y en 1987 integró la lista del Patrimonio de la Humanidad. Hoy, la Giralda y el Giraldillo son símbolos por excelencia de la capital andaluza.

En el mundo hispano el retablo se erige como una de las creaciones artísticas más complejas y consustanciales a su idiosincrasia. Su principal particularidad fue la de servir de marco e intensificar el efecto de la imagen religiosa, favoreciendo asi a la integracion de las distintas especialidades artisticas. La sevillana fue una de las principales escuelas creadoras de retablos desde los tiempos bajomedievales, contribuyendo al esplendor de los mismos una amplia pleyade de escultores, pintores, arquitectos, tallistas, ensambladores, etc. Esta obra pretende dar cuenta de la evolucion que, a lo largo de cinco siglos, ha experimentado la retablistica sevillana, entendiendo que su marco de creacion y distribucion abarca las actuales provincias de Sevilla, Huelva, Cadiz, Sur de Extremadura, norte de Malaga, alcanzando incluso el suelo americano, a traves de numerosas exportaciones de piezas. En el recorrido explicativo se procura dar cuenta de este viaje estilistico, cultural y humano que se inicia a finales del Gotico, avanza por el Renacimiento, las distintas modalidades barrocas, el academicismo y, cuando parecia una formula extinta, recurre al pasado para adquirir nuevos brios, ya en los siglos XIX y XX.

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional del Prado, julio-septiembre 2011. Muestra un centenar de obras desde el nacimiento de este género paisajista hasta su pleno desarrollo, a traves de figuras de capital importancia como Velazquez, Claudio de Lorena o Poussin.

Abans del segle XVIII, hi ha algun artista conegut pel missatge polèmic de les seves obres, com ho són posteriorment Hogarth, Daumier o Goya? Si bé ningú no dubta del contingut crític d'algunes obres i de la capacitat de l'artista d'atacar, a partir d'aquest segle, a través del seu art, aquesta qüestió semblava menys clara en l'art dels segles XVI i XVII. Aquest llibre tracta de la funció crítica de les arts visuals a l'època moderna, de les obres que contenen una polèmica oberta en contra d'un personatge, una institució o un fet concret. Els segles en els quals els fastuosos programes iconogràfics realitzats pels grans artistes de cort mostraven imatges de triomf i de propaganda política i religiosa, també veieren l'esclat de les guerres de religió i de nombroses lluites i invasions arreu d'Europa. Molts d'aquests conflictes s'acompanyaren d'imatges gens afavoridores de l'enemic. El llibre recull l'existència d'un art combatiu en dates anteriors al segle XVIII i estudia les condicions de producció, difusió i recepció d'aquestes imatges. En quin context sorgiren, què n'explica l'aparició, qui les encarregà, qui les elaborà i amb quin grau de compromís, a través de quins mitjans artístics es difongueren i quines estratègies s'utilitzaren,i, finalment, qui les rebia i quin efecte podien produir, són qüestions que faciliten l'explicació del funcionament d'un episodi de la història de l'art fins ara mai plantejat de manera global des d'una perspectiva europea.

Asphalt Renaissance brilliantly recounts the re-imagining of street painting by innovative artist and Internet sensation Kurt Wenner. Wenner revolutionised this ancient art by creating a technique that produces astounding images in 3-D--images that reach out of the pavement toward the viewer and appear perilously deep. Featuring photographs of hundreds of his paintings, this volume spans Wenner's career and captures his thoughts on art and the ephemeral nature of his work. Kurt Wenner worked for NASA as an advanced scientific space illustrator, but left to pursue his love of classical art. In Rome, he began creating street paintings to finance his travels and study; within a few years, he had won several gold medals in European competitions. In 1985, Wenner was the subject of a National Geographic documentary called Masterpieces in Chalk. He has received the Kennedy Center Medallion in recognition of his outstanding contribution to arts education.

El pintor francès Gustave Courbet va fer trontollar el món de l'art al segle XIX. A través del seu pinzell la realitat entrava dins els quadres: naixia el realisme. Catàleg de l'exposició exhibida al MNAC entre abril i juliol de 2011 amb una selecció de les obres més remarcables de Courbet amb l'objectiu de resseguir-ne l'empremta al nostre país. Obres en la major part dels casos exposades en primer cop a Espanya que revelen la influència de Courbet en la pintura catalana del'època, a partir sobretot de l'obra de Ramon Martí Alsina, artífex de la renovació pictòrica i introductor del realisme al panorama artístic espanyol.