Libros de Estética, página 4 de 28

Cuando en los albores de la década de los setenta aparecía Del arte objetual al arte de concepto, el libor no aspiraba sino a ofrecer un balance de los años sesenta y sus estribaciones en la década siguiente. Tras anteriores analisis sobre la Fenomenologia de la pintura moderna (Simon Marchan 1972, inedito) a traves de los filones que se deslizan del Impresionismo a la Abstraccion, la ampliacion a los ultimos confines cronologicos pretendia ante todo ahondar en la poetica de cada tendencia, y sintonizar, desde nuestra peculiar situacion cultural, artistica y politica, con el panorama artistico internacional.

"En estos tiempos de miserias omnipresentes, de ciegas violencias, de catástrofes naturales o ecológicas, podría parecer que hablar de la belleza es incongruente, inconveniente, provocador, casi un escandalo. Pero precisamente por todo esto, vemos que, en oposicion al mal, la belleza se situa en el otro extremo de una realidad a la que debemos hacer frente". FRANAOIS CHENGEstas cinco meditaciones, que originalmente fueron cinco sesiones orales, constituyen un breve pero intenso dialogo entre la estetica occidental, fundamentalmente la renacentista, y la estetica oriental, en especial la china, que nos adentra en el misterio de la belleza como luz y como espiritu.

En Occidente, el más poderoso aliado de la belleza ha sido siempre la luz. En cambio, en la estética tradicional japonesa lo esencial es captar el enigma de la sombra. Lo bello no es una sustancia en si sino un juego de claroscuros producido por la yuxtaposicion de las diferentes sustancias que va formando el juego sutil de las modulaciones de la sombra. Lo mismo que una piedra fosforescente en la oscuridad pierde toda su fascinante sensacion de joya preciosa si fuera expuesta a plena luz, la belleza pierde toda su existencia si se suprimen los efectos de la sombra. En este ensayo clasico, escrito en 1933, Junichiro Tanizaki va desarrollando con gran refinamiento esta idea medular del pensamiento oriental, clave para entender el color de las lacas, de la tinta o de los trajes del teatro no; para aprender a apreciar el aspecto antiguo del papel o de los reflejos velados en la patina de los objetos; para prevenirnos contra todo lo que brilla; para captar la belleza en la llama vacilante de una lampara y descubrir el alma de la arquitectura a traves de los grados de opacidad de los materiales y el silencio y la penumbra del espacio vacio.

Desde «la mesa de cocina» del señor Ambrose en Fin de viaje hasta la mesa de Katherine Hilbery en «su cenáculo», la del cuarto de Jacob, la de cocina del Sr. Ramsay o la de comedor en que la Sra. Ram

Este volumen propone reflexiones sobre si el arte puede ser utilizado para desplegar la crítica social. Para ello, Hernàndez y Herzog comentan los hitos más destacados de la filosofía y sociología:

La autora analiza lo grotesco como una forma de ruptura con las convenciones culturales, tanto en la creación ornamental como en la caricatura, el carnaval, la metamorfosis, etc. Sitúa lo grotesco en la tradicion historica del arte y la cultura occidentales y concibe su espacio como marco en el que el juego es factor determinante de su lenguaje. El libro de Frances S. Connelly ofrece un panorama de las creaciones grotescas que, a pesar de su presencia en el curso de nuestra historia, solo recientemente han empezado a interesar a los historiadores.

El placer asociado a los escalofríos musicales parece estar claramente localizado fisiológicamente. Es decir, que en tales casos el placer musical gira en torno a un particular efecto fisiológico, el escalofrio que recorre nuestra piel, siendo tal efecto parte integrante del placer experimentado. Una razon por la que el fenomeno del escalofrio musical es interesante desde el punto de vista filosofico es la siguiente: ¿como puede un simple hormigueo o un ligero temblor, es decir, una mera alteracion corporal, ser relevante para la apreciacion estetica? Cierto numero de filosofos del arte, el mas famoso Nelson Goodman, nos han acostumbrado a ver como ridicula gracias al caracter ridiculo con que la han adornado la idea de que se pueda atribuir un rol legitimo a las sensaciones en el analisis de la respuesta estetica. ¿Para que sirve una mera sensacion, aunque sea agradable, en el ambito del arte?, ¿que nos dice, de que nos da testimonio?, ¿nos informa de alguna cuestion de caracter artistico?, ¿arroja luz sobre alguna relacion artistica de ideas? Si la respuesta es no, entonces arrojemosla, si no a las llamas, si al cubo de la basura de la teoria del gusto. Esta es el juicio a la Goodman dominante. Pero no es algo que yo comparta por completo, de ahi mi interes por los escalofrios musicales.

Dos son los ejes que centran el trabajo histórico y teórico de Giampiero Moretti: la consideración del genio como una entidad autónoma, personalidad demoníaco-divina cuya existencia sobrepasa misteriosamente los limites de lo puramente humano; en segundo lugar, el genio en tanto que posee un don-talento innato en el hombre, y en alguna medida poseido por el, del que se sirve aunque ignore su fundamento. La relacion entre estas dos dimensiones, su entrecruzarse reciproco en la historia de Occidente en cuanto historia de la afirmacion de la subjetividad, guian el recorrido de su estudio.Moretti estudia la condicion del genio de modo original y minucioso en el ambito de la relacion existente entre el poeta y el artista con la naturaleza. Surgen aqui las principales preguntas y los problemas mas complejos, pues el genio afirma su condicion subjetiva, su fuerza, su excepcionalidad y prescinde de las reglas que habitual y clasicamente se aplican a la representacion-imitacion de la naturaleza. El genio sustituye la verdad conceptual de las reglas por el poder creador de la imaginacion y la fantasia, de tal modo que, como dice Kant, es el mismo naturaleza, no un simple interprete. Moretti analiza la historia de esta tension en la Antiguedad y en el Renacimiento, pero son sobre todo sus estudios sobre el dieciocho ...

El Salón de los Rechazados es un cóctel de experiencias, conceptos, sugerencias y muchas preguntas que, convenientemente mezclado y servido, permite disfrutar del arte e incorporarlo a nuestra vida cotidiana. Su lectura invita a experimentar y compartir experiencias estéticas en el museo, el teatro, el cine y la ciudad. Cuatro intensas propuestas para multiplicar nuestra existencia.

Escrit el 1933,_ Elogi de l'ombra_ s'ha convertit en un classic indiscutible per la subtilitat amb que Junichir? Tanizaki compren i explica l'estetica japonesa, plasmada en temples, cases i objectes, en el teatre i els vestits. Aquesta reflexio porta Tanizaki a l'arrel mateixa de l'estetica oriental, clarament oposada a l'occidental. Els eixos que vertebren els ideals de bellesa a Occident han estat la llum, la netedat, les linies rectes i l'harmonia. D'acord amb Tanizaki, els ideals japonesos tendeixen, en canvi, a buscar la força suggeridora de l'ombra i l'asimetria, el contrast i el buit. Sota l'influx de la filosofia zen, la penombra -el canviant joc de les ombres sobre els objectes- ens acosta a l'essencia mes profunda de les coses i a una manera radicalment diferent d'entendre la vida i l'art. UN ASSAIG POÈTIC I ENLLUERNADOR SOBRE LA BELLESA, SOBRE LA FORÇA ENIGMATICA DE LES OMBRES. Editat amb la col·laboracio del Departament de Cultura de la Generalitat.

«Ante los tres arcos de entrada a la iglesia, hoy no arden los tres fuegos rojos que de vez en cuando se encendían en la primera iluminación. Sólo bajo el tejado del campanile brillan bombillas rojas

El luga de la o a de a te, la osi ilidad de econoce la o disce ni la, de distingui la, de asumi su singula idad, de acom aña la hasta donde ella ha llegado o odido llega , de ende del fundamento/filamento desde cuyo egimen y en cuya ne linosa o istina atmosfe a a a ezca.

Libro incluido en Biblioteca Selecta Forum de Barcelona 2004Walter Benjamin, para muchos un representante heterodoxo de la Escuela de Frankfurt y sin duda un pensador de extraordinaria fecundidad, publico La obra de arte en la epoca de su reproductibilidad tecnica (1936) en la Zeitschrift fur Sozialforschung. En este opusculo y en otros escritos de la decada de 1930 como Paris capital del siglo XIX, desarrollo una critica materialista de la razon estetica, del arte como produccion de valor social. A diferencia de Adorno y Horkheimer, que formularon una critica de la razon instrumental y de la industria cultural de masas, Benjamin analizo la alienacion de la alta cultura humanista en la sociedad capitalista de masas en terminos no tanto de una perdida de sentido del sujeto-consumidor, sino como enajenacion del objeto estetico y como decadencia de la gran cultura.Benjamin partia de un lucido diagnostico de la crisis que venia afectando a una Europa amenazada ya a fines de la decada de 1920 por el ascenso de los fascismos y cuyos efectos negativos se percibian en toda una serie de mutaciones de las estructuras de la obra de arte, impuestas por el proceso de su fetichizacion como mercancia, por los ritmos industriales y por su reproduccion a traves de nuevas tecnicas y medios de comunicacion.