eBooks de Historia y estudios de arte dramático, página 4 de 47

"Esta gran obra de obras es un puzzle donde cada una de ellas remite a una situación diferente, pero continúa con remesones interiores de la anterior que preludian lo que viene en la siguiente. En este puzzle podemos armar esa historia personal de una mujer que reclama verdad, memoria y justicia, que propugna la defensa de los derechos de las mujeres, que protege al amor en contra de todo odio, desde su personalidad detallista y minuciosa al elegir cada palabra resonante" (Alberto Palasi).

Sófocles - en griego antiguo, Sophoklés - (496 a. C.- Atenas, 406 a. C.) fue un poeta trágico griego. Autor de obras como Antígona y Edipo rey, se sitúa, junto con Esquilo y Eurípides, entre las figuras mas destacadas de la tragedia griega. Edipo Rey de Sofocles es una de las obras clasicas del teatro griego, ademas de constituir una pieza maestra desde el punto de vista teatral. Edipo Rey representa una serie de conflictos humanos y valores sociales que son considerados arquetipicos desde el punto de vista psicologico y sociologico presentando al hombre como victima del destino.

Desde el siglo XIX, cuando la cultura nipona empezó a cautivar e influir en Occidente, el japonismo ha venido ganando terreno. La fascinación por el país del sol naciente da paso a la sed por entender el verdadero sentimiento y la esencia que destila su cultura.En esa busqueda, es indispensable conocer el teatro clasico japones denominado noh.Establecido en el siglo XVI por los guionistas Kan-ami y Zeami, esta expresion histrionica caracteristica contiene y comunica los sentimientos, costumbres y vida de los japoneses.Las obras del teatro noh, sus trajes y mascaras han sido objeto de estudio y publicaciones en todo el orbe. Su popularidad ha crecido desde que, en 2008, el teatro Nogaku (que incluye las obras noh y kyogen) fue incluido en la lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la Unesco.En 129 historias, Aoki Michiyoshi actor del teatro de la escuela de Kanze de Kioto y Osami Takizawa discipulo de Michiyoshi y catedratico de la Universidad Junshin de Nagasaki presentan el teatro noh a los hispanohablantes.Otras obras de Osami Takizawa son La historia de los jesuitas en Japon (2012) y Los jesuitas en el Japon de los samurais (siglos XVI-XVII) (2018).

Este libro es la historia de un viaje, teatral y vital; el mismo que hicimos las protagonistas persiguiendo el sueño del teatro a 12 000 km de la casilla de salida. Un diario de viaje ibérico-austral cuyo telon de fondo es la trinchera creativa que construimos a base de pasion al otro lado del oceano y las dos orillas que nos atravesaron durante años. Las de la trinchera interpela al lector para situarlo en la historia de una compañia de teatro, de un grupo humano, creativo, vivo Un grupo de mujeres que, con la perspectiva que da la distancia, tomamos la decision de hacer arte con nuestros cuerpos, nuestras voces y nuestra historia.

El libro Decirse público: entre la mediación teatral y el efecto estético aborda aspectos de la relación entre teatro y público en nuestros días, desde distintas perspectivas. Para ello, aborda la relacion entre arte teatral y vida publica, generando formas de pensar las practicas artisticas frente a las cuestiones urgentes que aquejan a nuestras sociedades contemporaneas.Los textos presentados en el libro revelan la relacion entre teatro y publico a partir de la recepcion artistica, señalando como los cambios historicos ocurridos en las producciones escenicas desde la modernidad vienen provocando cambios en el efecto estetico, observandose mutaciones presentes en el vinculo entre personas espectadoras y obras de arte.El libro tambien aborda la mediacion artistica en sus diversos ambitos, destacando especialmente los experimentos realizados por iNerTE - Instavel Nucleo de Estudos de Recepço Teatral- (Inestable Nucleo de Estudios de Recepcion Teatral), organizados como actos artisticos colectivos propuestos al publico inmediatamente despues de la presentacion de espectaculos teatrales.Los debates performativos, o debates a la inversa, como los que realiza iNerTE, subvierten la mirada sobre la forma de abordar los espectaculos en los encuentros con las personas espectadoras. En lugar de partir de la pregunta "¿que quiere decir esta escena?", las propuestas parten de la indagacion "¿que sucedio con nosotros en la relacion con la escena?", planteando asi un debate que se hace efectivo a partir de las resonancias y efectos que el espectaculo provoco en el publico.

El escenario en la Bauhaus recopila dos ensayos que, en conjunto, bosquejan la teoría del escenario total y el diseño escénico de la Bauhaus correspondiente al período de Weimar (1919-1925). Si bien cada texto desarrolla aspectos distintos de la practica teatral, la forma y el espacio son el leitmotiv del libro. El trabajo en el taller escenico de la Bauhaus, dirigido por Oskar Schlemmer, concibio las relaciones espaciales de una manera novedosa: la forma humana (el actor) deja de ser central y se coloca al mismo nivel que los demas elementos escenicos: luz, sonido, movimiento, color y forma. Acompañan este ensayo, el trabajo de Moholy-Nagy, centrado en los fenomenos cineticos, abstractos y luminicos en el escenario.

Por el Stella Adler Studio of Acting, fundado en 1949 y con sedes en Nueva York y Los Ángeles, han pasado actores y actrices de la talla de Marlon Brando, Warren Beatty, Robert De Niro, Harvey Keitel, Melanie Griffith, Benicio del Toro y Mark Ruffalo. Su fundadora, Stella Adler, criada en la tradicion del teatro yidis del Lower East Side de Manhattan, aplicaba un metodo propio, basado en los principios de Stanislavski pero con diferencias notables: en su version del celebre metodo, insistia sobre todo en el conocimiento y la conciencia de uno mismo. Para ella, el talento, el esfuerzo, asi como la autoestima un actor no triunfa si en su interior no siente, toda la vida, que es Dios, son los pilares de una buena interpretacion. Sus clases fueron reproducidas y reunidas en el año 1988 por Howard Kissel con la ayuda de Glenn Young, ambos importantes criticos teatrales, basandose en grabaciones, en notas tomadas por sus alumnos y en conferencias y entrevistas. El arte de actuar, pues, constituye un valioso compendio de sus enseñanzas, basadas en la atencion, el reconocimiento y una actitud abierta al mundo. Para Stella Adler, actuar es hacer, y para ello los actores y las actrices deben estar predispuestos a creer, como niños, que todo es verdad.

Poco queda de la vida cabaretera en Guadalajara que durante décadas fue parte central del entretenimiento tapatío. Sin embargo, su existencia forma parte de un proceso sociocultural trascendente en las ciudades mexicanas, que a la par de los escenarios y pistas de baile, vieron reflejada la vida del cabaret en el cine mexicano entre 1940 y 1980.Este libro permite observar la vida cabaretera tapatia de una perspectiva historica pero tambien con un firme interes en relacionarla con su contexto: favorecida por el crecimiento dela ciudad, fomentada por los medios de comunicacion masiva y desgastada por la llegada de nuevas tendencias y modas en las maneras de divertirse en las urbes del pais.Ante los estereotipos y creencias sobre la vida del cabaret en Guadalajara, este libro contrapone testimonios, publicidades, cine y documentos para ofrecer una historia de una forma importante de entretenimiento durante el siglo XX.

The book focuses on two perspectives: the scenological and the literary, and the visions of the spectator and those of the reader. If we refer to the spectator as the one who sees, the orientation is in the angle of the scene, but when the invocations happen in the field of the dramatic text or of different experiences of literature, another central figure appears, that of the reader. The one who reads literature is also a spectator. So what relationships and differences are established in the dynamics of spectators and readers? If this spectator/reader is absent or not perceptible, does the cultural model of the scenic or literary representation in which both are assumed make sense? Is the spectator a real body, and is the reader an invisible body? Or are these bodies just two entities of meaning that modernity has forged to connote its cultural stability?

La conmemoración de los 60 años del Teatro Experimental de Jalisco es el motivo para recordar la importancia del teatro en la sociedad, ya que los escenarios y las artes escénicas han servido siempre para dar voz, se han utilizado como vehiculo sin censura para expresarse y crear espacios de libertad. Tras seis decadas de operacion, este teatro mantiene su mision como un espacio para albergar diferentes voces, diversas expresiones artisticas y para todo tipo de publico. Justamente de ello trata este libro: de la huella que ha dejado este recinto en su comunidad a partir de explorar su trayectoria y conocer la experiencia de quienes lo han vivido.

F antasmas en escena estudia la desaparición de personas en el teatro del período 2001-2015 a través del análisis de cuatro obras: Un mismo árbol verde, de Claudia Piñeiro; Los murmullos, de Luis Cano; La Chira (El lugar donde conoci el miedo), de Ana Longoni, y Luisa se estrella contra su casa, de Ariel Farace, todas estrenadas en la ciudad de Buenos Aires.Mariana Eva Perez toma distancia de la caracterizacion de la desaparicion forzada como una forma entre otras de violencia estatal y la entiende en este libro como una biopolitica de produccion de espectros. Esta biopolitica desaparecedora opero a nivel de los cuerpos y de la poblacion por medio de la reduccion a la espectralidad y la fabricacion masiva de fantasmas, con el objetivo inmediato de producir terror y paralisis y con el fin ultimo de transformar en sentido regresivo la estructura socioeconomica argentina.Gracias a un agudo y cuidadoso analisis centrado en la dramaturgia, Perez encuentra en el teatro no solo una ampliacion del repertorio de temas, figuras y motivos para representar la desaparicion, sino tambien el desarrollo de estrategias innovadoras que recrean en el aqui y ahora teatral mecanismos y formas de funcionamiento propios de la dimension fantastico-espectral de la desaparicion. De esta forma, la autora rastrea en los textos dramaticos nuevos sentidos sobre el pasado (y su persistencia en el presente) que desbordan el marco de lo decible por otros discursos sociales disponibles en el momento. Fantasmas en escena propone asi un dialogo entre el teatro del periodo 2001-2015 sobre la desaparicion y su extraescena: las politicas de la memoria del kirchnerismo, que Perez sopesa y discute con claridad y sagacidad singulares. Un aporte fundamental para abrir la discusion mas alla de las consignas historicas de verdad y justicia, y adentrarse en los problemas del duelo inconcluso, el reconocimiento de lo espectral y el legado de los desaparecidos.

En nuestro folclor colombiano, la Patasola es una mujer monstruosa que tiene una sola pierna en forma de pezuña y un aspecto aterrador. Sin embargo, es la protectora de los animales y del medio ambiente. En esta historia una firma petrolera extranjera se instala en un lugar de los llanos orientales para perforar la tierra, con el consecuente daño ecologico. Uno de los personajes principales, "el gringo", es ademas abusivo y desconsiderado con los animales silvestres que encuentra a su paso, lo que despierta la ira de la Patasola. Es una obra de teatro para niños desde los diez años, que ofrece divertidas situaciones, y, a la vez, despierta la conciencia del cuidado de los recursos hidricos, la flora y la fauna, en los jovenes lectores. Al final presenta sugerencias de montaje, vestuario, caracterizacion de personajes y escenografia, que facilitaran la puesta en escena.

Un emotivo y fascinante recorrido por la escena teatral porteña en los primeros cinco años de la intensa década de 1960. Salas nuevas, espectáculos modernos, variedad de géneros escénicos, actores que luego alcanzarian el reconocimiento general, obras de autores clasicos, experimentos muy novedosos, emociones teatrales, como denomina su autor a estas breves viñetas recobradas a partir del recuerdo de su adolescencia y filtradas por su conciencia de hombre maduro, con una enorme trayectoria en el teatro. Estas paginas son una maravillosa invitacion a vivir las noches teatrales de la Buenos Aires de entonces, una ciudad en ebullicion, con una actividad artistica incomparable. Kado Kostzer enriquece sus memorias de espectador juvenil con impresiones actuales y permite recuperar espectaculos tanto famosos como desconocidos, puestas asombrosas y sencillas, nombres que trascendieron y otros que no perduraron, salas perdidas y aquellas que aun hoy continuan convocando a sus fieles espectadores.

El presente volumen contiene el texto dramático y las partituras de El bosque sobre el bosque, las sombras de Humboldt~Farsa operática, espectáculo de gran formato, mencionado por el diario El Tiempo dentro de lo mejor de la cultura en el 2019. El bosque sobre el bosque celebra los 250 años del nacimiento de Alexander Von Humboldt, cientifico, humanista y artista, que jugo un papel determinante en la configuracion de los ideales y la independia americana. Acompañan al texto dramatico de Alejandro Gonzalez Puche, las partituras de Daniel Velasco y las imagenes de Pedro Ruiz, valiosas reflexiones y memorias del equipo de creacion y produccion transdisciplinar, conformado por investigadores, productores, actores, musicos, directores y espectadores que comparten la admiracion y el asombro por la figura Humboldt.

¿Qué lugar ocupan el nuevo cine argentino y el mexicano en el horizonte del final del arte? En la época de la imagen total el cine continúa —contra las profecías de su eclipse— como mecanismo de cons

En un contexto tan difícil para las artes escénicas, debido a la crisis sanitaria y económica a nivel mundial, el lanzamiento de este volumen de obras teatrales, escritas antes de la pandemia, acaba siendo una muestra de resistencia y esperanza de un mejor futuro para la humanidad y las artes como el teatro, que requiere de la diversidad de perspectivas y de la busqueda incesante de renovar su lenguaje. Gracias al jurado calificador de la tercera edicion del Concurso Nacional de Dramaturgia Teatro Lab, que convoca y organiza el Centro Cultural de la Universidad de Lima, por haber sabido valorar en su justa dimension estas obras.Hoy, mas que nunca, confiamos en que la lectura de las obras reunidas en este libro tengan la capacidad de lograr que ingresemos a universos que nos enriquezcan como seres humanos, de incentivar a mas personas a seguir creando, pero tambien de propiciar que productores y directores puedan encontrar en ellos la materia prima para un nuevo montaje que seguramente incorporara alguno de los elementos que hoy se vienen explorando como la fusion cine-teatro, la virtualidad y la exhibicion via streaming.Porque al final de cuentas, lo importante es que se siga incentivando la creacion y la innovacion en el campo dramaturgico, a traves de la exploracion de nuevos lenguajes y la difusion de las obras teatrales. Objetivos, todos ellos, del concurso Teatro Lab.

El propósito de este libro es analizar las relaciones que se dan entre cultura política, visualidades y cine; este objetivo se desarrollará en tres momentos; en el primero se determinan las implicaciones en la constitucion de sujetos y la cultura politica contemporanea, en el segundo, el dialogo entre la investigacion y la creacion artistica, con los modelos de produccion de conocimiento y saber cientifico, en el ambito universitario y finalmente, una subdivision entre la reflexion del cine a partir de la filosofia y las concepciones de justicia que se expresan o configuran en producciones visuales.Estas cuestiones surgen en virtud de las tensiones que se dan entre la creacion en el campo de las artes y la investigacion en el campo academico, en este sentido, este libro busca articular de una manera transdisciplinar la filosofia, el arte, los estudios visuales y la educacion proponiendo analizar las relaciones que se dan entre sujeto, cultura politica y cine.AbstractThe purpose of this book is to analyze the relationships that exist between political culture, visualities and cinema; This objective will be developed in three moments; in the first, the implications in the constitution of subjects and contemporary political culture are determined, in the second, the dialogue between research and artistic creation, with the production models of knowledge and scientific knowledge, in the university environment and finally, a subdivision between the reflection of cinema based on philosophy and the conceptions of justice that are expressed or configured in visual productions.These issues arise due to the tensions that exist between creation in the field of arts and research in the academic field, in this sense, this book seeks to articulate in a transdisciplinar y way philosophy, art, visual studies and education proposing to analyze the relationships that exist between the subject, political culture and cinema.

Este libro será el gran consejero para los actores y actrices que piensan orientar su carrera hacia el teatro musical y, en este empeño, tendrán que pasar una y otra vez por las temidas «audiciones».

La importancia de aceptar las cosas como son y con humorCon un estilo irreverente, disruptivo y provocador, Marisol Benavides nos permite entrar a su mundo más íntimo y personal. Sin parámetros y sin anestesia, la autora nos invita a explorar en sus emociones, a escarbar en los miedos y a enfrentar las advesidades conhumor y sin pelos en la lengua.

Cuatro personajes, cuatro hombres extraídos del libro de la historia humana y la actitud de cada uno ante el poder. El ejercicio de gobernar, tema que apasiona al autor, como ya lo hizo patente en otras dos piezas teatrales publicadas en el libro titulado "La politica es puro teatro", que obtuvo el Premio Creacion Literaria Morelense.En estas cuatro obras, el autor analiza las emociones de celebres personajes en pasajes decisivos de la vida de cada uno.Las cuatro historias, que pueden ser leidas como novelas, son muy entretenidas y atrapan al lector, que seguramente no querra apartar sus ojos de las paginas hasta llegar al final sorpresivo en que desemboca cada una de las obras.