Valeriano Bozal

Los creadores de la pintura y la escultura modernas, Picasso, Miró, Julio González, los artistas españoles de la Escuela de París, el arte nuevo, la vanguardia de los años treinta, el pabellón de Paris en 1937...El cosmopolitismo del modernismo y el noucentisme catalanes, la posibilidad de alcanzar un rango de modernidad en el seno de una tradicion definida como España negra, el debate en torno a un arte renovador o vanguardista, la marcha de muchos artistas fuera de España, preferentemente a Paris, la invencion del arte moderno que es la pintura de Pablo Picasso y Joan Miro, la escultura de Julio Gonzalez, el dificil vanguardismo de los años republicanos -¿arte puro o arte comprometido?- y la ruptura tragica de la Guerra Civil constituyen los principales temas de una historia que por su complejidad no permite un relato lineal y de sentido unico. Los cambios de direccion, el dialogo entre diversas tendencias, el encuentro entre las que se dicen contrarias, son otros tantos de los temas abordados.Este primer volumen de Historia de la pintura y la escultura del siglo xx en España estudia el periodo comprendido entre los años 1900 y 1940, en la hipotesis de que la Guerra Civil constituye un punto de ruptura y su desenlace inicia una epoca diferente. El relato tiene en cuenta la trayectoria del arte en la busqueda de una modernidad que solo ocasionalmente se alcanza, de forma mas clara y rotunda, fuera del pais, en la obra de Picasso, Joan Miro y Julio Gonzalez, tambien en la de aquellos artistas que componen la llamada Escuela española en Paris.

Se ofrece ahora la edición española de Il gusto, publicado en italiano, en 1996, dentro de la serie Lessico dellestetica, dirigida por Remo Bodei. La edición actual ha sido considerablemente ampliada y corregida, y, aunque conserva la estructura inicial, puede ser considerada como un libro nuevo.Bozal plantea en su estudio sobre el gusto algunos de los problemas fundamentales de la estetica contemporanea, las posibles relaciones entre estetica e historia del arte y las categorias basicas en el desarrollo de nuestra sensibilidad.

La exposición El gesto y la ironía, integrada en su totalidad por obras de la Colección De Pictura, pretende establecer un diálogo comprensible y atractivo entre dos tendencias artísticas que alcanzaron especial desarrollo en nuestro pais, como son la abstraccion y esa derivacion española del pop-art de claro trasfondo critico que podriamos denominar cronica de la realidad. Esas dos tendencias, aparentemente confrontadas pero no tan ajenas como a priori podria parecer, se encuentran magnificamente representadas por una cuidada seleccion de cincuenta pinturas y esculturas de artistas españoles de la segunda mitad del siglo XX, ofreciendo una de las multiples lecturas e interpretaciones que esta magnifica coleccion permite.

El cosmopolitismo del modernismo y el noucentisme catalanes, la posibilidad de alcanzar un rango de modernidad en el seno de una tradición definida como España negra, el debate en torno a un arte renovador o vanguardista, la marcha de muchos artistas fuera de España, preferentemente a Paris, la invencion del arte moderno que es la pintura de Pablo Picasso y Joan Miro, la escultura de Julio Gonzalez, el dificil vanguardismo de los años republicanos -¿arte puro o arte comprometido?- y la ruptura tragica de la Guerra Civil constituyen los principales temas de una historia que por su complejidad no permite un relato lineal y de sentido unico. Los cambios de direccion, el dialogo entre diversas tendencias, el encuentro entre las que se dicen contrarias, son otros tantos de los tema abordados.

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens

El presente texto se desgaja de una reflexión más amplia sobre dos temas que afectan de forma intensa a la formación de nuestra sensibilidad actual: la reflexión sobre la crueldad y la violencia, y el analisis de lo comico y lo grotesco. Si la primera responde a la crueldad y violencia que son propias de nuestros dias, el segundo esta suscitado por la presuncion de un mundo cerrado que no tiene otra expectativa que no sea la lucidez, pero que se resiste a no tener otra.

Realizadas entre 1819 y 1823 sobre los muros de dos salas de la Quinta llamada del Sordo, las Pinturas negras proporcionan una imagen del mundo sombrío y del mundo luminoso que siempre ha sido caracteristico de Francisco Goya. Mas alla del interes historico y de la preocupacion academica, sin ignorarlos, se contemplan como obras vivas, imagenes vivas en las que, a pesar de su caracter enigmatico (quiza tambien por el), nos reconocemos. Pinturas negras de Goya analiza una de las obras mas hermeticas del artista y, a la vez, de mayor efecto visual y emocional. Pintadas entre 1819 y 1823 en las paredes de la Quinta sobre el Manzanares que poseia el pintor, constituyen un verdadero paradigma de la modernidad, de "Capilla Sixtina" de la modernidad se dice en el libro, y constituyen un verdadero resumen de la obra del artista aragones.

El desarrollo de la estética y las teorías del arte en el siglo xx adquiere una fisonomía directamente condicionada por la evolución de los movimientos artísticos y literarios. Siendo habitual que las ideas esteticas respondan a los problemas planteados por las obras, su recepcion e interpretacion, es rasgo propio de nuestro siglo el creciente interes de los creadores, artistas, poetas, etc., por la reflexion sobre su propia actividad. El panorama que ofrece la estetica del siglo xx se ha enriquecido con experiencias inesperadas y ha puesto en juego contribuciones desde muy diferentes perspectivas teoricas y metodologicas. El papel jugado por las vanguardias debe articularse con el auge de los estudios disciplinares y la evolucion de la critica. Todo ello, sin olvidar la respuesta social, su incidencia en el mundo cotidiano y en las interpretaciones, individuales o colectivas, de esa cotidianidad.Cuatro son los ejes que organizan el presente volumen. En el primero ocupan un lugar central los problemas relativos al lenguaje, a la consideracion del lenguaje del arte y del arte como una forma de lenguaje. El segundo atiende a la conexion entre arte y sociedad y a las explicaciones que esta cuestion ha suscitado: desde la que Gerard Vilar denomina "estetica de la produccion" hasta la "estetica de la recepcion", analizada por Ricardo Sanchez Ortiz de Urbina. Los estudios disciplinares -sociologia del arte, iconologia, formalismo, pura visualidad, etc.- son el tema abordado en tercer lugar. Estos estudios, que, como se comprende bien, no son ajenos a las cuestiones anteriores, han alcanzado en nuestro siglo un amplio desarrollo. Por ultimo, se concede especial atencion al conjunto de problemas que suelen englobarse en el marco de la postmodernidad, empezando por el mismo concepto de postmodernidad. La evolucion de la critica literaria, las teorias de la arquitectura y las que Estrella de Diego denomina "figuras de la diferencia" concluyen esta historia.

Estética y teoría del arte son disciplinas -y actividades- que desarrollan su marco teórico en el Siglo de las Luces, en estrecho contacto con la historia y la crítica de arte, con la progresiva difusion y popularizacion de las obras en salones y exposiciones, el auge del periodismo, etc. Fenomenos que hoy son cotidianos tuvieron entonces su punto de partida e incidieron de manera decisiva en la configuracion de las diferentes teorias. Este primer volumen de la Historia de las ideas esteticas y de las teorias artisticas contemporaneas analiza ese proceso tal como se produjo a lo largo de los siglos xviii y xix, procurando destacar los momentos, temas y autores que constituyen sus ejes fundamentales y relacionando aspectos que son tratados habitualmente de forma independiente. El resultado es una historia que propone, tambien, una concepcion de la estetica y la teoria del arte diferente de la habitual.En este primer volumen de la Historia de las ideas esteticas y de las teorias artisticas contemporaneas se abordan los principales problemas y se analiza a los mas destacados autores en este campo. Se inicia con un analisis de los importantes cambios habidos en el siglo xviii, en especial el desarrollo de la estetica empirista y el movimiento ilustrado, pero tambien las teorias arquitectonicas y fenomenos como el de la critica de arte y el desarrollo de los salones.Los autores fundamentales para la comprension de la historia de la estetica son motivo de una especial atencion: Kant, Addison, Burke, Hume, etcetera.

El segundo volumen de "Estudios de arte contemporáneo" reúne una antología de textos sobre pintura y escultura españolas. El primero analiza los problemas planteados en torno al noventa y ocho; el úl

"Estudios del arte contemporáneo I" agrupa una serie de textos que analizan los temas de Manet, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Kandinsky, Klee, etc., y termina con el estudio del expresionismo abstracto estadounidense.El autor piensa que el arte tiene que ver con la vida cotidiana y con la historia, que la pintura y la escultura nos proponen modos de mirar e imagenes en las que podemos reconocer nuestra violencia y nuestra sexualidad, el sentido ludico, el caracter dramatico, la condicion fragmentaria de nuestra realidad comun, personal y colectiva, las formas y las concepciones del trabajo, el placer del paisaje, la figura del otro.Estos son algunos de los temas que se abordan en los Estudios.Las obras de los expresionistas, futuristas, constructivistas, dadaistas, surrealistas, las obras de los artistas neoplasticos y de los puristas, informalistas, expresionistas abstractos, realistas, pop y conceptuales, todas ellas "hablan" de asuntos diversos, del sexo, la crueldad, la violencia, la explotacion, las diferencias de genero, la alienacion, la guerra, los prejuicios, el consumo, la banalidad, las maquinas y la velocidad, los valores sublimes, la sociedad mas justa, y la mas injusta, etc. "Hablan", igualmente, de la belleza y de los modos de mirar, de la ironia y de la belleza, de la indiferencia y del compromiso, de la distancia y el entusiasmo, es decir, de un conjunto de valores y actitudes que en todos esos temas tienen mucho que ver con el lenguaje, pero tambien con la vida cotidiana.

En esta Historia Valeriano Bozal logra integrar en una evolución coherente las expresiones artísticas -pintura, escultura, arquitectura- en relación con la sociedad en que se han desarrollado, ofreciendo un panorama sistematico de las artes de sus comienzos prehistoricos hasta los movimientos mas recientes, y donde se abarcan, asimismo, algunas manifestaciones del arte popular.

Contiene ilustraciones. Realizadas entre 1819 y 1823 sobre los muros de dos salas de la Quinta llamada del Sordo, las ''Pinturas negras'' proporcionaron una imagen del mundo sombrío y del mundo luminosos que siempre ha sido caracteristico de Goya. Mas alla del interes historico y de la preocupacion academica, sin ignorarlos, se contemplan como obras vivas, imagenes vivas en las que, a pesar de su caracter enigmatico (quiza tambien por el), nos reconocemos.

Este volumen aborda la primera parte de una Historia de las ideas estéticas. Como el propio Valeriano Bozal confiesa en la presentación delmismo, en una época en la que están de moda enfáticas invitaciones a pensar, este trabajo es mucho mas modesto: solo invita a mirar, en la conviccion de que la reflexion es parte de la mirada.

Valeriano Bozal (1940) es catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Ha publicado diversos libros de teoría e historia del arte, entre los que destacan:Mímesis: las imágenes y las cosas (1987), Los primeros diez años, 1900-1910, los origenes del arte contemporaneo (1991, 1993), Goya y el gusto moderno (1994), Pinturas negras de Goya (1998) y El gusto (1999).