Libros de Teoría y crítica del cine, página 14 de 54

Cuando tenía dos años, Eugène Green sintió como su cuerpo se disolvía en la luz. Convertido en eso que dicen que es un hombre, sintió los pasos de un fantasma a su lado en una noche oscura, en la que la nieve no dejaba de caer. Hay que caer para disolverse y ser fantasma, comulgar con los vivos y los muertos, ver el imperio y las ruinas del imperio, seguir el vuelo de pájaros sagrados y percibir la estela inasible que los guía...

En los textos que siguen, el lector encontrará más de una vez que muchas de las experiencias anteriores o posteriores de aquello que llamamos cine pueden ser, en realidad, mucho más cinematográficas (en el sentido etimológico del término) que la práctica regular del arte que lleva ese nombre. Es decir, que puede haber una representación más elocuente del movimiento, de la duración, del trabajo formante del tiempo y de la sincronicidad audiovisual en las formas pre y postcinematográficas que en los ejemplos "oficiales" de la performance del cine.

El autor de esta obra es antes que nada cineasta. Si ha escogido expresar por escrito el fruto de sus reflexiones sobre la naturaleza de este arte, es en primer lugar en provecho de los que crean cine, no para proponer recetas ni modelos estrictos, sino para sugerir actitudes de investigacion que ayuden al realizador a explorar sus propias exigencias. Pero este libro existe tambien para aquellos que aman el cine. El analisis de los films escogidos pretende mostrar al cinefilo como ver mejor el cine, como forjarse criterios mas rigurosos ante la masa de peliculas que se le proponen.Los textos que aqui se recogen fueron publicados en forma de diez articulos escritos para la prestigiosa revista Cahiers du Cinema y posteriormente compilados y divididos en los cuatro bloques tematicos que conforman la obra. Burch centra su analisis en las primeras manifestaciones cinematograficas. Es en los modos de representacion primitivos donde encuentra la esencia de la praxis filmica. Y es por eso que sus conclusiones sobre la relacion entre tiempos y planos, su vision del espacio filmico, o su entendimiento de los lenguajes y los estilos sigue siendo hoy como ayer una pieza clave para abordar la estructura de la creacion cinematografica.

Entre 1920 y 1930 al cineasta le gustaba hacerse el teórico de su arte. Hoy (después de Pagnol) parece haberse perdido ese gusto, y si los cineastas "se explican" ninguno de ellos se interesa por sacar de la practica de su arte ese conjunto coherente de principios que define una teoria. Salvo quiza Bresson, cuyas declaraciones van siempre en el sentido de generalizacion y de la formalizacion de descubrimientos particulares. Haciendo films, Bresson "realiza" el cine. Sus elecciones son ucases. Admirador de Bresson, autor de varios cortometrajes, profesor del Cours Littre (que prepara para las grandes escuelas de cine), Noel Burch es el unico despues de Bazin que se ha propuesto una teoria, sino un examen sistematico y "no normativo" del cine a partir de su ontogenesis. henos, pues alejados a la vez de la utopias desalentadoras (las teorias) y de las formas recientes de analisis que repercuten sobre el cine, las disciplinas metodologicas salidas de la linguistica. He aqui el cine cogido en lo mas proximo a sus elecciones reales (practicas), es decir, al "corte", al "raccord", a las "entradas y salidas de campo" y a la realidad artistica que estas elecciones determinan. Quiza este libro suscite una orientacion mas exigente de la reflexion sobre el cine. El camino es fecundo.

Kendra Marston interrogates representations of melancholic white femininity in contemporary Hollywood cinema arguing that the melancholic white woman serves as a vehicle through which to explore the excesses of late capitalism and a crisis of faith in the American dream

El cine posnarrativo está más allá de la narración, despues de las historias. Este cine ha dejado atrás la cuestión de cómo contar una historia después de haber visto y leído todas las historias, nos descubre que mas alla de las historias existen espacios de sentido, de visualidad, de temporalidad y de gestualidad que solo aparecen en la imagen cuando el cine se libera de las constricciones narrativas

Entre la segona meitat de la dècada dels anys vint i els trenta es produeix a Espanya la conformació d'una cultura cinematogràfica, un aparell discursiu de difusió i reflexió sobre el cinema articula

Akira Kurosawa está considerado el más grande cineasta japonés y uno de los más influyentes en la historia del cine. Ha dejado una profunda huella en muchos directores, entre ellos George Lucas, Sergio Leone, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Quentin Tarantino Su obra, influida por la mejor literatura occidental (Shakespeare, Dostoievski, Gorki, Tolstoi) y llena de pesimismo, esta cruzada por una calidad estetica impresionante y contiene un planteamiento etico tan poderoso sobre la naturaleza humana, que ha llevado a considerarlo el adalid del humanismo cinematografico.A partir del titulo de uno de sus filmes, Los canallas duermen en paz, y de unas paginas de Gilles Deleuze sobre el director japones, este libro pretende reflexionar criticamente sobre el sentido del humanismo de Kurosawa sin sujetarlo sin mas a las categorias occidentales. Igualmente versa sobre el tratamiento en su obra de los grandes temas de la filosofia politica, moral y juridica: el poder, la etica, los derechos, la justicia.

En la Francia de los años cincuenta, entre la generación de jóvenes críticos que pronto daría el salto a la dirección bajo la etiqueta de Nouvelle Vague, el concepto de "política de los autores" nacio como una reaccion contra la manera convencional de entender el cine de Hollywood que identificaba al film con un genero, una productora y un interprete. Con el tiempo, este sueño de la "autoria", mediante el que se encumbro la subjetividad de los cineastas igualandola a la del resto de artistas, escritores, pintores, musicos, etc. y se minusvaloro el trabajo colectivo y la presion industrial a la que estaba sometido el cine norteamericano, termino produciendo sus particulares monstruos. Asi, en no pocas ocasiones, el actor quedo reducido al estatuto de objeto; o incluso de ganado, en la famosa frase atribuida a Hitchcock. Sin embargo, las interpretaciones de algunos grandes actores Cooper, Wayne, Grant, Stewart, entre otros revelan, en ocasiones, obsesiones tematicas y, casi siempre, una continuidad en el trabajo corporal y gestual que puede extenderse durante toda una filmografia. Asi, Cary Grant calca su gimnasia corporal al correr tras un taxi en Arsenic and Old Lace y en Charade, filmada veintidos años despues y con otro realizador. Es dec

Ohiko historiografiaren arabera, film noir terminoa joan den mendeko 40ko hamarkadaren erdialdean sortu zen Frantzian, Nino Frank kritikariaren eskutik. Denbora gutxian, izen horrek aurrekaririk ez duen hedapen eta aberastasun diskurtsibo aparta lortuko du, baina soilik Estatu Batuetatik datozen hainbat film ezkor eta ilun karakterizatzeko. Denborazko edota geografiazko berezitasunez haratago, liburu honen helburua "trama beltz" horren presentzia arakatzea da, Frantziako zinemaren historiaren zati handi batean, 30eko hamarkadatik gaur egunera arte. Horrela, zine mota hau topaketa dialektiko gisa ulertzen dugu, non Europa eta Amerika elkar aberasten eta elikatzen diren.

Los años en torno a la Segunda Guerra Mundial, sin duda la etapa más dura de la dictadura franquista, fueron también el escenario en el que se gestó la nueva cultura de vanguardia en España, cuyo nacimiento tuvo lugar, segun la historiografia tradicional, entre 1947 y 1948, cuando aparecen o retoman sus actividades grupos como Dau al Set en Barcelona o Portico en Zaragoza. La pervivencia, aun en la actualidad, de ciertas actitudes y poeticas de aquella generacion de artistas y su importante representacion en la Coleccion del Museo Reina Sofia hacen que aquel periodo constituya uno de los principales ejes de investigacion del Museo y que, por tanto, sea indispensable profundizar en su analisis y (re)interpretacion critica. Con la reestructuracion y ampliacion de las salas dedicadas a este periodo, asi como con este libro, el departamento de Colecciones del Museo Reina Sofia quiere contribuir a desbordar el estudio que habitualmente se ha hecho de la cultura visual en esta etapa de nuestra historia reciente.

"El gesto aparece como noción central en el ámbito de las transformaciones de la representación consideradas a la luz de la reproductibilidad técnica, de la revolución perceptiva y de pensamiento operada por la fotografia, el cine, la radio En esa transformacion, los gestos codificados, legibles y decisivos del gran arte; o bien los gestos retoricos, indexados, aprendidos, de la tradicion teatral clasica; ceden su lugar a la exploracion del gesto cotidiano, fugaz, inadvertido, inconsciente, popular, bruto; revelado por el ojo mecanico de la camara o bien construido en el montaje con otros gestos como apelacion al espectador que, a su vez, se ve reclamado a producir sus propios gestos como modo de apropiacion de la historia. Las imagenes cinematograficas se pueden indagar como redes de gestos trenzados. He ahi nuestra hipotesis: ver el cine europeo del siglo XXI, y la historia que lo determina, desde las poeticas del gesto."

Para ciertas almas, cada vez menos singulares, el cinematógrafo es un medio admirable para dar cuerpo a sus propios sueños, y lograr con ello que una gran cantidad de personas tomen parte de algo secreto, para sacar afuera la soledad y orquestarla. Por sueños no me refiero a lo que sucede cuando dormimos. Hablo de los espectaculos que toman vida en la noche del hombre, y que el cinematografo proyecta a plena luz. Asi, la noche en las salas se asemeja a la del cuerpo humano y una multitud de individuos van juntos tras el mismo sueño.

¿Cómo hablar sobre el pasado cuando ese mismo gesto está siendo cooptado y desactivado por el poder? Este ensayo sigue un hilo rojo en la cultura visual contemporánea para descubrir ciertas obras que subvierten las reglas impuestas por la llamada cultura de la Transicion para referirse al pasado. En ellas se cifra la "Poetica de la ausencia": son obras subjetivas, inconclusas, abiertas e hibridas, entre la fotografia y el cine documental, que utilizan tecnicas radicales de montaje y de reapropiacion para desestabilizar la idea de que el pasado se puede recuperar de manera inofensiva.Al cuestionar la concepcion del presente como un espacio liso y aproblematico, estas obras abren grietas, como queria Walter Benjamin, en la homogeneidad de la historia. Y en la de la propia escritura de este ensayo.

Los años en torno a la Segunda Guerra Mundial, sin duda la etapa más dura de la dictadura franquista, fueron también el escenario en el que se gestó la nueva cultura de vanguardia en España, cuyo nacimiento tuvo lugar, segun la historiografia tradicional, entre 1947 y 1948, cuando aparecen o retoman sus actividades grupos como Dau al Set en Barcelona o Portico en Zaragoza. La pervivencia, aun en la actualidad, de ciertas actitudes y poeticas de aquella generacion de artistas y su importante representacion en la Coleccion del Museo Reina Sofia hacen que aquel periodo constituya uno de los principales ejes de investigacion del Museo y que, por tanto, sea indispensable profundizar en su analisis y (re)interpretacion critica. Con la reestructuracion y ampliacion de las salas dedicadas a este periodo, asi como con este libro, el departamento de Colecciones del Museo Reina Sofia quiere contribuir a desbordar el estudio que habitualmente se ha hecho de la cultura visual en esta etapa de nuestra historia reciente.

El sector audiovisual es a la vez una forma de arte, una industria que genera riqueza y empleo, y el modo de comunicación que más rápido ha evolucionado en la historia. Se trata de una industria cultural que, queramos o no, cada vez juega un mayor papel en nuestras vidas, en la forma de comunicarnos y en la manera que tenemos de interpretar el mundo y nuestra realidad.Este manual esta dirigido a los alumnos del Ciclo Formativo de Formacion Profesional Tecnico Superior en Produccion de Audiovisuales y Espectaculos, aunque puede resultar tambien de gran interes para los estudiantes del grado de comunicacion audiovisual y de cualquier otra formacion relacionada con la produccion audiovisual. Su completo desarrollo lo hace tambien apto tanto para aquellos que quieren iniciarse en el campo de la produccion a nivel profesional, asi como para cualquier aficionado al cine, las series de television, documentales y demas tipos de producciones audiovisuales.El contenido esta totalmente actualizado en cuanto a legislacion y ejemplos, y estructurado de manera que pueda ser utilizado como material docente para el modulo de Planificacion de proyectos audiovisuales. Se incluye ademas una seccion con actividades referidas a cada uno de los capitulos y una propuesta de proyectos interciclos que podran ser llevados a cabo de manera conjunta por alumnos pertenecientes a distintos ciclos de la rama de Imagen y Sonido que cursen sus estudios en un mismo centro educativo.En el vamos a tratar de desentrañar las claves basicas de un sector cuyas caracteristicas obligan a todos los que se quieran dedicar a el a convertirse en profesionales polivalentes, en constante formacion, con movilidad geografica y capaces de adaptarse a las nuevas situaciones socioeconomicas, laborales y organizativas. Se trata de una industria creativa y dinamica, que no deja de mirar al futuro para contarnos nuevas historias que (en el fondo) siguen siendo las de siempre.

Cuando el siglo XIX se acercaba a su fin, en el sótano de un café parisino una pantalla iluminada sorprendía al público presente con imágenes fotográficas en movimiento. Había nacido el cine y ya nada en el campo visual volveria a ser como antes. Con la entrada del siglo XX, las artes plasticas se vieron profundamente convulsionadas por una multitud de movimientos de vanguardia que daban por clausurado un largo periodo en el que el arte habia estado dominado por la representacion naturalista. Habia nacido el arte moderno. Los vasos comunicantes entre esos nuevos movimientos resultaban tan frecuentes como entre las distintas disciplinas artisticas, siendo considerado ya el cine una de ellas. El presente libro es un estudio acerca de las influencias que las artes plasticas alumbradas durante aquella epoca recibieron del cine, ese nuevo medio de representacion visual que apenas contaba con unos años de historia. Para ello, el autor desarrolla un analisis formal y comparativo que abarca un notable numero de obras, autores y movimientos artisticos, tanto del ambito plastico como del cinematografico, que funcionan como utiles ejemplos para poner de manifiesto dichas relaciones interdisciplinares. El resultado es un trabajo de contenido tan atractivo como relevante, expuesto de una forma clara, agil y sencilla.

PRESENTADO POR ALEX DE LA IGLESIA Libro oficial de la película de Eduardo Casanova "Pieles", en su interior encontrarás el guión original, fotografías inéditas de making of y maquillaje, dibujos del storyboard realizados por el propio director, carteles descartados y mucho más. "La forma física nos condiciona para con la sociedad, lo hayamos o no elegido nosotros. Pieles, es la historia de gente físicamente diferente que por este motivo se han visto obligados a esconderse, recluirse o unirse entre ellos. Samantha, una mujer con el aparato digestivo al revés, Laura una niña sin ojos o Ana, una mujer con la cara mal formada. Personajes solitarios que luchan por encontrarse en una sociedad que solo entiende una forma física, que excluye y que maltrata al diferente.

Fundamentación de la mención del premio UNEAC Enrique José Varona 2016 que recibió este libro: El dictamen se sustentó en el adentramiento de la obra en un tema de notable interés dentro de la cinem