Libros de Arte actual, página 5 de 25

Los artistas, que llevan desde el año 1979 trabajando juntos, han utilizado técnicas muy diversas: cine, vídeo, escultura o fotografía. Además de las distintas disciplinas hay que hablar de la variedad visual y conceptual de sus obras. En sus trabajos es recurrente por un lado, la utilización de objetos cotidianos y por otro, la alteración y transformación de la realidad.

The New Museum Triennial, comisariada por Jamillah James y Margot Norton es una exposición sobre los artistas emergentes en estos días. En este momento de profundos cambios, donde estructuras estables se han revelado como precarias, esta exposicion nos mostrara el trabajo de 40 artistas y colectivos que reimaginan modelos, materiales y tecnicas tradicionales mas alla de los paradigmas institucionales establecidos. Su trabajo explora estados de transformacion, con especial hincapie en la maleabilidad de las estructuras y el potencial fluido y adaptable de los medios tecnicos y organicos. Algunos de los artistas y colectivos son Evgeny Antufiev, Alex Ayed, Nadia Belerique, Hera Buyuktaşcıyan, Tomas Diaz Cedeño, Krista Clark, Kate Cooper, Cynthia Daignault, Jes Fan, Clara Ianni Kahlil, Robert Irving, Arturo Kameya, Laurie Kang Bronwyn ,Katz Ann Greene Kelly, Kang Seung Lee, Tanya Lukin Linklater, Sandra Mujinga, Gabriela Mureb, Brandon Ndife, Jeneen Frei Njootli, Ima-Abasi Okon o Christina Pataialii

Este libro es el resultado de la investigación, la puesta al día y la selección que el crítico de arte Ricard Mas ha construido sobre el cruce histórico entre las fuentes y la innovación narrativa en los videojuegos. Una mutacion cultural que deriva del paso de la pantalla para uso de un unico lector hacia una creacion compartida en los juegos de rol masivos en red. Este salto tecnocientifico, propiciado por la fisica, ha afectado de lleno los cruces visuales artisticos con las nuevas ficciones en una doble direccion: en juegos de gran complejidad, conectados a un cerebro individual, y en juegos que construyen un cerebro social en red.

.

"Sistema Humboldt. Pensar/Pintar" es una proposta expositiva desenvolupada per Nuria Rodríguez (Valencia, 1965) que assenyala, mitjançant la pràctica artística (pintures, dibuixos, instal·lacions i v

Este libro parte de la necesidad de crear un archivo que reúna a todos aquellos artistas que utilizaron a la Ciudad de México como un laboratorio de ideas y creación, y que gracias a sus acciones e intervenciones generaron una constante activacion y reinterpretacion de los espacios publicos. Ya sea a traves de la transgresion al museo/galeria o a la utilizacion de la urbe como lugar de exposicion, las piezas seleccionadas lograron generar, en su mayoria, cambios entre el espectador y la obra, al ocurrir en espacios en los que existe una mayor apertura y dialogo. La mayoria de las piezas son efimeras, muchas fueron registradas ya sea por los mismos artistas o por la prensa, por lo que solo pueden ser estudiadas en conjunto a traves de un archivo de este tipo. Se logro recopilar el trabajo de 136 artistas y colectivos, nacionales y extranjeros, que a lo largo de una decada, crearon alrededor de 200 obras.

Catálogo de la exposición organizada por la Seacex.

Este volumen parte de la producción audiovisual en el arte español contemporáneo que, desde finales del siglo XX hasta nuestros días, ha sido narración y memoria de las relaciones entre lo personal y lo politico. Transformaciones y tentativas posibles de identidades que han catalizado una critica representacional a traves de re-pensar o re-escribir, desde un prisma critico, las confluencias del dia a dia, desafiando la violencia de lo ya dicho o lo hegemonico dentro de la circulacion instantanea y efimera de las producciones audiovisuales en el contexto de la globalizacion. Nuestra aproximacion o lectura de la practica artistica audiovisual se propone a partir de cinco nociones relevantes en relacion a la produccion de subjetividad: genero, sexo, nacion, raza y narrativas de la experiencia cotidiana, estadios hilvanados desde cuestiones relacionadas con la politica, la explotacion, los medios de masas, la inmigracion, la memoria, el olvido, el amor, la amistad, el deseo, el miedo, el silencio -entre muchas otras-. Las propuestas reflexivas de los autores y autoras abren abanicos interpretativos, remarcando la conviccion de que al atender a su caracter velado o fragmentario, estas secuencias de experiencias?testimonios de quienes somos o lo que sentimos? se pone de manifiesto o visibiliza una voluntad de resisten...

.

Robert Morris (Kansas City, 1931) es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado prácticamente por la mayoría de los movimientos y tendencias del arte desde finales de los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista, ha realizado obras neodadaístas y conceptuales, estructuras primarias y formas escultóricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el arte de la tierra, acciones de reivindicación social, crítica institucional al museo y la galería, danza, performance, vídeo o dibujo. Aunque ha sido su vinculación con el minimal art y la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporáneo, la riqueza de su producción artística abarca otro gran número de preocupaciones y temáticas entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicación de la condición social del artista como trabajador, la relación entre visión y ceguera, entre texto e imagen, la memoria, la muerte, la catástrofe o la melancolía. Cuestiones en todos los casos atravesadas por una crítica audaz e inteligente tanto al modernismo y su concepción del arte como un aparte de la vida, como a la modernidad entera en tanto que sistema opresor, disciplinario y deshumanizador.

This book calls upon globalisation queer cinema and affect studies to explore key Robert Lepage productions from 1984 to 2008 analysing the systems through which his work is produced and dissemin

La exposición propone una visión panorámica sobre la intensa y radical actividad experimental que tuvo lugar en la ciudad de Río de Janeiro a finales de la década de los sesenta y principios de los setenta, con el objetivo de plantear una reflexión acerca de lo experimental como vivencia a través del pensamiento de Hélio Oiticica y su idea de "experimentar lo experimental".

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, febrero-mayo 2010. Recorre los diferentes momentos artísticos de Schütte, desde sus primeros trabajos realizados a

Tal vez todos los retratos imaginarios son inherentemente autorretratos. Las imágenes recogidas en este libro no tienen pretensiones de retratar a personas reales. En su lugar, nos revelan la percepción del artista, que fluctúa entre la autorreflexión introspectiva y la abstracción más radical. Algunos de los retratos reflejan nuestro ideal de belleza, mientras otros se adhieren a un falso estilo naíf. Aún así, todos reflejan la sociedad en la que vivimos y cómo percibe el artista al individuo que la habita.

El trabajo, recogido en la exposición, se articula desde varias plataformas: luminosos; objetos tales como zapatos de cartón (más de 40, inspirados en la canción de Nancy Sinatra These boots are made for walking); instalacion de audio; fotografias; escultura; una montaña de 600 vinilos originales sin pintar ni tratar, con un luminoso encima con el texto The record is not over yet (letra de una cancion de Wyclef Jean); y un interior reconstruido consistente en una mini discoteca de carton a escala real, con dos platos y algunas fotos, que pretende simular la sala Cookies, un famoso club berlines de los noventa.A todo ello se suma una intervencion publica, la colocacion de una valla publicitaria en la autopista en la que aparece la frase ""la musica electronica no tiene el monopolio de las pistas de baile"", atribuida por el artista a J. Sebastian Bach, en un espacio cedido por Pronamur."