Libros de Artistas modernos, página 4 de 66

La pintura de Leonardo ha sido abundantemente analizada e interpretada en múltiples direcciones. Se la ha visto en clave no religiosa; ha sido considerada obra herética respecto de los valores cristianos; y hasta se la ha entendido como expresión del mundo psíquico del pintor -interpretación en la que Freud profundizó ampliamente. Saturnino Pesquero nos muestra una dimensión nueva y profunda. A través del análisis de nueve obras de temática religiosa, descubre la decisiva aportación de Leonardo da Vinci a los ideales del pensamiento cristiano, que resulta reveladora dentro del marco histórico del Renacimiento; según el presente libro fue la aportación más elaborada, íntima y personal del artista.

Julián Gállego (1919-2006), escritor ameno y perspicaz, es autor de reveladores estudios sobre artistas y temas capitales de la pintura española del Siglo de Oro y el siglo XIX, y uno de los historiadores que han hecho mayores y mas originales aportaciones al conocimiento de Velazquez, a traves de una treintena de escritos publicados a partir de 1960 en prensa diaria, revistas especializadas, catalogos de exposiciones y monografias.Se doctoro en la Sorbona bajo la direccion de Pierre Francastel, y fruto de ese trabajo fue Vision y simbolos en la pintura española del Siglo de Oro (1968, ed. esp. 1972), estudio que revoluciono la historiografia artistica española. Mas tarde se doctoro en España con un estudio que dio lugar a El pintor, de artesano a artista (1976). Publico dos importantes monografias, Velazquez en Sevilla (1974) y Diego Velazquez (1983), y los catalogos de las exposiciones dedicadas al artista en el Metropolitan Museum (1989) y en el Museo del Prado (1990).El analisis de pintura y literatura del Siglo de Oro, asi como la inteligente reconstruccion de los mecanismos creativos y perceptivos de aquella epoca, permitieron a Gallego elaborar su conocida teoria sobre la realidad trascendida, demostrando el complejo entramado de significaciones de lo real y su frecuente dimension sobrenatural. En estas paginas, el espectador actual puede tomar conciencia de la riqueza de contenidos religiosos, historicos, sociales y morales que los contemporaneos de Velazquez estaban acostumbrados a leer en sus cuadros, y que nos llevan a replantear la cuestion del realismo español, insuficientemente entendido como una asombrosa capacidad de imitacion del natural.

¿Por qué «La Gioconda», el retrato de Mona Lisa, es la pintura más famosa del mundo? ¿Cómo explicar la fascinación que produce en los miles de visitantes que se arremolinan cada día en el Louvre en t

Los contemporáneos del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens (1577-1640) supieron reconocer el indudable talento de este extraordinario maestro del Barroco. Sus sensuales desnudos, sus eruditas alegorías historicas y la perfeccion de sus retratos no tardaron en convertirlo en uno de los artistas mas cotizados y requeridos por las monarquias de su tiempo.Por otra parte, su inteligencia y discrecion, su caracter fuerte y voluntarioso, junto al hecho de que tambien hablara seis idiomas, propiciaron que, desde su juventud, Rubens llevara una doble y clandestina existencia como diplomatico y, a menudo, espia, obligado a intrigar en las cortes de España, Inglaterra o Francia. La suya fue una epoca de guerras y sangrientos conflictos religiosos, un tiempo en que los Paises Bajos luchan por independizarse de España, y Flandes es asolado por las tropas del duque de Alba. Hastiado de las atrocidades de la guerra, convencido de que solo la paz podia traer la prosperidad, Rubens movio los hilos entre las sombras para que las potencias europeas forjaran alianzas duraderas y construyeran una autentica confederacion de naciones, algo que lo convierte, a todas luces, en nuestro contemporaneo.

Con Luz intolerable, Dora García coloca en la cabecera de la Capilla una serie de luces tan potentes que se hagan insoportables a la vista del espectador. La Esfinge interpela a los visitantes (del museo o de la web) y sus respuestas son juzgadas como correctas o no, bajo el punto de vista de la artista. En esta publicación se documentan fotográficamente momentos de la exposición y del proyecto y se hace un repaso sobre cuestiones fundamentales presentes en sus creaciones por medio una conversación mantenida con la artista.

Tras el éxito de sus novelas de la serie «Crónicas del Renacimiento»Matar a Leonardo da Vinci yRezar por Miguel Ángel, Christian Gálvez presenta en esta ocasión un fascinante análisis ilustrado de

Las obras de El Bosco, enigmáticas y provocadoras, han cautivado a reyes, nobles e incluso miembros del clero a lo largo de los siglos. Pero fue en España donde esta fascinación se vivió más intensamente, especialmente en el siglo XVI, con Felipe II como uno de sus mayores coleccionistas. La popularidad de El Bosco no siempre se mantuvo, sino que fue decreciendo a partir del siglo XVII, en favor de otros pintores y otros gustos esteticos para volver a resurgir paulatinamente en siglos posteriores. Los comentarios que tanto tratadistas, poetas o artistas escribieron sobre la obra de El Bosco e imitadores constituyen valiosos testimonios para estudiar las distintas interpretaciones de las que ha sido objeto a lo largo del tiempo. En 1943 Xavier de Salas leia su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de Barcelona, El Bosco en la literatura española, en el que partiendo de los comentarios de Felipe de Guevara hasta los de Antonio Ponz, exponia la valoracion que se tenia desde el siglo XVI hasta el siglo XVIII sobre la obra de El Bosco. Desde entonces, se ha prestado escasa atencion a estas fuentes.

Siguiendo la tradición de la pluralidad de los Congresos del CEHA y de la de la Facultad de Humanidades de Toledo de la UCLM volcada en el estudio, tratamiento e investigación de los temas patrimoniales, el XX CONGRESO DEL CEHA trata sobre PATRIMONIO HISPANICO Y DIALOGO INTERCULTURAL. De esta forma unimos dos conceptos claves, ?patrimonio? e ?interculturalidad? y puesto que ambos conceptos estan presentes en la figura de El Greco, el contexto de referencia ha sido el de los actos conmemorativos del IV Centenario del fallecimiento del pintor celebrado a lo largo del año 2014. La sombra del cretense ha sido el eje vertebrador del encuentro y el hilo argumental, si bien y como es habitual en los encuentros del Comite Español de Historia del Arte, se han recogido las diversas etapas que se contemplan en la secuencia temporal de la Historia del Arte.

A pesar de los casi cuatro siglos transcurridos desde que se sentaron frente a Rembrandt los rostros que aún nos miran, los lienzos del maestro de Leiden todavía ejercen su poderosa atracción sobre nosotros: son familiares y cercanos, podemos leer su alma. ¿Que tecnica les concede tales caracteristicas capaces de dotarles de esta vitalidad? ¿Que hizo el artista para plasmar gestos asi de imperceptibles? En "La nariz en Rembrandt", Michael Taylor nos ayuda a descifrar el misterio. Fundamenta su analisis en algo tan concreto como un rasgo facial: la nariz, para de alli, con una prosa certera y elegante, recorrer junto al lector la evolucion del artista

En el presente libro se intenta desmitificar la figura de Caravaggio para abordar de un modo más certero su obra e invenciones pictóricas: la quimera deja pues paso aquí a una lectura más ligada a la

Rembrandt, uno de los más importantes pintores de la historia, es conocido mundialmente por su maestría con los pinceles y la pluma. Esta obra, Los tesoros de Rembrandt, ofrece una mirada a la vez íntima y rigurosa sobre su vida y su obra. No solo explica como este hijo de un molinero de Leiden consiguio fama y fortuna en Amsterdam que, sin embargo, despues vio desaparecer, sino que tambien explora su tecnica y algunas de las maravillosas obras de arte que realizo tanto por encargo como por deseo personal. Este hermoso libro, profusamente ilustrado, es en si mismo un museo. Da vida al Rembrandt artista, marido, padre y amante como ningun otro lo ha conseguido hasta ahora, gracias a la inclusion de mas de 30 facsimiles que son documentos o recuerdos procedentes de archivos de todo el mundo.

Los Madrazo es la mayor y más importante dinastía española de pintores. Esta familia dominó literalmente la pintura española del siglo XIX, desde los estertores de la monarquía absolutista fernandina pasando por la España liberal de Isabel II y la Primera República hasta el final de la Restauración. El patriarca, José de Madrazo se casó con la hija de Tadeo Kunz -un pintor afincado en Roma, por más señas, compañero por algún tiempo de Goya en la Ciudad Eterna- que engendró a dos eminentes pintores, Federico y Luis, y a Pedro, alto funcionario, historiador y crítico de arte, sucesor del padre en la dirección del Museo del Prado. Federico tuvo a su vez dos vástagos eminentes: Raimundo y Ricardo Federico, cuñados ambos de un genio malogrado de la pintura del ochocientos: Mariano Fortuny. La exposición ejemplifica y sintetiza lo mejor de la cultura pictórica de la familia de los Madrazo, retratos, pinturas de historia y religiosas, copias de los grandes maestros, etcétera: una singular selección de más de medio centenar de pinturas obra de los Madrazo más destacados guardada por ellos mismos para sí, para su disfrute familiar privado hasta su ingreso por dación en pago de impuestos, en el patrimonio artístico de la Comunidad de Madrid.

Colección de cuarenta estampas facsímiles que representan los principios, progresos y suertes del arte de la lidia. En esta obra, Goya supo fijar la acción de las escenas con una instantaneidad jamás

El prolífico escritor que fue Alejandro Dumas cultivó también el género biográfico. Lo que Dumas pretende con estas biografías noveladas es acercarnos a sus protagonistas, y sumergirnos en su época, en sus pasiones, en sus motivaciones, en las circunstancias que dieron lugar a unas vidas dedicadas en cuerpo y alma a la creacion con resultados de una brillantez muy pocas veces alcanzada.

Tras una sucinta introducción a la figura del pintor y a la historia del Museo, recientemente remodelado, la guía explica la exposición permanente haciendo un recorrido por cada una de las dependencias de la casa-museo y por las obras que alberga, entre las que destaca "Vista y plano de Toledo" y la serie del "Apostolado".

Catálogo publicado con motivo de la exposición “El último Rafael”, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 12 de junio y el 16 de septiembre de 2012. El Museo Nacional del Prado y el Musée

La Sevilla del siglo XVII produjo algunos de los mejores pintores de la historia del arte europeo. Bartolomé Esteban Murillo (1617- 1682), que desarrolló toda su carrera en la capital andaluza y que ya en su epoca desperto la admiracion internacional, pinto algunas de sus obras mas bellas y ambiciosas gracias a la relacion de amistad que mantuvo con Justino de Neve (1625-1685), culto y dinamico canonigo de la catedral sevillana. "Murillo y Justino de Neve. El arte de la amistad" se centra en las obras que realizo el artista en las decadas de 1660 y 1670 -su epoca de plenitud- para la iglesia de Santa Maria la Blanca, la catedral y el Hospital de los Venerables Sacerdotes, asi como para la coleccion del propio Neve: retratos, obras alegoricas, exquisitas pinturas devocionales y miniaturas.