eBooks de Artes Escénicas, página 2 de 109

Emanuel López nos presenta dos obras teatrales. En "La Cafetera", el técnico Luis intenta reparar una máquina esencial para un café de oficina, mientras lidia con un cliente insatisfecho y su creciente interes romantico por la hija del dueño. A traves del humor y las reflexiones de Luis, la obra explora el desgaste emocional del trabajo y las conexiones humanas inesperadas.Por su parte, "El Ramo" se desarrolla en un vivero donde un ramo marchito para una boda desencadena conflictos eticos y personales, entrelazando secretos, traiciones y decisiones dificiles.Ambas piezas combinan comedia, drama y una mirada aguda a la naturaleza humana.

Fue en el año 2002 que unos jóvenes de Buin le pidieron a Lía Dacosta una obra dramática para poder realizar un montaje. En vista y considerando que se necesitaba apoyo para producir este montaje, ademas del texto, Lia comenzo a dirigir y a laborar en gestion teatral. Finalmente, la obra se estreno en el verano del 2003 y durante este proceso se fundo la Compañia de teatro Entreparentesis, para quienes ha escrito por ya 22 años, estrenando 28 obras teatrales de su autoria.Se ha intentado en varias ocasiones lograr el financiamiento por parte de Fondart para publicar una antologia dramatica de la Compañia Entreparentesis con todas sus obras, contando igualmente las de Rolando Collinao, tambien dramaturgo de la compañia, y otras, de creacion colectiva. Sin embargo, este bello proyecto a pesar de haber obtenido excelente puntaje no ha sido seleccionado. Es por esta razon que MAGO Editores ha decidido publicar Cinco obras dramaticas de Lia Dacosta.Sus obras son de variada tematica, forma y estilo, a traves de los años ha explorado en diferentes generos, aceptando toda clase de desafios. La presente seleccion intenta precisamente mostrar la versatilidad de la autora y colabora con la expansion de su obra, para que asi, artistas escenicos tengan la posibilidad de conocer y utilizar sus textos, tanto en el ambito de la educacion como en el de la creacion.

Los investigadores del siglo XXI saben que una investigación bien documentada supone una vacuna eficaz contra los falsos discur-sos. El teatro para niños es un campo desconocido donde los haya, ignoto para los historiadores del teatro, de la cultura e incluso de la educacion, a pesar de su capacidad de alumbrar aspectos deter-minantes de la vida social de una epoca. Porque determinantes son tanto la forma en que el poder politico organiza la vida teatral de un pais como la educacion de la infancia, dos aspectos que convergen en este libro.Cristina Santolaria es muy consciente del valor del traba-jo de campo, del hecho de rescatar datos olvidados, humildes en apariencia, pero que, traidos oportunamente, pueden iluminar as-pectos desconocidos de la historia teatral y constituirse en puntos de apoyo de nuevos enfoques e interpretaciones. Este trabajo se adentra, por primera vez, en territorios absolutamente desconoci-dos. Su autora ha tenido la valentia y la generosidad de desbrozar el camino a los investigadores que vengan detras, al tiempo que permite a los lectores de hoy asomarnos a un periodo de la histo-ria del teatro para la infancia felizmente superado, pero del que, si somos capaces de comprender los mecanismos que lo impulsa-ron y lo rodearon, podremos extraer lecciones para el futuro.

La obra se sitúa en una casa de campo inglesa propiedad de Lady Hunstanton. Se abre el telón en la terraza donde Lady Caroline conversa con una puritana invitada estadounidense de Lady Hunstanton, H

"Listo, me recibí… ¿y ahora qué hago?"Si alguna vez te preguntaste cómo es el camino que te lleva de la teoría a la práctica (en nuestro caso, del aula al micrófono), para pasar de ser un estudiante

El occidente, con sus paradigmas hegemónicos centrados en el logos racional, sujeta y moldea nuestros cuerpos a su modelo único. Nos estructura en nuestra sensibilidad, en nuestros modos de expresarnos, en nuestra gestualidad, en nuestras formas, promoviendo un borramiento ritualizado del cuerpo que lo enmudece en nuestras vidas cotidianas, condenandonos a una perpetua ausencia. La propuesta de Sensopercepcion, una practica poetica de la presencia apunta a desocultar ese Cuerpo silenciado, a darle lugar. Lo desafia a la emergencia de su singularidad y a su despliegue poetico en un devenir de lo espontaneo, donde no participa el ordenamiento intelectual, racional, previo, sino que nos ubica en el aqui y ahora del acontecer en el instante.Como tecnica de la Expresion Corporal, promueve la heterogeneidad de los cuerpos y las danzas o performances efimeras que surgen en el instante, en tiempo real. Promueve el habitar el cuerpo, para ubicarnos en el espesor corporal y desde ahi hacer, ser y sentir.Raquel Guido sostiene, desde esta perspectiva, que el Cuerpo no es instrumento de la Danza, la Performance u otras artes del Movimiento o practicas que impliquen al cuerpo. Danzamos "en" el cuerpo, y no "con" el. Un Cuerpo entendido como construccion sociocultural, historica, politica, vincular y poetica, que se construye en la experiencia segun las condiciones de existencia. Un Cuerpo que va mas alla de la anatomia y al que le restituimos su dimension Imaginaria. Cuerpo poetico, presente, singular...La Sensopercepcion, asi entendida, es tanto una tecnica sensorial para la Danza y las Artes del cuerpo como un camino de autoconocimiento, un camino para la vida: el camino del cuerpo.

La dramaturgia de Galemiri, narra desde diversos ángulos historias de poder y sexo, que reflejan con sorna nuestro comportamiento social, personal y político, en una sociedad mercantilizada que se va

El libro reúne tres obras concebidas específicamente para ser representadas con títeres. Estos textos se crearon bajo la premisa de aprovechar al máximo las posibilidades visuales y dinámicas que ofrece el teatro de titeres, superando las limitaciones propias del teatro convencional con actores. Ademas, el proceso de escritura se llevo a cabo sin preocuparse inicialmente por las dificultades tecnicas de su puesta en escena, partiendo de la idea de que la materializacion de estas obras en el escenario constituye una fase creativa independiente.Son obras que invitan a la reflexion sobre temas universales como la muerte, el duelo y el crecimiento personal, utilizando el poder de la naturaleza y el simbolismo fantastico para crear una narrativa emocionalmente resonante. En textos profundamente visuales y simbolicos, a traves del uso de titeres y elementos naturales, se crean imagenes sobre el ciclo de la vida, el cambio y la fragilidad de los seres humanos frente al tiempo y la enfermedad.Ademas, incluye una satira mordaz sobre el autoritarismo y la guerra, que utiliza el teatro de titeres para transmitir un mensaje profundo sobre el poder, la resistencia y la importancia de la memoria colectiva. Su combinacion de humor, critica social y elementos visuales lo convierte en una obra rica en simbolismo y reflexion.

"Tres hermanas" es una obra de teatro en cuatro actos escrita en 1900. Junto a "Tío Vania" y "El jardín de los cerezos" es uno de los textos más significativos de Antón Chéjov, autor considerado como una de las figuras mas destacadas de la literatura rusa y un representante fundamental del denominado naturalismo moderno.Como en toda su obra, en "Tres hermanas" Chejov hace un retrato de la vida rusa del momento. La accion se centra en tres hermanas que viven en un pueblo de provincias. Su unico deseo es volver a Moscu, simbolo para ellas del amor y de la mundanidad, en suma, de la vida digna de ser vivida. Un drama impregnado de sutileza y lirismo en que se hace un retrato de las angustias, penas, esperanzas e ilusiones frustradas de la vida cotidiana de provincias de la Rusia de finales del siglo XIX.Esta obra se lleva a cavo durante un periodo de varios años en un pueblo provincial en donde las hermanas Prozorov viven junto a su hermano Andrei. Olga, quien es la mayor, es maestra en una escuela; Masha esta casada infelizmente con un maestro de la misma escuela e Irina y Andrei sueñan con volver a Rusia. Vershinin, el nuevo teniente de la armada se une al grupo al que tambien pertenece el doctor Chebutykin que se encarga de decir a todo el que lo escucha que se ha olvidado de toda la medicina que aprendio. Esta obra muestra maravillosamente personalidades, relaciones y las motivaciones. Explora la distancia entre la esperanza y la plenitud en las vidas de los Prozorovs y sus amigos.Chejov describio esta pieza como una obra de comedia, donde no hay heroes ni sucesiones de actos tragicos. Los personajes tienen muchas fallas asi como virtudes, pero todas en escalas humanas.En este marco se desarrolla esta obra, sin heroes ni grandes sucesos, pero con un gran reflejo de la personalidad humana.

La violencia política está presente en todas las estructuras de poder contemporáneas, desde las dictaduras que emplean el terrorismo de Estado hasta las democracias parlamentarias que recurren a métodos mas sutiles para su ejercicio. El teatro del siglo XXI refleja estos fenomenos sociopoliticos de diversas maneras. Este libro exa- mina la tematica de la violencia politica en contextos teatrales muy diversos, tanto en Europa como en Latinoamerica, a lo largo de las ultimas decadas. Presenta la perspectiva unica de nueve investigado- res de ambos continentes, quienes, desde sus diferentes contextos geograficos y culturales teatrales, profundizan en la dimension este- tica e ideologica de diversas dramaturgias y espectaculos. La obra, que marca el inicio de la publicacion de la Red Internacional de Investigadores Teatrales Latinoamericanos y Europeos (RIITLE), vinculada al Centre de Recerca en Arts Esceniques de la UAB, surge del proyecto de investigacion "La imagen animal como construccion del cuerpo enemigo: imaginarios del miedo", respaldado por Oficina de Investigaciones (ODI) de la Universidad Distrital Francisco Jose de Caldas.

Se trataba de una obra que «engañaba» al espectador con múltiples capas de realidad. La obra, que comienza como una comedia, se transforma en tragedia, reflejando la ambigüedad entre entretenimiento

Rodolfo Obregón ahonda en los orígenes y la evolución de las prácticas documentales en la escena mexicana contemporánea, enfocándose en las primeras dos décadas del siglo XXI y en cómo los eventos historicos recientes han propiciado una inversion de las formas tradicionales de representacion artistica, desplazando las narrativas nacionalistas y centralistas, y dando lugar a otras formas de creacion apegadas a los documentos, al testimonio y a una realizacion escenica que se nutre de la realidad social y politica para abrir un espacio de reflexion alrededor de los conflictos actuales. Dichos elementos revelan las posturas de creadoras, creadores y colectivos que, a su vez, ofrecen a las y los espectadores un espacio desde el cual construir una mirada, un reconocimiento del mundo que impacta directamente en las formas de vida de las comunidades en las que se generan y a las que se dirigen. La obra se estructura en tres capitulos: el primero traza una genealogia del uso del documento en el teatro mexicano; el segundo examina las nuevas coordenadas y los procedimientos especificos de creacion en el teatro documental contemporaneo, tanto en Mexico como en el ambito internacional, y el tercero presenta nueve creaciones escenicas significativas en la escena mexicana de colectivos como Teatro Linea de Sombra, Oligor y Microscopia, Lagartijas Tiradas al Sol o Teatro Ojo, que permiten ilustrar como insertaron el documento en la escena, creando en el publico experiencias unicas a partir de explorar y atravesar de manera constante esa frontera inestable entre realidad y ficcion.

Todos –actores y personajes así como las personas en general– tenemos una persona pública con la que nos presentamos ante los demás, una necesidad insatisfecha encubierta bajo esa máscara y cometemos

"El lenguaje corporal del niño preescolar", de Perla Jaritonsky, es una guía esencial para docentes de nivel preescolar que desean enriquecer la creatividad y el desarrollo integral de sus alumnos. Este libro aborda la importancia del lenguaje corporal como herramienta educativa, ofreciendo actividades didacticas diseñadas para fomentar la conciencia corporal y el movimiento. A traves de 14 trabajos creativos, los educadores aprenderan a guiar a los niños en la exploracion de su cuerpo y su entorno, promoviendo la expresion artistica desde una edad temprana. Incluye un apendice con partituras para canto y piano, ampliando las posibilidades de aprendizaje. ¡Transforma el aula con este recurso invaluable!La intencion de este trabajo es colaborar con los docentes de nivel preescolar, en uno de los aspectos artfstico-educativos que complementan la integracion del niño en su faz creativa.Consideramos que el lenguaje corporal es patrimonio potencial incuestionable del ser humano, pero que necesita de una instrumentacion y enseñanza que debe estar presente en los primeros años de su formacion. Se crearan asi conductas so1idas, en esta etapa tan importante de su crecimiento.Contenido: PRESENTACION. PROLOGO. GUIA DIDACTICA. TRABAJO Nº 1. Tema: Yo aprendo a descubrir. Objetivos: Descubrir y vivenciar las posibilidades de estirar y relajar el cuerpo. Concientizar el espacio que rodea al cuerpo en movimiento. TRABAJO Nº 2. Tema: La nariz de paseo. Objetivo: Que el niño conozca, a partir de su esquema corporal, las posibilidades de movimiento del cuerpo. TRABAJO Nº 3. UNlDAD DE TRABAJO: El barrio. Tema: Casas y edificios. Objetivo: Que el niño vivencie el espacio que lo rodea.. TRABAJO Nº4. UNlDAD DE TRABAJO: El barrio. Tema: Las calles. Objetivo: Vivenciar y concientizar los movimientos de "abrir y cerrar" (bisagra) y Ia limitacion espacial. TRABAJO Nº 5. UNlDAD DE TRABAJO: El barrio. Tema: Visita a Ia fabrica. Objetivos: Que el niño vivencie las calidades de movimiento y descubra Ia diferencia entre los movimientos rotativos y los de bisagra. TRABAJO Nº 6. Tema: Un lapiz colorado. Objetivo: Tomar conciencia del espacio que se puede utilizar sin y con desplazamiento. TRABAJO Nº7. UNlDAD DE TRABAJO: El medioevo. Tema: Los campesinos. Objetivo: Ayudar a que el niño vivencie los cambios de energia en el movimiento a traves de las calidades: presionar, sacudir y golpear. TRABAJO Nº 8. UNlDAD DE TRABAJO: El medioevo. Tema: Los monjes. Objetivo: Vivenciar Ia calidad de fluir. TRABAJO Nº9. UNlDAD DE TRABAJO: El medioevo. Tema: Los juglares. Objetivo: Adquisicion de habilidades en el manejo de instrumentos e incorporacion de destrezas. TRABAJO Nº 10. Tema: Mesas y sillas del jardin. Objetivos: Que el niño descubra su columna vertebral y conozca el espacio total, a traves de los movimientos fundamentales de locomocion. TRABAJO Nº 11. Tema: Diarios. Objetivo: Que el niño se sensibilice corporal y auditivamente. TRABAJO Nº 12. UNlDAD DE TRABAJO: Folklore argentino. Tema: Tengo una zamba.. Objetivos: Vivencia de las calidades de movimiento y utilizacion de un diseño espacial. TRABAJO Nº 13. UNlDAD DE TRABAJO: Folklore argentino. Tema: Misia Felisa. Objetivo: Que el niño cree a traves de una narracion, su propio lenguaje expresivo. TRABAJO Nº 14. JUEGOS AL AIRE LIBRE. Objetivo: Que el niño encuentre en estos juegos, nuevas maneras de contacto con el movimiento, a traves de los sentidos. APENDICE (PARTITURAS PARA CANTO Y PIANO). BIBLIOGRAFIA.

Pigmalión, obra escrita por George Bernard Shaw, es una aguda crítica social sobre las clases, el lenguaje y la transformación. A través de la historia de Eliza Doolittle, una joven florista de clase baja que se transforma en una dama de la alta sociedad bajo la tutela del profesor Henry Higgins, Shaw expone como el lenguaje y las apariencias pueden ser herramientas de poder y control en una sociedad profundamente estratificada.El proceso de transformacion de Eliza no solo implica un cambio en su forma de hablar, sino tambien en como es percibida y tratada por los demas. Shaw utiliza este cambio para subrayar como las clases sociales no se determinan por la esencia de una persona, sino por las construcciones sociales que dictan lo que significa pertenecer a una clase u otra. A lo largo de la obra, se cuestiona si esta transformacion realmente beneficia a Eliza o si simplemente la somete a una nueva forma de opresion.Desde su publicacion, Pigmalion ha sido adaptada en varias ocasiones, siendo la mas famosa la version musical My Fair Lady. La obra sigue siendo relevante hoy en dia debido a su reflexion sobre las barreras sociales y como estas pueden ser tanto derribadas como reforzadas por factores externos como el habla y la apariencia.La critica social y el humor ingenioso de Shaw han convertido a Pigmalion en un texto perdurable, que continua invitando al publico a reflexionar sobre las estructuras sociales y la naturaleza del cambio personal.

Este trabajo interroga el concepto de identidad a partir del análisis de seis obras de teatro afroestadounidense: Trouble in Mind de Alice Childress, Funnyhouse of a Negro de Adrienne Kennedy, The America Play de Suzan-Lori Parks, The Brothers Size de Tarell Alvin McCraney, for colored girls who have considered suicide/when the rainbow is enuf de Ntozake Shange y I Was Looking at he Ceiling and then I Saw the Sky de June Jordan.En el analisis se movilizan dos conceptos que permiten comprender a la identidad como accion y al texto dramatico como medio refractivo de experiencia: ipseidad y refraccion estetica. Respecto a cada obra se problematizan lecturas esencialistas de la identidad grupal y se revela como las interacciones de los personajes, en relacion con la estructuras de las obras y la perspectivas de los autores, se convierten en espacios de identidad personal.El trabajo concluye con una discusion de las posibles aplicaciones de la ipseidad y la refraccion estetica mas alla de la critica dramatica especializada.

Este trabajo interroga el concepto de identidad a partir del análisis de seis obras de teatro afroestadounidense: Trouble in Mind de Alice Childress, Funnyhouse of a Negro de Adrienne Kennedy, The America Play de Suzan-Lori Parks, The Brothers Size de Tarell Alvin McCraney, for colored girls who have considered suicide/when the rainbow is enuf de Ntozake Shange y I Was Looking at he Ceiling and then I Saw the Sky de June Jordan.En el analisis se movilizan dos conceptos que permiten comprender a la identidad como accion y al texto dramatico como medio refractivo de experiencia: ipseidad y refraccion estetica. Respecto a cada obra se problematizan lecturas esencialistas de la identidad grupal y se revela como las interacciones de los personajes, en relacion con la estructuras de las obras y la perspectivas de los autores, se convierten en espacios de identidad personal.El trabajo concluye con una discusion de las posibles aplicaciones de la ipseidad y la refraccion estetica mas alla de la critica dramatica especializada.

La dramaturgia de Luis Rivano se caracteriza por poner en el centro personajes y ambientes de un Chile, y especialmente un Santiago, que de alguna forma todos tenemos en la memoria. En cada una de sus obras, suben a escena los personajes que forjaron el ambiente mas representativo del centro urbano del pais, aquellos que llevan en sus venas el esfuerzo del trabajo en el que se pone el cuerpo: los hombres a veces en el matadero y simplemente en las calles, por la noche, muchas de las mujeres. Los matarifes es una obra dura, que desafia al lector con grandes preguntas: ¿el origen social define para siempre la vida de alguien?, ¿es posible cambiar el destino?

La historia del teatro callejero en Chile, es decir, aquel teatro desarrollado en espacios no convencionales, carece de suficientes estudios publicados que den cuenta de su enorme valor cultural y artistico, asi como de su extensa diversidad de estilos, formatos y ricos elementos formales y de contenido, lo que dificulta una fluida transmision de experiencias entre generaciones. Por esto, cuando los hacedores y amantes de esta rica vertiente del teatro nos encontramos con estudios de la consistencia y la fuerza reveladora que ofrece este libro, no podemos sino celebrar tan generoso e importante esfuerzo.Conocer la evolucion estetica, tematica y tecnica de esta inedita experiencia del teatro desarrollado en el marco de los clasicos universitarios, exhaustivamente documentada por Osvaldo Obregon, sin duda alimentara nuestra fragil memoria teatral nacional.

Este texto llegó a nuestras manos tres semanas antes del «Despertar» chileno, en octubre del 2019. Sorprendentemente, el dramaturgo Leonardo González, estando lejos, había construido una casita drama