eBooks de Teoría y crítica de arte, página 12 de 222

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de caracter historico sino filosofico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relacion con la filosofia taoista a partir de la nocion de vacio que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepcion china del universo y su comprension del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica tambien al lector occidental la adscripcion de este arte a la concepcion taoista, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictorica.

Una ecología de los signos recoge siete ensayos dedicados a interrogar las relaciones entre las configuraciones de los modos de experiencia (artística, vital, corporal) y los modos en los que podemos captar su diferenciacion y sus declinaciones. Apoyados por la tradiccion que convoca Deleuze, y del lado de nombres como los de Simondon, Guattari o Ruyer, entre otros. Sauvagnargues pareciera construir un trayecto que atraviesa campos, ejes tematicos y problemas, para advertir distintos mundos que coexisten y que son como burbujas de signos que llaman a detenerse sobre ellos y que, forzando a pensar, nos abren de par en par a una comunicacion experimental donde se individua lo que somos o llegamos a ser. El punto de partida es la influencia motriz que adquiere el arte en la filosofia deleuziana. Desde la publicacion en 1964 de un primer ensayo sobre Proust, donde Deleuze empieza a explorar la literatura, hasta su interes posterior en las artes no discursivas como la pintura, la musica o el cine, el filosofo frances traza una trayectoria que se desplaza, asi, desde el lenguaje hacia la materia de la percepcion y hacia las imagenes y signos de distintas naturalezas.

Este libro se propone introducir un desvío en la comprensión habitualde la imaginación, expandir el término para que no se repliegue a loslímites que han determinado su uso, en un momento histórico endonde no se deja de anunciar su obturacion. Agotamiento que seconstata en la imposibilidad de poder imaginar alternativas anuestras formas de produccion y de organizacion de la vida. De ahique la apuesta y riesgo de este libro consista en levantar la categoriacritica de imaginacion material como tentativa metodologica quequiere contribuir a potenciar otros procesos de formacion desdediferentes practicas. En este sentido, se trata de profundizar enalgunos de los desarrollos presentados en La performatividad de lasimagenes, para interrogar que podria querer decir que existe unafuerza formadora en la imagen. Si la imaginacion es la capacidad decrear imagenes, ¿como activar esa potencia de lo imaginal?Si lo que pretendemos es una critica que sea capaz de invertir suenergia en una nueva pasion creativa para organizar el polemicoencuentro entre lo real y lo posible, es necesario explorar unacreacion social, artistica y conceptual que trabaje desde los bordes,los restos, los fragmentos y lo accidental que se produce en lasnuevas formas de contacto.

Este libro se propone introducir un desvío en la comprensión habitualde la imaginación, expandir el término para que no se repliegue a loslímites que han determinado su uso, en un momento histórico endonde no se deja de anunciar su obturacion. Agotamiento que seconstata en la imposibilidad de poder imaginar alternativas anuestras formas de produccion y de organizacion de la vida. De ahique la apuesta y riesgo de este libro consista en levantar la categoriacritica de imaginacion material como tentativa metodologica quequiere contribuir a potenciar otros procesos de formacion desdediferentes practicas. En este sentido, se trata de profundizar enalgunos de los desarrollos presentados en La performatividad de lasimagenes, para interrogar que podria querer decir que existe unafuerza formadora en la imagen. Si la imaginacion es la capacidad decrear imagenes, ¿como activar esa potencia de lo imaginal?Si lo que pretendemos es una critica que sea capaz de invertir suenergia en una nueva pasion creativa para organizar el polemicoencuentro entre lo real y lo posible, es necesario explorar unacreacion social, artistica y conceptual que trabaje desde los bordes,los restos, los fragmentos y lo accidental que se produce en lasnuevas formas de contacto.

En su libro anterior Germán Moldes lograba llevarnos a pasear por Roma en los primeros años de la era común, y aquí da un salto enorme en tiempo y uno más pequeño en espacio para depositarnos nada menos que en Florencia durante el Renacimiento. Con entusiasmo, conocimiento de causa y animo de divulgacion, el autor se detiene en usos y costumbres de la epoca, pero ademas alista una serie de nombres propios que contribuyeron de modo cardinal al desarrollo de las ideas, el arte y la politica: de Masaccio y Giotto a Boccaccio y Maquiavelo, pasando por Rafael, Brunelleschi o Miguel Angel.En estas paginas desfilan, inmensos, los humanistas que motorizaron cambios radicales rescatando y releyendo valores enterrados en el mundo clasico. Arquitectos que alumbraron formas impensadas que nos deslumbran aun hoy. Poetas, escritores y artistas que cambiaron para siempre la historia del arte. Todo al amparo de mecenas que entendieron a la perfeccion el valor de ser benefactores de genios.

Pensar lo visual antropológicamente conlleva comprender las formasen que distintos pueblos alrededor del mundo se han enfrentado a loque hacen las imágenes –no siempre diferenciada de la escritura–,a

La fundación de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes en 1876 generó en Buenos Aires un clima de confrontación y polémica en torno a la posibilidad de un arte plástico nacional y moderno. Las bellas artes se discutieron en relacion con su importancia estrategica como elemento transformador del destino de la nacion. Laura Malosetti Costa analiza la actividad artistica plastica en Buenos Aires durante las ultimas decadas del siglo xix para situarla en el contexto mas amplio de la historia politica, economica, social y cultural del pais. Identifica el surgimiento, el apogeo y la crisis de un proyecto llevado adelante por un grupo de artistas Eduardo Sivori, Eduardo Schiaffino, Angel Della Valle y Ernesto de la Carcova, entre otros, y propone una novedosa coherencia entre sus practicas y las imagenes que crearon en sus obras. Para eso, recorre la intensa actividad critica desplegada por sus protagonistas en la prensa y las elecciones en la construccion de espacios de exhibicion y difusion de sus producciones, y las vincula con sus decisiones estilisticas e iconograficas. Se detiene en algunas obras en particular para indagar en detalle los procesos creativos y la recepcion por parte del publico. Un publico vasto, no erudito, que fue en definitiva el que las consagro como piezas fundamentales de la historia del arte nacional. A veinte años de su primera edicion, Los primeros modernos es una obra crucial e insoslayable para acercarse a aquel periodo clave de la historia cultural argentina, cuyas pinturas siguen siendo admiradas, valoradas y resignificadas por el publico y los artistas contemporaneos.

En 2010, en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el artista brasileño Nuno Ramos expone la instalación Fruto estranho. Dos árboles flamboyán inmensos sostienen unos aviones monomotor y gotean soda caustica sobre un par de contrabajos. Mientras suena Strange Fruit una cancion sobre el linchamiento de un grupo de afroamericanos estadounidenses en 1936, se proyecta una escena de El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman. ¿Que gesto reflexivo propone este cruce de soportes, materiales, referencias, paises y tiempos? En Mundos en comun, Florencia Garramuño analiza una serie de obras latinoamericanas que ponen en crisis las ideas de pertenencia, individualidad y especificidad, y que muestran la porosidad de las fronteras entre los diferentes campos de la estetica. ¿Que potencial critico y politico presentan obras inespecificas como Fruto estranho? ¿De que manera el arte latinoamericano contemporaneo redefine las nociones tradicionales de la estetica para vincularla con una etica, una relacion con el otro y, por lo tanto, con el mundo? ¿De que forma la puesta en cuestion de la pertenencia redefine las maneras de comprender lo latinoamericano? Para responder estos interrogantes, Garramuño trabaja con obras de Mario Bellatin, Jorge Macchi, Tamara Kamenszain, Nuno Ramos y Clarice Lispector, entre otros, y teoriza sobre las numerosas transgresiones y desbordamientos de limites, campos y regiones que exhiben estas exploraciones. Tal como sostiene la autora, las practicas analizadas en este ensayo articulan, en la construccion de una inespecificidad que se constituye en el retiro de todo sentido de pertenencia y pertinencia, otra forma de pensar el potencial critico del arte.

Este libro es una introducción a algunos de los presupuestos que han contribuido al nacimiento de la Espressività Generativa™, técnica de interpretación y método de evolución personal ya conocido y d

En este volumen se analizan el principio de la legalidad tributaria y las resoluciones jurisdiccionales emitidas por los órganos del Poder Judicial de la Federación, así como las opiniones de juristas destacados, respecto a la caracterizacion de este importante principio constitucional. Se parte del deber imperativo del principio de la legalidad tributaria en el establecimiento, determinacion y cobro de las contribuciones y sus accesorios, con la finalidad de tener una vision amplia de su trascendencia en nuestro sistema juridico nacional. Este texto tiene como destinatarios, principalmente, a los alumnos de la carrera de Derecho o Abogado, que pretenden iniciarse o adentrarse en el conocimiento particular de esta apasionante disciplina juridica , en el contexto de la practica forense mexicana, que se ha considerado sumamente compleja en su aplicacion concreta.

La sericicultura mexicana decimonónica era una hilera compuesta de una serie de conjuntos técnicos destinados a la elaboración de productos manufacturados e industrializados, cuya fabricación se realizaba en varias etapas sucesivas. Su caracter agroindustrial permite delimitar claramente, por lo menos, dos grandes conjuntos tecnicos correspondientes a espacios geograficos diferentes, el binomio campo-ciudad, aunque tambien llegaron a converger circunstancialmente. Al campo le correspondio el primero conjunto tecnico, consistente en el cultivo de la morera y la crianza del gusano de seda hasta el devanado e hilado de las madejas de seda cruda. Este proceso en realidad es considerado protoindustrial por caracter rural y por ser llevado a cabo en espacios domesticos o pequeños talleres artesanales.

Este libro captura el espíritu de una guerra en la que la Marina Real británica jugó un papel periférico pero crucial. El poder del Imperio británico estaba en su apogeo, gracias al alcance de la Marina Real y los oficiales de ese servicio, que a menudo se encontraban lejos de casa y en posiciones de poder que estaban mucho mas alla de su rango. Rudolph de Lisle fue uno de ellos, y afortunadamente tuvo las habilidades para registrar el trasfondo de la guerra, la accion dramatica y las secuelas con sus propias palabras y acuarelas. Juntos, el diario y las acuarelas, forman un registro unico de una guerra costosa y ferozmente disputada, que se desarrollo en el oceano Pacifico frente a las costas de America del Sur. La extensa introduccion de la profesora Celia Wu Brading, de la Universidad de Cambridge, situa el raro relato de Rudolph como testigo ocular en su perspectiva historica.

Uno de los objetivos de esta obra es el de reflexionar sobre otras formas de placer "inhabituales" para una mayoría modélica, que han sido pensadas, exhibidas y plasmadas por los y las artistas. Siguiendo a Michel Foucault: "Contra el dispositivo de sexualidad, el punto de apoyo del contrataque no debe ser el sexo-deseo, sino los cuerpos y los placeres". Otro objetivo es el de mostrar determinados modos en los que se hizo posible enunciar, simbolizar, representar y visibilizar la disidencia sexual en diferentes momentos socio-historicos en Literatura y en Artes Visuales (fotografia, escultura, cine, performances, pintura, instalaciones), partiendo del periodo comprendido entre los siglos XIX y XXI. Se partio de insistencias, que conectaron a Jean Broc, Aubrey Beardsley, Oscar Wilde, Gustave Moreau, Jean Genet, Marcel Jouhandeau, Enio Iommi, Andre Gide, Yukio Mishima, Ilse Fuskova, Judy Chicago, Gina Pane, Francis Bacon, Robert Gober, Robert Mapplethorpe, Fakir Musafar, Del LaGrace Volcano, Siri Gurudev, entre otros. El lector y la lectora avezados en Arte encontraran en este libro un breve compendio que podran articular con Estudios Queer o de disidencia sexual. Quienes ya han incursionado en las tematicas de genero podran proveerse de herramientas ilustrativas con las cuales pensar modos de construccion de la subjetividad de las personas queer o disidentes sexuales, a partir de las manifestaciones esteticas.

Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad. ¿Puede el arte dar a ver lo que no vemos? Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersion cada vez mas inquietante en un mundo digitalmente administrado. Graciela Speranza buscaba respuestas en la literatura y el arte contemporaneos cuando la pandemia de la covid-19 no solo acelero la comunicacion virtual, el control y la vigilancia, sino que en las ciudades desiertas nos enfrento con un atisbo de un futuro posible, un mundo sin nosotros.Pero ¿que puede decir el arte en medio de la catastrofe? De la montaña de abetos que Agnes Denes planto en Finlandia y los conciertos aracnocosmicos de Tomas Saraceno a las novelas fragmentarias de Olga Tokarczuk y Jenny Offill y los ensayos breves de Karl Ove Knusgard, de la telefotografia de Trevor Paglen y los videos de Hito Steyerl a las reconstrucciones agudas de Forensic Architecture o Agustin Fernandez Mallo, el arte y la literatura desvelan, recomponen, reconstruyen y, en el intento, renuevan sus medios.El resultado del recorrido es una sagaz reflexion sobre el mundo contemporaneo y el sentido del arte de hoy, una lente privilegiada para cambiar la escala y recalibrar nuestro lugar en el planeta, para volver a mirar las cosas, correr el velo que las opaca.

Dos mundos distintoscon un fin en común,transmitir por medio de la palabra,la música y la pintura su identidad.Fiel arraigo a Buenos Aires y su cultura,un eco andaluz que de a ratos aparecedejando a su paso su calidez y fuerza.Dibujando en la poesiay rimando entre colores.Dos hermanos de la viday el fruto de su trabajo

Una defensa del arte por el arte clave para descubrir el pensamiento y la estética de Oscar Wilde.El arte ha caído en la cárcel del realismo y ha perdido toda la libertad creativa. Y, para huir de este culto a los hechos, es necesario reivindicar el papel de la mentira y el artificio en las obras.Mediante un dialogo repleto de paradojas y de la ironia caracteristica del autor, Oscar Wilde evidencia la necesidad de escapar de toda intencion moralizadora en la obra artistica. Puesto que no hay nada mas real que el arte, este debe existir por si mismo y evitar ser un reflejo de una realidad que no haria mas que corromperlo.Oscar Wilde tiene el poder de transformar el ensayo en ficcion. Luis Antonio De Villen

Arte (in)útil reflexiona en torno a la idea de artista emergente e institución cultural como ente legitimador. El contenido de este marco solo es la punta del iceberg sobre la mediatización cultural entre arte, artista e institucion, pero sirve para entender como se inicia el artista en un circuito y que mecanismos se utilizan para absorberlo. Asi es como se aleja el arte de ser una herramienta politica critica de pensamiento, y se convierte en produccion y, por tanto, en un producto mas del contexto posfordista.A partir del cambio de paradigma sobre la idea de exposicion con el objetivo de dar visibilidad a obras una visibilidad necesaria para que lleguen a ser arte, Daniel Gasol se pregunta si el artista se adapta a la produccion institucional que se entiende como arte. El autor tambien valora si, por el contrario, es la exposicion institucional la que dota al trabajo de una importancia hipotetica, con la consecuencia indirecta de generar legitimamente creaciones colindantes de semejanza formal y conceptual.Gasol explora la existencia de diversos tipos de creacion o contextos que proyectan que debe ser arte, asi como sobre que consideramos arte emergente o obra expositiva. Tambien cuestiona las instituciones adecuadas para exhibir producciones artisticas, y como el sistema del capital y laboral afecta a la creacion y la exposicion de arte.

"Gran parte de lo que vemos y observamos en la vida es intocable. El don de la pintura eshacer que esas cosas intocables sean tangibles para la imaginación de un espectador que mira un cuadro".La correspondencia entre padre e hijo, una coleccion de cartas intercambiadas entre el critico de arte y escritor John Berger y el pintor Yves Berger entre 2015 y 2016, da lugar a un lucido dialogo en torno a la relacion de la pintura con sus experiencias y emociones compartidas.A traves de imagenes, palabras, recuerdos e intuiciones, padre e hijo se intercambian impresiones y preguntas sobre el arte, no como un objeto de conocimiento y discurso, sino como una oportunidad de profundizar en la experiencia del mundo y desarrollar la humildad y paciencia frente a las cosas. Un documento unico de dos de las figuras mas relevantes del panorama artistico contemporaneo.

Ombra es un libro de poesía y dibujo, y también música. Aunque no la escuches, late detrás decada página, pues todo gira en torno al último disco de Artabe, con el mismo título. Para estanueva obra, Artabe atraveso el limite de su propia disciplina, e invito al poeta Juanlu Mora y ala artista plastica Maria Maquieira, para la creacion de once poemas y once dibujos basados enlas once canciones, con total confianza y libertad artistica.Ombra es el lugar donde se mueve el magma ardiente de lo que no nos gusta de nosotros y elmundo. Se mueve en un bucle continuo que nos acecha aun sin darnos cuenta. Es la alegoriade la sombra oscura, como tierra humeda donde se calientan las semillas del ser futuro,reciclado despues de tanto error y desacierto.Ombra somos y en Ombra vivimos todos.

«Bluets» es un híbrido experimental que oscila entre el ensayo lírico y la prosa poética para construir una reflexión personal y filosófica sobre el color azul, los amores perdidos, el dolor y la sol