eBooks de Teatro clásico español hasta el siglo XVIII, página 3 de 63

No hay instante sin milagro es un auto sacramental alegórico escrito por el dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca. Este auto forma parte de su obra teatral y se caracteriza por su contenido religioso y simbolico.En los autos sacramentales, Calderon de la Barca exploraba temas religiosos y espirituales, utilizando personajes alegoricos y simbolicos para transmitir mensajes morales y teologicos. En No hay instante sin milagro, el autor aborda la idea de que la divinidad y lo sagrado pueden manifestarse en cualquier momento y lugar, destacando la presencia de lo sobrenatural en la vida cotidiana.A traves de un lenguaje poetico y simbolico, Calderon de la Barca invita al espectador a reflexionar sobre la presencia de lo divino en el mundo y a considerar la posibilidad de que cada momento de la vida sea una manifestacion de lo milagroso.Este auto sacramental es solo una muestra mas del talento y la profundidad literaria de Calderon de la Barca, quien se destaco como uno de los principales dramaturgos del Siglo de Oro español y dejo un legado significativo en la literatura teatral de su tiempo. Sus obras continuan siendo apreciadas y estudiadas en la actualidad.

El vellocino de oro es una obra de teatro escrita por el dramaturgo español Lope de Vega. Es una de sus pocas obras que se ambientan en un entorno mitológico. La trama se centra en la legendaria búsqueda del Vellocino de Oro por los argonautas, un grupo de heroes de la mitologia griega liderados por Jason.El Vellocino de Oro es un objeto de gran importancia en la mitologia griega. Segun la leyenda, este vellocino, o piel de carnero, era de oro puro y estaba custodiado por un dragon en una region lejana llamada Colquida. Jason y los argonautas emprendieron una peligrosa expedicion para recuperarlo.En El vellocino de oro, Lope de Vega, famoso por sus comedias, probablemente usa este mito clasico para explorar temas universales como la valentia, la ambicion, el amor y el sacrificio, al tiempo que ofrece una mirada humoristica y humanizada a estos personajes miticos. A traves de su caracteristico dominio de la estructura dramatica y su agudo sentido del ritmo y la caracterizacion, Lope de Vega logra crear una obra que es al mismo tiempo entretenida, emocionalmente resonante y reflexiva.

Escrito en 1607 con modificaciones en 1609 y 1613, El colmenero divino es un Auto sacramental de Tirso de Molina que utiliza un argumento de Lope de Vega. El de El pastor lobo, y una canción tradicional: Pastorcillo nuevo. El colmenero divino es una alegoria del Buen Pastor, de los evangelios: El Buen Pastor (Jesucristo) que apacienta el rebaño (Pueblo de Dios) y que busca a la oveja descarriada (pecador), y celebra su vuelta al redil (Celebracion de la Eucaristia). En la obra la figura del Buen Pastor ha sido cambiada por la del Buen Colmenero, la oveja por la abeja y el lobo, la tentacion del mundo, por el Oso. La abeja es tentada por el mal colmenero y por el oso, y al final vence las tentaciones, vuelve a la colmena, y obtiene el perdon.

El militar cristiano contra el padre Hidalgo , de Francisco Estrada, es un texto de referencia del independentismo de México. Está escrito desde la visión de las fuerzas políticas que estaban a favor de la presencia de España en Mexico es una critica explicita al padre Miguel Hidalgo. Fragmento de la obra Dialogo entre Mariquita y un soldado raso Mariquita: Camilo, albricias, ya salimos de pobres, albricias. Soldado: ¡Hola! ¿Pues que hay, Mariquita? Mariquita: ¡Calla, bobo! ¿Pues que no sabes que el capitan Allende da a sus soldados un peso en mano, porque le ayuden a matar gachupines. Soldado: Callate, majadera, ¿pues que piensas que no soy cristiano? Mariquita: Es que dicen que no es contra Dios, ni contra nuestra religion.

Moros y cristianos es una obra de Pedro Antonio de Alarcón en la que se retratan las relaciones entre el Islam y Occidente. Esta obra no solo se limita a presentar un análisis sociocultural, sino que tambien se adentra en la complejidad de las interacciones entre las dos civilizaciones. Su importancia y popularidad fue tal que fue adaptada en una zarzuela en 1905, con guion de Maximiliano Tous y musica de Jose Serrano. Este hecho resalta la influencia y el alcance de la obra de Alarcon en distintas formas de expresion artistica.

Los estudiosos de Agustín Moreto y Cabaña destacan su teatro breve por el ingenioso empleo del humor. Indican que el autor va más allá de las intenciones meramente burlescas para retratar los vicios y defectos de la sociedad barroca con una intencion moralizante.Los personajes que protagonizan piezas como el Entremes famoso de la perendeca o Los Gatillos representan a un sector que se encuentra en el ostracismo social y moral. A traves de estos tipos marginales se miran, amplificados, los defectos de la sociedad española en su conjunto.

El auto sacramental Las órdenes militares empieza con la aparición del personaje alegórico de la Culpa, rabiosa por haberse enterado de que una virgen daría a luz a un príncipe, libre del pecado original, que combatiria contra ella como soldado.En cierta escena aparece el Papa para dar una sentencia que declara la limpieza y nobleza de Maria; ello permitira que pase las pruebas de limpieza Jesucristo, quien aspira al habito de una orden militar. La escena se refiere a la publicacion de la bula Sollicitudo omnium ecclesiarum por el papa Alejandro VII, ocurrida unos meses antes.Las ordenes militares fue escrita en celebracion de esa bula.

Loa a El Año Santo de Roma es un auto sacramental escrito por el célebre dramaturgo español del Siglo de Oro, Pedro Calderón de la Barca. Este tipo de obras son piezas dramáticas de carácter alegórico y religioso, representadas comunmente durante las festividades del Corpus Christi en España.El argumento de Loa a El Año Santo de Roma se centra en la celebracion del Jubileo del Año Santo que tuvo lugar en Roma en 1650. Este evento, promulgado por la Iglesia Catolica, implicaba un tiempo especial de indulgencia, perdon y reconciliacion.El auto sacramental de Calderon es una celebracion de este evento religioso, y fue originalmente presentado en las festividades del Corpus en Madrid en 1650. En su obra, Calderon utiliza la alegoria y el simbolismo para explorar temas de fe, arrepentimiento y la gracia divina.

Memorial dado a los profesores de pintura. Pedro Calderón de la BarcaFragmento de la obraEn la villa de Madrid, a 8 de julio de 1677 años, la parte de los profesores del arte de la pintura de esta corte, para mas probanza de lo articulado en su "Interrogatorio", presentaron por testigo a don Pedro Calderon de la Barca, estando en esta corte, caballero del Orden de Santiago, capellan de honor de su majestad y de la Real Capilla de los Señores Reyes Nuevos de la Santa Iglesia de Toledo, y a la segunda pregunta dijo: que por la natural inclinacion que siempre tuvo a la pintura, solicito saber lo que de ella habian sentido los antiguos escritores, que la admiraron de mas cerca; y como para entrar en el conocimiento de cualquiera supuesto es la primera puerta su definicion, hallo que la mas significativa era ser la pintura un casi remedo de las obras de Dios y emulacion de la naturaleza, pues no crio el poder cosa que ella no imite, ni engendro la Providencia cosa que no retrate; y dejando para adelante el humano milagro de que en un lisa tabla representen sus primores, con los claros y oscuros de sus sombras y luces, lo concavo y lo llano, lo cercano y lo distante, lo aspero y lo leve, lo fertil y lo inculto, lo fluctuoso y lo sereno, hizo segundo reparo en que trascendiendo sus relieves de lo visible a no visible, no contenta con sacar parecida la exterior superficie de todo el universo, elevo sus diseños a la interior pasion del animo; pues en la posicion de las facciones del hombre (racional mundo pequeño) llego su destreza aun a copiarle el alma, significando en la variedad de sus semblantes ya lo severo, ya lo apacible, ya lo risueño, ya lo lastimado, ya lo iracundo, ya lo compasivo; de suerte que, retratado en el rostro, el corazon nos demuestra en sus afectos, aun mas parecido el corazon que el rostro.

Triunfar muriendo. Pedro Calderón de la Barca Fragmento de la obraActo único(Canta dentro toda la música y sale el Placer vestido de villano.)Música: Venid, mortales, venidsi queréis no serlo y eternos vivir,que aqui esta la Vida puesto que esta aquiquien, muriendo, a la Muerte ha de destruir.Placer: Mil extremos he de hacer 5de contento y alegria.¡Albricias, que hoy es mi diapues es dia de placer!Cantar, bailar y tañersean todos mis intentos, 10digan voces y instrumentosque hoy en metafora un Reyhace de Gracia una leycon todos sus sacramentos,repitiendo alegres en clausulas mil 15El y musica: que aqui esta la Vida puesto que esta aquiquien, muriendo, a la Muerte ha de destruir.(Con estos versos sale la musica y luego el Bautismo, niño, la Confirmacion, dama, la Penitencia vestido de pieles, la Comunion tambien de dama, el Orden sacerdotal, viejo venerable y el Matrimonio de galan. Detras el Rey y haciendole reverencia se quedan todos en ala y el pasa adelante.)

Miser Palomo, el personaje principal de este entremés de Antonio Hurtado de Mendoza, es un "examinador" al que acuden Caballeros, Necios, Enamorados y Valientes para recibir consejos sobre como ser mejores en sus "profesiones". El Necio aprende necedad, el Caballero falsia para mezclarse entre los suyos y el Enamorado a sufrir por amor. Los consejo de Miser Palomo estan llenos de gracia y son seguidos con vehemencia por el resto de los personajes de la obra.

Miser Palomo, el personaje principal de este entremés de Antonio Hurtado de Mendoza, es un "examinador" al que acuden Caballeros, Necios, Enamorados y Valientes para recibir consejos sobre como ser mejores en sus "profesiones". El Necio aprende necedad, el Caballero falsia para mezclarse entre los suyos y el Enamorado a sufrir por amor. Los consejo de Miser Palomo estan llenos de gracia y son seguidos con vehemencia por el resto de los personajes de la obra.

La obra más importante de Pedro Antonio de Alarcón, El sombrero de tres picos (1873), retoma el motivo popular del corregidor que quiere seducir a la molinera. Años después inspiró al andaluz Manuel de Falla su famoso ballet.El sombrero de tres picos tuvo un exito enorme desde su publicacion. Es su obra de plenitud. En ella, aparte de su acierto al retratar a grandes pinceladas a sus personajes, se nos presenta con mas justeza como novelista de acciones. Narra los sucesos, preocupado ante todo por el movimiento, por el desarrollo y avance de la historia.

Aquí Calderón de la Barca trata un tema eterno, lo real y lo imaginario… Sueños hay que verdad son pertenece a la serie de autos sacramentales inspirados en la Biblia. El argumento bíblico relata que

A pesar de ser quien estrenó en la literatura española el tema del divorcio con esta obra, Miguel de Cervantes nunca habló de su esposa en sus diversos textos autobiográficos. En este entremés varios matrimonios se presentan ante un juez y explican las causas de sus peticiones de ruptura. El 12 de diciembre de 1584, Cervantes contrajo matrimonio con Catalina de Salazar y Palacios en el pueblo toledano de Esquivias. Catalina era una joven que aun no habia cumplido veinte años y que aporto una pequeña dote. Tras dos años de matrimonio, Cervantes se separo y comenzo sus extensos viajes por Andalucia sin haber tenido hijos.

In "Much Ado about Nothing," William Shakespeare masterfully intertwines themes of love, deception, and the complexities of human relationships against the vibrant backdrop of Messina. The play juxtaposes the comedic and the serious through witty banter and intricate wordplay, especially evident in the spirited exchanges between Beatrice and Benedick. Shakespeare employs a rich tapestry of characters and a compelling narrative structure that oscillates between farce and poignant moments, revealing the intricacies of courtship and the pernicious effects of rumor and misunderstanding within a society steeped in honor and reputation. William Shakespeare, an iconic figure of the English Renaissance, wrote this work during a period when the genre of romantic comedy was flourishing. His deep understanding of human nature, honed through years of observing societal dynamics, allows him to craft nuanced characters that resonate with modern audiences. With sharp insight into gender roles and social customs, he reflects the tensions surrounding love and fidelity, drawing inspiration from classical sources and Elizabethan social commentary. "Much Ado about Nothing" is essential reading for anyone interested in the interplay of romance and wit, showcasing Shakespeares unparalleled ability to blend humor and pathos. This timeless comedy not only entertains but also invites readers to reflect on the enduring nature of love and the folly inherent in human relationships, making it a captivating addition to both academic study and personal enjoyment.

In "Shakespeare and the Modern Stage; with Other Essays," Sidney Sir Lee presents a compelling exploration of the enduring relevance of Shakespeares works within contemporary theatrical practices. Richly detailed and eloquently written, Lees essays examine the intersection between Shakespearean text and modern interpretation, shedding light on how performance styles, directorial choices, and audience reception have evolved. His scholarly approach balances a historical perspective with critical analysis, making it a vital text for both literature and theater enthusiasts, as it engages with broader themes of adaptation and artistic innovation in the face of societal change. Sidney Sir Lee, a prominent Shakespearian scholar and editor, offers unique insights into the Bards influence on modern drama, stemming from his extensive academic background and a deep passion for the performing arts. His expertise in Shakespearean texts, coupled with a profound understanding of theatrical history, positions him uniquely to bridge the gap between Shakespeares Elizabethan context and the 20th-century stage, enriching our comprehension of theatrical practices and critical discourse during his time. "Shakespeare and the Modern Stage" is a must-read for scholars, students, and anyone captivated by the intersection of classic literature and progressive stagecraft. Lees thought-provoking essays not only illuminate Shakespeares timeless impact but also encourage readers to reflect on the role of theater in contemporary society, making it an essential addition to the library of any serious enthusiast of the dramatic arts.

The House of Atreus presents a profound exploration of vengeance, justice, and the cyclical nature of human suffering through Aeschyluss masterful trilogy: Agamemnon, The Libation Bearers, and The Furies. Written in a compelling poetic style, these tragedies utilize rich imagery and nuanced dialogue, immersing readers in the morally complex world of the Atreides family. Set against the backdrop of post-Trojan War Greece, Aeschylus weaves intricate themes of fate and divine retribution, inviting contemplation of the ancient worlds tragic dimensions and the inexorable consequences of human actions. Aeschylus, often hailed as the father of tragedy, lived in a time of great sociopolitical change, profoundly shaping his dramatic works. His own experiences as a soldier during the Persian Wars likely influenced his views on heroism and the weight of guilt. Rooted in mythological traditions and informed by a strong sense of the divine, Aeschyluss writing embodies the human struggle against fate, while simultaneously reflecting the moral imperatives of his time. Readers seeking a deep engagement with the foundations of Western literature will find The House of Atreus an essential exploration of tragedy and morality. Aeschyluss profound insights into the human condition deliver timeless reflections that resonate through the ages, making this trilogy not only a landmark of ancient drama but also a poignant commentary on the complexities of human relationships.

In Shakespeare in the Theatre, William Poel offers a profound exploration of the theatrical techniques and staging practices surrounding Shakespeares plays. Poels analysis is rooted in thorough historical research, providing insight into how Elizabethan theatre influenced the interpretation of the Bards work. His literary style melds scholarly precision with evocative prose, effectively bridging the gap between academic discourse and practical application, as he meticulously discusses stagecraft, acting methodologies, and the evolution of Shakespearean performance. This work situates itself firmly within the canon of Shakespearean scholarship, augmenting our understanding of both the text and its intended performative impact. William Poel, a pioneering theatre director and a passionate advocate for the authentic presentation of Shakespeares work, was deeply influenced by the tradition of the theatrical revival in the late 19th and early 20th centuries. His professional background, marked by innovative productions that sought to transpose the historical context of Shakespeares time into modern performances, led him to explore the ways in which the playwrights work can be revived and appreciated. Poels insights are shaped by a lifetime dedicated to the theatre, making his perspective uniquely valuable. "Shakespeare in the Theatre" is an essential read for anyone interested in the intersection of literature and performance. It not only serves as a comprehensive guide for students and scholars of Shakespeare but also offers theatre enthusiasts a richer understanding of how the playwrights works were originally conceived for the stage. Poels eloquent prose and comprehensive research make this book a treasured resource for both historical context and practical application.

In "Judith, a Play in Three Acts; Founded on the Apocryphal Book of Judith," Arnold Bennett crafts a richly layered narrative that delves into themes of heroism, femininity, and moral conflict, all set against a backdrop of ancient biblical history. The plays structure is emblematic of its time, showcasing Bennetts prowess in dramatic dialogue and character development while simultaneously invoking the moral dilemmas faced in the Apocryphal text. With a keen focus on the titular character, Bennett reimagines Judith not merely as a historical figure but as an emblematic representation of strength and cunning, presenting her story with elegant language and empathetic depth that encourages reflection on human resilience and ethical choices in the face of oppression. Arnold Bennett, a prominent figure in the early 20th-century literary scene, is well-known for his deep engagement with sociocultural themes, particularly the shifting dynamics of the British class system. His fascination with the intersection of personal and societal challenges is evident throughout his oeuvre. Bennetts interest in the Apocryphal Book of Judith reveals his broader curiosity about the role of women in history and the complexities of morality, further demonstrating his literary versatility and depth. "Judith" is a must-read for those who appreciate thought-provoking drama that intertwines historical narratives with modern existential inquiries. Bennetts exploration of Judiths character will resonate not only with scholars of biblical literature but also with anyone interested in the enduring nature of female empowerment. This play invites the reader to reflect on timeless questions of courage and morality, making it a compelling addition to any literary collection.