Julián Díaz Sánchez

Pensar la historia del arte. Viejas y nuevas propuestas es, sobre todo, una reflexión de método, una revisión de las narrativas. De los trabajos de Aby Warburg a la nueva historia social del arte, pasando por la cultura visual (parte de una historia del arte a la que sus mentores pretendian sustituir), el relato historico artistico aparece hoy como una herramienta fundamental para entender el arte y, especialmente, el sistema en el que surge y del que forma parte. Pensar la historia del arte precisa de una clara dimension multidisciplinar, pero tambien de la fuerte especificidad que ha caracterizado siempre al trabajo del historiador del arte.

Este libro afirma, de entrada, la necesidad del texto de arte en la configuración de una historia del arte capaz de mantenerse y desarrollarse en el interior de unos paradigmas que han convertido el hecho artístico en algo complejo y confuso. Para abordar su estudio, la historia del arte debería conservar su tradicional vocación interdisciplinar. Desde sus orígenes, la historia del arte ha manifestado, en paralelo a la preocupación por el catálogo y la configuración de la historia de los estilos, una tendencia a una historia fundamentalmente cultural (Aby Warburg), preocupada por los ámbitos no occidentales (Carl Einstein) y expandida hacia el análisis profundo de la imagen (Walter Benjamin). Pese a todo, nuestra disciplina ha prestado poca atención a la cultura artística escrita. Pretendemos pues llamar la atención sobre ello y esbozar, como dice el título, un manual de instrucciones de uso del texto de arte. Proponemos una tipología abierta: textos de historia del arte, de género, de museo, de crítica, manifiestos de vanguardia, libros de viajes y textos que sirven para entender la configuración del poder, que no deja de ser un marco definitivo para el arte. No es una tipología completa, pero hay algunos géneros importantes que, sin tener un apartado específico, están presentes en todos los trabajos del libro, los sobrevuelan; nos referimos a los escritos de artista, las preceptivas y los textos de estética.

Las obras de arte se crean con el propósito de compartir un mensaje, de generar un discurso directo con el espectador. Pero el sistema del arte se interpone entre ambos con interpretaciones, no exentas de posiciones ideologicas, esteticas y criticas, que suelen desfigurar la esencia de la obra. Para devolver al publico receptor su mirada activa, es esencial ubicarlo en el centro de las reflexiones, analizar los fallos del sistema artistico (criticos, galeristas, historiadores del arte) y dar voz a las recientes apariciones de nuevas narrativas historica-artisticas que ponen en entredicho las obsoletas politicas de promocion y las relaciones entre arte e industria cultural. Y asi poder abrir un nuevo camino donde el conocimiento de las obras sea un modo de cuidarlas, sin olvidar que es tambien una aproximacion al sistema social que nunca esta al margen de las artes. Como el propio autor afirma nada es neutro en el territorio de las artes, ni siquiera las obras .

¿Qué tienen en común el arte, el diseño y la moda? Tal como los conocemos hoy, parecen indisociables de la modernidad. Este libro trata de los mecanismos de la esfera artística como espacio de circulacion de las artes, como lugar donde el artista aparece, en ocasiones, como una verdadera marca comercial, donde se generan espacios tan especificos como las ferias de arte, pero tambien como una amplia zona de uso comun en la que el grafiti, el diseño y la moda generan sus propios circuitos de comercializacion y de canonizacion (no parece facil que lo primero se materialice sin que se cumpla lo segundo).

El arte abstracto se abrió camino en España cuando, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el Régimen se vio obligado, para subsistir, a perder parte de su retórica fascista. Frente a las tradiciones académicas, al contrario que el arte más político, lo abstracto podía situarse más allá de cualquier ideología, asumir una condición moderna (muy apreciada en las exposiciones internacionales) y enlazar con la gran tradición pictórica española, de Velázquez a Goya. Fue esto lo que propició que, durante un tiempo, la pintura abstracta fuera el arte oficial de la España franquista. Todo esto tuvo lugar en el marco del proceso de separación radical entre cultura y política que se dio en Occidente a partir de 1945, y que favoreció el espectacular reciclaje del régimen de Franco. A partir del análisis de la política expositiva, la crítica y la historiografía del arte abstracto en la España de posguerra, este libro explora las razones por las que el informalismo se consideró un movimiento artístico principal y, además, se entendió como una síntesis de las tradiciones artísticas españolas.