Libros de Cine, página 35 de 552

La presentación en salas del western Django desencadenado devuelve a la primera línea cinematográfica a Quentin Tarantino, sin lugar a dudas, uno de los cineastas más sobresalientes, y personales, del panorama estadounidense contemporáneo. Firmante de una de las películas clave del cine norteamericano de las últimas décadas, Pulp Fiction, y autor de una obra, en conjunto, apasionante y rabiosamente cohesionada, continúa, filme tras filme, sin dejar indiferente a ningún espectador. Adorado y detestado con vehemencia a partes iguales e imitado con insistencia desde el sonado triunfo de su segundo largometraje, este precoz cinéfago, convencido autodidacta, educado en innumerables salas de cine y graduado en los pasillos del mítico Video Archives, construye, armado de una feroz y desprejuiciada cinefilia, ajeno a cualquier tipo de moda o transformación artística, y flanqueado por una pandilla de fieles colaboradores, una filmografía, en esencia, fabricada a partir de innumerables retales sustraídos, con descaro, de las más diversas obras. Virulento maestro del collage fílmico light, fascinado por el spaghetti western, el wusia, el exploit a la mediterránea, la obra de Godard, Fuller o John Woo, niño mimado del todopoderoso productor Harvey Weinstein y del Festival de Cannes, y realizador de la poliédrica Malditos bastardos, una de las reescrituras de la historia más alucinantes exhibidas en el cinematógrafo, o la, todavía hoy, injustamente poco valorada, Jackie Brown, una de sus piezas mayores, después de sobrevivir a la caída del cine indie USA de los noventa, autoimpuesto movimiento inmejorablemente encarnado en la Generación Sundance del noventa y dos, se transforma, definitivamente, en una de las individualidades artísticas más marcadas, reconocibles y deslumbrantes de los últimos años.

Enmarcada en poco más de un quindenio (1960-1977), la obra de Mario Bava brilla en la historia del cine italiano debido a la personalísima magnificencia artística mediante la cual supo reconfigurar los parametros del genero fantastico y de terror, aportando una insolita sensualidad macabra y un envolvente barroquismo formal, y creando dos corrientes tan contrastadas como el "gotico all'italiana" y el "giallo". Obras maestras como "La mascara del demonio", "Seis mujeres para el asesino", "Terror en el espacio" y "Diabolik" fueron tan sumamente innovadoras y particulares que sin ellas serian impensables ramificaciones relevantes del cine fantastico moderno, y verifican a perpetuidad el extraordinario talento de un maestro del romanticismo negro filmico.Premiado historiador cinematografico y novelista, Carlos Aguilar desglosa tan singular caso mediante un ensayo que auna la cronica historico-biografica con la valoracion estetica, describiendo ademas el ingrato contexto industrial donde Mario Bava se desenvolvio esforzadamente.

El presente volumen, el más extenso y exhaustivo publicado a nivel nacional, incluye un completo repaso al género organizado en 1738 fichas. Todos los títulos reseñados presentan una ficha técnica, una calificación orientativa y la opinión del autor.

La Primera Guerra Mundial que recorrió Europa y se extendió por varios continentes entre 1914 y 1918, supuso el primer apocalipsis de la historia de la Humanidad. Durante cuatro terribles años un escalofrio recorrio el mundo no solo ante las masacres de la contienda, sino por toda una convulsion social, demografica, cultural y economica que azoto a las principales potencias de principios del siglo XX. El escritor y abogado Emilio G. Romero realiza un apasionante recorrido por aquella tragedia utilizando el cine como instrumento de ilustracion de las causas, desarrollo y consecuencias de la hecatombe mundial de la que en los proximos años se celebrara el centenario. En una primera parte el autor aborda el conflicto desde el punto de vista historico, militar, sociologico y economico visualizando los diferentes ambitos de la guerra a traves de escenas de multitud de peliculas que han reconstruido aquellos años. En la segunda parte describe las diferentes etapas de la historia del cine y como han representado la contienda segun las circunstancias politicas y culturales del siglo XX e inicios del siglo XXI.

El escritor y periodista cinematográfico José Aguilar recorre en este libro las trayectorias de algunos de los niños y adolescentes prodigio más relevantes del cine español. Su viaje está lleno de preguntas y respuestas que surgen al hilo de las peliculas y de las vidas de estos actores y actrices que, en algunos casos, llegaron a ser grandes estrellas a nivel internacional. El exito, la fama, el dinero y el reconocimiento fueron algunos de los resultados obtenidos por muchos de ellos a traves de sus trabajos. Pero tambien el olvido, el fracaso o la incomprension, y una vida alejada de la normalidad constituyeron un vertigo constante en estas existencias llenas de luces y sombras que ahora, por fin, se analizan como merecen. Marisol, Joselito, Ana Belen, Pablito Calvo, Rocio Durcal, Lolo Garcia o los mas recientes descubrimientos de Jorge Sanz o Juan Jose Ballesta, son parte de los protagonistas de un libro que conecta con los lectores por el rigor, la sensibilidad y el respeto con los que el autor se acerca a sus biografias. Los niños prodigio del cine español cuenta ademas con el indudable valor de ser un catalogo de estrellas y recuerdos. Un album de cine.

Desde que en mayo de 2007 la revista "Cahiers du Cinéma. España" iniciara su andadura, el nombre de Santos Zunzunegui ha estado ligado siempre a ella y a su heredera, "Caimán. Cuadernos de Cine", como miembro del consejo editorial de ambas y como responsable de una columna fija donde ha tenido la oportunidad de seguir cultivando la crítica cinematográfica que ejerciera ya en los años de la transición como miembro del colectivo "Contracampo", y que nunca ha dejado de practicar, hasta el punto de ser una de las piedras angulares de sus aportaciones teóricas. El título de dicha columna ("Lo viejo y lo nuevo"), que da asimismo título a este volumen, deja pocas dudas acerca de cuál iba a ser desde un principio el objetivo principal de sus artículos: un análisis comparado —que tan buenos frutos suele rendir en su caso— entre el cine del pasado y el del presente, tal y como él mismo se encarga de precisar en el primer número: "Poner en marcha una modesta práctica de análisis llamada a tender puentes entre el pasado y el presente".

Como tantos otros conceptos resbaladizos, el término ?familia? se ha con­vertido en uno de los campos de batalla más apasionantes de las últimas décadas. Desde los altares de la sociología, la filosofía, el psicoanálisis o la política se enfrentan voces de propios y extraños en un debate apasionado y difícilmente delimitable que atraviesa el malestar postmoderno y las mu­taciones ideológicas de las sociedades globales. Los autores del presen­te libro pretenden reflexionar ?siempre desde los textos fílmicos? sobre cómo esa duda sobre la familia se refleja y se registra en ciertas propuestas artísticas cargadas de sentido. No se trata, por cierto, de forzar la imagen para convertir su interior en un arma política arrojadiza, sino de chocar con su letra para intentar comprender cómo tres testigos fundamentales de nuestro tiempo (el tándem Bergman/Ullmann y el director Edward Yang) pretenden hacerse cargo de las pasiones, los odios, los tránsitos simbólicos, los delirios, las reconciliaciones y las contradicciones de las estructuras familiares en el primer mundo.

Olvidado hoy en día, incluso por los sectores más progresistas, Juan Antonio Bardem pasará a la historia como el cineasta social por excelencia. Fue uno de los directores más prestigiosos fuera de nuestras fronteras, más incluso que Berlanga, con el que se le emparentó frecuentemente aunque tenían poco en común. Comprometido políticamente con la izquierda, su empeño por hacer del cine un arma social, un reflejo de la sociedad llena de miserias y de grandezas, le emparentan con el neorrealismo italiano y el cine social francés de los años cincuenta.

El buen cine, como las tragedias de la Antigüedad o las canciones de los trovadores de la Edad Media, es el arte de contar historias de gente posible. Más allá de su dimensión de entretenimiento, es

El estreno de La noche de los muertos vivientes en 1968 convirtió a George A. Romero en uno de los directores más admirados de su generación. Sin embargo, la obra del realizador, considerado el padre del cine de zombis, no se reduce a un largometraje ni se limita a un subgenero. Sus peliculas son estudios de su tiempo y su filmografia constituye una radiografia politica de los ultimos decenios, una reflexion sobre las estructuras sociales y economicas que atrapan a sus personajes. Obras maestras como Martin o Dawn of the Dead han hecho a Romero acreedor del reconocimiento de la critica francesa y anglosajona, pero en el mundo de habla hispana sigue siendo un cineasta mal conocido.Este libro es el primero escrito en nuestra lengua que ofrece un analisis completo de su filmografia y desglosa las claves tematicas y esteticas de un cine tan insolito como personal.

El domador de sueños. Asómese al mundo de Fellini«Todas mis películas giran en torno a esta idea: hay un esfuerzo por mostrar un mundo sin amor, personajes repletos de egoísmo, gente que explota a ot