Libros de Arte contemporáneo, página 6 de 167

La pintura de Raúl Cordero (nacido en La Habana, Cuba, en el año 1971 y residente en México, D.F.) como toda la pintura que se ejercite desde la práctica auto-analítica del gesto pictórico en sí, es decir, como gran parte de la pintura de la segunda mitad del siglo XX, participa de esa paradoja ontologica de ser una trampa y un engaño (para el ojo), un juego y un divertimento (para la mente), y un placer y un regalo (para las manos, la piel, el olfato... el sentido y el conocimiento) de quien la hace, y de quienes la disfrutamos.Su obra se centra en su gran mayoria en la creacion de un corpus pictorico que pretende no permitir ser etiquetado facilmente, mientras -a su vez- nos ofrece la posibilidad de vincularlo con cuanta etiqueta, corse o jaula conceptual-historicista tengamos a mano; siempre y cuando esta jaula, corse o etiqueta, le sirva para continuar argumentandose como Pintura, y simultaneamente, le sea util para escaparse de su propia claustrofobia como medio y lenguaje (que ademas carga con una eterna tradicion casi ancestral).Desde esta condicion escurridiza y zigzagueante la obra de Cordero se desplaza alrededor de la idea de almacenar un incalculable potencial de posibilidades de dudas. Siendo la incertidumbre y su peso, su sentido iniciatico, fundacional, lo que le da pie a crear.Por ello quizas, en los ultimos ocho o nueve años (desde sus series Expenditures, 2003-2009 o De titulos opcionales, 2006), en su ultima produccion pictorica la incorporacion de elementos conceptuales-descriptivos, se hace cada vez mas latentes, porque mediante este guiño verbal (en muchos casos construido desde la documentacion y/o registro de un proceso), Raul puede liberar de su peso a las herramientas narrativas del lenguaje de la Pintura, haciendola ligera

En este texto presentamos una visión general del coleccionismo privado de arte japonés, especialmente de Ukiyo-E, en nuestro país en la segunda mitad del siglo XX finalizando este recorrido con la figura de un coleccionista en activo, Daniel Montesdeoca.

La nueva Editorial Los Sentidos afronta un nuevo proyecto que, creemos, será de utilidad par ayudar a la comprensión de la obra de artistas contemporáneos.En su primera colección, la cara oculta, contempla, basicamente, la publicacion de obras exclusivamente literarias de artistas plasticos que de una manera u otra escriben, ya sea sobre su obra o sobre el mundo que les rodea; textos criticos o de ficcion que hasta ahora han permanecido en carpetas esperando ver la luz. Libros que conformaran una coleccion que se ira enriqueciendo al cabo de los años y que estamos seguros significaran una referencia en un campo hasta ahora poco explorado.Un pintor español que piensa, que escribe no solo ensayos sino tambien versos, prosa de creacion. Y su libro, GEOGRAFIA PARA CIEGOS es un conjunto de poemas tradicionales, es decir, escritos en verso. Poemas dispuestos en el espacio, en la pagina en blanco, simetricamente, en torno a un eje. Poesia acida, interrogativa, dubitativa, incierta, vibratil, divagatoria, en zigzag. La incertidumbre de nuestra epoca. Caos y calma y la milagrosa "oscura claridad" que denota la autentica poesia

Reinventar La Isla 2Artistas Canarios en la colección CAAM (...últimas generaciones)Como continuación museográfica a la muestra Reinventar la isla I, una visión desde la Modernidad hasta los comienzos de la Post-Modernidad en Canarias, y como deseo de mostrar los fondos del CAAM al publico de manera revisitada, Reinventar la Isla 2 traza una linea cronologica de investigacion constante, en la que actualmente el museo esta centrado, desde los años ochenta hasta la actualidad, tomando nuevamente como soporte las obras de artistas canarios en la Coleccion CAAM. En Reinventar la Isla 2 exhiben una variedad de formatos acorde con la hibridacion de materiales y tecnicas caracteristica del arte de nuestros dias. Obras donde la Pintura interactua con el dibujo, la fotografia, el videoarte o la instalacion.

Bob Peak, Mick Wiggins, A greve, Marc Boutavant, Agostino Iacurci, Tom Gauld, The Lost Thing, Eleftheria Alexandri, Txus Marcano, Alessandro Gottardo, The Bridge, Eduardo Bertone, Jaume Osman, Mauro Entrialgo, J. Joaquín Rodríguez.

Tras los acuerdos de paz en Centroamérica, artistas de Belice, Honduras, Guatemala, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica y Panamá inician una producción marcada por la utilización de la palabra escrita como parte de obras de arte visuales. Este elemento, predominante dentro de esta nueva generacion de artistas, es fundamental para la comprension de las diferentes dimensiones de las relaciones entre la cultura visual y la verbal en un contexto de gran inestabilidad politica, simbolica, economica y cultural. Las experimentaciones artisticas con las relaciones entre imagenes y palabras muestran la necesidad de replantearse los registros simbolicos relativos al espacio, la sujecion, la violencia y la mirada. Cada uno de estos registros implica una logica: instalacion, interpelacion, intercambio y friccion. Cada una de estas logicas representa un contexto de disputa social sobre las convenciones mediales que definen, dominan y separan las culturas verbales y visuales. Se trata de una disputa social por la palabra y la imagen, y por ende, por la memoria, la historia, la verdad, la justicia y la formacion de sensibilidades.

Abierto al público en 1819, el Museo del Prado no es sólo en sí un producto romántico, sino que el esplendor de la Escuela Española, cobijada en dicha institución y, antes de fundación de ésta, apenas conocida y valorada allende nuestras fronteras, fue asimismo un descubrimiento aireado por los romanticos europeos. En esta misma linea, es significativo que dos de los directores mas ilustres que rigieron el destino del Museo del Prado durante el siglo XIX, los pintores Jose de Madrazo y Agudo y su hijo Federico de Madrazo y Kuntz, fueran respectivamente discipulos de Jacques-Louis David y de Ingres. Tampoco se puede obviar que el, sin duda, mas influyente pintor español de nuestra epoca, Francisco de Goya, fallecido nueve años despues de inaugurarse el Museo del Prado, mostrase su obra en esta institucion desde su origen. Este nuevo tomo de la Fundacion Amigos del Museo del Prado pretende relacionar estrechamente el arte romantico realizado dentro y fuera de España, ademas de profundizar en todos los debates esteticos, artisticos, culturales y sociales que surgieron durante la feraz e intensa era romantica, contando para ello con la colaboracion de los mejores especialistas de todo el mundo en dichas materias.

Catálogo de la exposición Luz adentro. Carmelo Ortiz de Elgea, José Luis Zumeta, editado por ARTIUM de Álava. Luz adentro presenta una escogida selección de las últimas obras de estos artistas, en un dialogo que revela el compromiso de ambos con la pintura, compromiso arraigado desde sus inicios en los tiempos de la llamada Escuela Vasca.

El artista es presentado en la diversidad y complejidad de su trayectoria, de su trabajo con sistemas de proporciones y texturas diversas debido a su invención de las rimas plásticas. Juan Gris es tambien el representante mas cierto de la nueva definicion del cubismo llevada a cabo entre 1916 y 1923. Juan Gris y el cubismo estuvieron en el punto de partida de la transformadora experiencia latinoamericana del arte moderno, y la exposicion pone de manifiesto las relaciones, implicitas o explicitas de Juan Gris con Emilio Pettoruti, Xul Solar, Rafael Barradas, Joaquin Torres-Garcia y Vicente do Rego Monteiro. Posteriormente alcanzara con Juan Gris y el cubismo siempre como referentes a otras geografias y ambitos culturales a traves de las obras de Daniel Vazquez Diaz, Manuel Angeles Ortiz, Louis Marcoussis y Georges Valmier y dialogara con el trabajo fotografico de Horacio Coppola y Martin Chambi. Con esta suma de elementos y protagonistas, el cubismo aparece como una propuesta versatil y compleja capaz de aunar y superar, en una misma secuencia, tiempos, espacios y distancias intercontinentales

Compilatorio del Arte Ruso contemporáneo y relación de los premios Kandinsky 2007-2012.

Explore las épocas turbulentas y las ideas revolucionarias que marcaron el arte a lo largo del siglo XX. Del surrealismo al Land Art, del Fluxus a la Bauhaus, esta obra divulgativa es la guía perfecta para conocer a los protagonistas y las obras que redefinieron el arte entre los años 1900 y 2000. Al considerar todas las disciplinas, incluidos...En la Nochevieja de 1899 ¿quien hubiera podido prever que, 100 años mas tarde, la pintura y la escultura dejarian de ser requisitos esenciales para convertirse en dos opciones mas? El termino arte ha sido definido y redefinido tantas veces en el ultimo siglo que ha adquirido significados sociales, politicos y tecnologicos totalmente nuevos.Al abarcar toda la gama de disciplinas disponibles, incluidas la fotografia y los nuevos medios, y al estar articulada por temas para destacar la relacion entre obras y movimientos, esta obra maestra amena y enciclopedica se convierte exactamente en lo que dice la portada. Ya se trate del surrealismo o el Land Art, Fluxus o la Bauhaus, esta es la guia completa del arte del siglo XX.Un proyecto tan inmensamente ambicioso merece estar en la biblioteca de cualquiera.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, septiembre-diciembre de 2012. Esta exposición explora cómo el deseo de Antonin Artaud de transcender los límites del lenguaje -tanto hablado como escrito- perduro en el trabajo de una serie de creadores vinculados a los movimientos vanguardistas de mediados del siglo XX. Incluye alrededor de trescientas obras de artistas procedentes de tres espacios geograficos principales -Francia, Estados Unidos y Brasil- y sugiere que el proceso de apropiacion, recontextualizacion y traduccion del polifacetico legado de Artaud forma parte de una historia intelectual mas amplia que no puede desligarse de la emergencia, a un lado y otro del atlantico, de un conjunto de practicas artisticas interdisciplinares que plantearon la necesidad de desarrollar modelos alternativos de modernidad.

Xilitla es la película que la artista visual Melanie Smith presentó en la 54 Bienal de Venecia en 2011. Se trata de una pieza en la que se mezclan medios tan dispares como el vídeo y la pintura. Smith realizo en ella un "desmantelamiento" del encuadre mediante juegos conceptuales en torno a la repeticion y la diferencia, desplazando su produccion desde la practica de la pintura como medio potencial para "desencuadrar el encuadre".

La idea de la exposición S/T arranca de la necesidad de un grupo de artistas de generar, en el ámbito del mundo del arte contemporáneo, nuevas plataformas desde las que poder mostrar, difundir y dar voz a su trabajo.Hablamos de espacios promovidos y gestionados por los propios creadores, donde se les pueda eschuchar sin las interferencias que a veces provocan los intermediarios, la politica de subvenciones, o el propio mercado. Se trata de que los artistas se conviertan en interlocutores directos con el publico, al margen de los canales convencionales, situandose en primera linea para establecer un dialogo entre artistas, obras, espacio y publico; llenando asi un vacio existente en el panorama artistico nacional.Como proyecto expositivo S/T partio de unas premisas poco habituales. Acogio la obra de veinte artistas españoles en un espacio teoricamente"no apto"para este fin, unas antiguas oficinas cuyo aspecto no fue modificado para la muestra.