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El concepto ""desnortadas"", presente en el título, ha sido un concepto que ha permitido a las autoras repensar y desorientar conjuntamente y, desde perspectivas feministas, los ejes y coordenadas que articulan los discursos, las exposiciones y demás aspectos del sistema del arte. Es por ello que los trece capítulos del libro se articulan sobre varios desnortamientos. Por una parte, el geográfico, que reclama un estudio de la historia del arte estatal en el que no todos los ejes pasen por Madrid; también el de deconstrucción de los cánones territoriales, así como el de género, puesto que los sesgos heteropatriarcales de la historia del arte son evidentes y siguen impactando en la percepción del trabajo de las artistas. Articulado en tres secciones, el primero presenta estudios que buscan poner en cuestión el modo en que se construyen las categorías de análisis, revisando distintos mecanismos como los concursos de arte, la crítica o la historiografía. El segundo recoge estudios de artistas específicas que repiensan la manera de historiar sus trayectorias personales sin caer en narrativas de genio o de excepcionalidad. Por último, el tercer bloque recopila casos que plantean otros acercamientos teóricos y metodológicos con los que repensar la historia del arte, como el giro afectivo, los estudios queer o de la performatividad.

Graffiti Life nos sumerge en la inspiradora trayectoria de dos hermanos que, desde la sierra madrileña, se han convertido en figuras influyentes de la escena urbana mundial. Durante más de tres décadas, su dedicacion al Hip Hop en español y al Graffiti ha dejado un legado imborrable, marcado por proyectos incontables. Sin buscarlo, se erigieron como leyendas en el arte del tren y la iconica sierra, al tiempo que su respaldo a otros artistas ha impulsado carreras y el progreso de la escena. Su aportacion se refleja en iniciativas como su grupo Dos hermanos, el sello discografico Estaochungo o la revista Trapos Sucios, que cimentaron los primeros pasos del Hip Hop en España. Graffiti Life es un relato visceral y sincero que retrata su compromiso, su arte y la revolucion cultural que promovieron.

Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 19 de septiembre 2024 al 5 de enero de 2025

¿Qué es normal en la vida y en el arte? ¿Qué es normal en la sexualidad, en la academia, en el museo? El arte, con su potencia de ruptura y extrañamiento, ha sido siempre un espacio privilegiado para poner en tension las reglas sociales de la normalidad. Para revelar en imagenes la complejidad de un mundo vasto y diverso. Y, sin embargo, ¿es capaz de cuestionar sus propias normas, sus vias de consagracion, sus instituciones, sus publicos? Diversidad y arte latinoamericano se detiene justamente alli, para recorrer la obra de artistas que, de distintas maneras, rompieron el techo de cristal, quebraron las limitaciones que dificultaban su visibilidad, transgredieron el canon.

Este libro se editó con motivo de la exposición Conticinio de Nicolás de Maya. Celebrada en la Sala Veronicas de Murcia del 12 de mayo hasta el 23 de julio del año 2023

Por sus cualidades de inmediatez y ligereza, el dibujo es un medio de expresión plástica idóneo en un contexto de guerra. Durante la Primera Guerra Mundial, muchos artistas combatientes produjeron numerosos bocetos, ilustraciones y viñetas sobre su experiencia belica y la realidad de las trincheras.Adoptando un enfoque transversal de las innovaciones vanguardistas a la prensa satirica, este breve ensayo analiza sus distintas aproximaciones al conflicto, reproduciendo algunas de esas obras mas notables. ¿Hasta que punto era posible captar la deshumanizacion de la guerra moderna, denunciar las manipulaciones de la propaganda, plasmar el horror?

Cinco meses después del triunfo de la Revolución rusa, los nuevos gobernantes nombraron a artistas como Malévich, Kandinski, Tatlin o Chagall para ocupar importantes puestos en el recién creado Comisariado del Pueblo para la Instruccion Publica. Estos vanguardistas pretendian transformar calles y plazas, la educacion y, en ultima instancia, a las propias personas. Sin embargo, su intento de llevar el arte a la vida no acababa de cuadrar con la interpretacion bolchevique de una cultura revolucionaria, lo que hizo que no tardase mucho en resquebrajarse la confianza entre ambos.Primera obra que aborda la asombrosa historia de la vanguardia rusa en su conjunto. De la mano de un numero sin precedentes de cartas, diarios y recuerdos, muchos de ellos ineditos, ofrece un vibrante y conmovedor retrato de estos excepcionales artistas y de una epoca irrepetible.

Juan Alfonso Contreras abarca la escena plástica andaluza del siglo XXI mediante una poética elaborada a partir de la obra de 73 artistas a los que ha entrevistado entre los años 2020 y 2023. A través de la charla sosegada, de preguntas oportunas y respuestas meditadas, se da cuenta de sus trayectorias y se pone en claro los retos a los que se enfrentan, al tiempo que asoman sus reflexiones sobre el mundo contemporaneo. Adicionalmente, el libro incluye obras de todos los artistas que ellos mismos han seleccionado.Los artistas son la esencia de este libro. A lo largo de las 470 paginas de este volumen, el autor agrupa a creadores vivos, andaluces o estrechamente vinculados a Andalucia, de diferentes generaciones y disciplinas. Algunos poseen los mas importantes galardones de las artes plasticas y todos cuentan con dilatadas trayectorias profesionales y con un amplio reconocimiento, estando sus obras en muchos casos en importantes museos y colecciones. Se trata de nombres conocidos que abarcan un espectro generacional desde Luis Gordillo o Miguel Rodriguez-Acosta hasta el joven Manuel M. Romero.Tambien la Academia de España en Roma tiene un hueco en esta publicacion, dado que han sido muchos los artistas andaluces que han pasado por esta importante institucion cultural; Juan Al

"Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular." Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zurich el 2 de febrero de 1916 cuando decidio fundar el mitico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaismo. Y lo hizo sin saber quienes acudirian ni que llevarian. Tres dias mas tarde, el Voltaire abrio sus puertas sin ninguna planificacion previa. "Mitico" es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaismo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zurich y luego en Paris, junto a Andre Breton, futuro padre del surrealismo; George Grosz en Berlin, donde tambien destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Hoch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dada; la pareja Duchamp-Picabia con su dadaismo neoyorquino Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿que hubo de verdad y que de mito en el origen y la evolucion del dadaismo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografia colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos mas brillantes de un movimiento que transformo

Este libro ofrece una perspectiva histórica del bolígrafo como medio artístico, de su evolución y su creciente popularidad. Este título presenta a varios artistas destacados del medio que están creando obras maestras complejas y provocadoras y que explican sus metodos, los mensajes de sus obras y su relacion personal con el boligrafo.

Lejos de la estética de la máquina y la velocidad promulgada por Marinetti, el concepto de futurismo que Umberto Boccioni manifiesta en su obra se fundamenta en la emoción, que es lo que da la medida, frena el analisis, legitima el arbitrio y crea el dinamismo. A traves de sus creaciones, el artista debe ser capaz de comunicar la emocion que suscita en el un especifico estado de animo plastico; debe insuflar vida al arte, alejarlo del estilo museistico y sacralizador que convierte la tradicion en un fardo fardo embarazosa, contagiarlo de esntusiasmo, de confianza en el futuro.

Exposición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza del 11 de octubre de 2022 al 15 de enero de 2023 Pablo Picasso y Gabrielle Chanel trabajaron juntos en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antigona (1922) y en Le Train Bleu (1924) de Serge Diaghilev para sus Ballets Rusos. El artista y la diseñadora de moda se conocieron en la primavera de 1917, probablemente a traves de Cocteau o Misia Sert, y Chanel entablo una estrecha y duradera amistad con ambos, que la introdujeron en el circulo de Picasso. Se relaciono con el artista y su esposa en una epoca en la que el participaba activamente en la compañia de Diaghilev. Chanel se asocio estrechamente con el mundo artistico e intelectual parisino de la epoca, hasta el punto de declarar que "son los artistas los que me han enseñado a ser exigente".Uniendo de nuevo arte y moda, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una exposicion que explora la relacion entre estos dos genios de la creacion del siglo XX. Estructurada en cuatro secciones principales, sigue un orden cronologico que abarca aproximadamente la decada entre 1915 y 1925.El estilo Chanel y el cubismo revela la influencia de este movimiento artistico en las creaciones de Chanel desde sus primeros e innovadores diseños: su uso de un lenguaje formal geometrico, la contencion cromatica y la estetica cubista del collage, expresada en prendas de lineas rectas y angulosas; su preferencia por el negro, el blanco y el beige; y su uso de tejidos economicos con texturas austeras. La segunda seccion, titulada Olga Picasso, se centra en los numerosos y hermosos retratos que Picasso hizo de su primera esposa, la bailarina rusa Olga Khokhlova, que fue una de las clientas mas fieles de Chanel. Junto a estas obras se muestran varios conjuntos de la primera epoca del diseñador, de los que sobreviven pocos ejemplos. Antigona, adaptacion moderna de Cocteau de la obra de Sofocles, se estreno en Paris en 1922 con decorados y mascaras de Picasso y vestuario de Chanel, ambos inspirados en la Grecia clasica, como revela esta seccion. Le Train Bleu es el titulo de la cuarta seccion y del ballet creado por Diaghilev en 1924 con un escenario de Cocteau, inspirado en los Juegos Olimpicos, el jazz y el cine mudo. Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diaghilev encontro en el estudiode Picasso, se transformo en la imagen de la tela frontal de la obra y el artista tambien acepto el encargo de ilustrar el programa. Por su parte, Chanel utilizo su coleccion de ropa deportiva de esa temporada para el vestuario de las bailarinas

La construcción del Seminario de Comillas (1883-1893) constituye una espectacular manifestación tardía y adaptada al medio español de lo que en el ámbito europeo se conoció como el movimiento del «Ar

A collection of essential quotations from the renowned fashion designer, DJ, and stylistAbloh-isms is a collection of essential quotations from American fashion designer, DJ, and stylist Virgil Abloh, who was a major creative figure in the worlds of pop culture and art. Abloh began his career as Kanye Wests creative director before founding the luxury streetwear label Off-White and becoming artistic director for Louis Vuitton, making Abloh the first American of African descent to hold that title at a French fashion house. Defying categorization, Ablohs work has been the subject of solo exhibitions at museums and galleries, most notably in a major retrospective at the Museum of Contemporary Art Chicago. Gathered from interviews and other sources, this selection of compelling and memorable quotations from the designer reveals his thoughts on a wide range of subjects, including creativity, passion, innovation, race, and what it means to be an artist of his generation. Lively and thought-provoking, these quotes reflect Ablohs unique perspective as a trailblazer in his fields.

Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que cultivó artes tan diversas como la pintura, la escultura, el cine, la confección de grabados y la poesía. Pero fue su obra fotográfica, con sus desnudos, imagenes de moda y retratos, la que escribio un nuevo capitulo en la historia de la fotografia.A traves de una extensa coleccion, tanto de sus obras mas famosas como de otras menos conocidas, esta monografia ofrece una vivida perspectiva de la polifacetica practica de Man Ray y su legado fotografico. Siga la trayectoria de Man Ray desde sus inicios artisticos en Nueva York hasta su papel protagonista en la vanguardia parisiense. Alli participo en la primera exposicion surrealista con Jean Arp, Max Ernst, Andre Masson, Joan Miro y Pablo Picasso, y creo obras tan emblematicas como Noire et blanche (Negra y blanca) y Le Violon d'Ingres (El violin de Ingres). Mediante numerosos ejemplos de naturaleza muerta y retratos, entre otros, observamos como Man Ray experimentaba constantemente con nuevas tecnicas, convirtiendo la fotografia, mas alla de su dominio documental, en una expresion eterea y poetica a traves de la exposicion multiple, la solarizacion y su particular marca de fotogramas que bautizo con ingenio como rayogramas.

Este libro, publicado por TASCHEN, ofrece una introducción accesible y visualmente impactante al movimiento artístico del cubismo, pionero del arte moderno del siglo XX. Con obras de Picasso, Braque, Juan Gris, Fernand Leger, entre otros, la autora analiza como los cubistas rompieron con las convenciones europeas de perspectiva y forma para crear imagenes fragmentadas, planas y revolucionarias.

An appraisal of the full range of accomplishments of this internationally popular contemporary artist.

Published to accompany a groundbreaking exhibition of film and video works at Tate Modern, "Time Zones explores questions about the nature of time and the way it is perceived in modern culture. The international selection of artists featured in the book, including Fkret Atay, Yael Bartana, Jeroen de Rijke, Wllem de Rooij, Wolfgang Staehle, and Fiona Tan, all make the passage of time a central feature of their work. Essays by Tate curators Jessica Morgan and Gregor Muir offer insights into the individual artists.

Malcolm Miles, Miles MalcolmBecause public art suffers from falling between the realms of art and urban planning, it has been neglected in debates both on contemporary art and the future of cities. Art, Space and the City focuses on two roles for art: as decoration within revisioned urban design and as a social process of criticism. Malcolm Miles applies a range of critical perspectives which have emerged from art criticism, urban design, urban sociology, geography and critical theoryto examine the practice of art for urban public spaces, and asks the artworld how it might contribute to the urban future. Drawing on a wealth of images and examples, including New York, Seattle, London and Tokyo, the author questions the effectiveness of public art in achieving more convivial urban environments, while retaining the idea that imagining the urban future is as much part of a democratic society as using public space. Exploring the diversity of the roles of professionals and users in the construction of the city, thegendering of space and the ways in which space and citizen are represented, Miles explains how these issues are as relevant to architecture, urban design and planning as they are to public art. After three decades of public art as an often marginalized area within the practice of art, this is the only book to take stock of what it has become and what the future holds for it in the urban setting.