Libros de Arte contemporáneo, página 5 de 166

Esta publicación, editada con motivo de la exposición Chromosome Damage en el Drawing Room de Londres, documenta la serie completa de 100 dibujos del artista Daniel Guzmán. La obra de Guzmán se enmarca dentro de un contexto prehispanico y mexicano. La serie expone el simbolismo e iconografia de las diosas-madres de tierra azteca. Cada dibujo representa a una figura femenina voluptuosa de ojos saltones, que muestra los dientes y pasa por transformaciones misticas e inquietantes al ir agrandando sus extremidades, multiples pechos y manos: los pies se convierten en troncos de arboles y serpientes se enroscan alrededor de estos. Las obras, hechas a tinta, al pastel y carboncillo, utilizando cafes, rosas y rojos terrosos, son fascinantemente ricas y provocadoras.

COOL ILLUSTRATION! Un fantástico libro de ilustración actual, que cuenta con la recopilación del trabajo de catorce artistas de reconocido prestigio nacional e internacional, entre los que se encuen

Muchos caminos. Imágenes contemporáneas del Camino de Santiago trata de dar cuenta del estado del Camino de Santiago y su sentido en la actualidad a través de un conjunto de propuestas plásticas de medio centenar de artistas contemporaneos que aportan una capa mas actual al imaginario fraguado historicamente.....

Despierta tu creatividad con estas divertidas y accesibles propuetas. Vivir el arte te guía para experimentar el arte a través de conceptos sencillos y materiales al alcance de todos. Un viaje creativo para expresarte sin bloqueos, realizar tus propias obras y descubrir el artista que hay en ti. Tu propia imaginación te espera.

El libro recoge los trabajos del 2017 de los 24 artistas e investigadores que disfrutaron de las becas que otorga la Academia de España en Roma durante el periodo 2016-2017.

El presente trabajo demuestra la estrecha relación que existió entre la pintura y la fotografía en el siglo XIX en España, y rastrea la importancia que esta última tuvo en el proceso creativo de muchas de las pinturas que hoy conocemos. Obviamente, la fotografia y la pintura son dos tecnicas muy distintas. En la fotografia, tras el objetivo hay un individuo que la maneja, el ojo de la camara es fijo, aseptico y a veces implacable, mientras que el pintor es mas subjetivo, mas sentimental, mas dependiente de los cambios de humor y de las tendencias, porque la pintura tiene un caracter creativo e interpretativo que no siempre encontramos en estas primeras fotografias. Prueba de ello es el caso de Dionisio Fierros, que en ocasiones se sirve de la fotografia como base, pero a partir de ella crea e interpreta y sus obras la trascienden, la superan, y sus cuadros vibran llenos de vida, color y sentimiento.Dos tecnicas distintas, dos caminos diferentes para entender la realidad del siglo XIX y en definitiva, una misma intencion que subyace en pintores y fotografos: el ser testigos fieles de la actualidad.Un breve recorrido por la pintura y la fotografia del S. XIX, y en especial, por laobra de Dionisio Fierros, que abre nuevas vias paraun estudio mas completo del arte novecentista.

La idea de la exposición S/T arranca de la necesidad de un grupo de artistas de generar, en el ámbito del mundo del arte contemporáneo, nuevas plataformas desde las que poder mostrar, difundir y dar voz a su trabajo.Hablamos de espacios promovidos y gestionados por los propios creadores, donde se les pueda eschuchar sin las interferencias que a veces provocan los intermediarios, la politica de subvenciones, o el propio mercado. Se trata de que los artistas se conviertan en interlocutores directos con el publico, al margen de los canales convencionales, situandose en primera linea para establecer un dialogo entre artistas, obras, espacio y publico; llenando asi un vacio existente en el panorama artistico nacional.Como proyecto expositivo S/T partio de unas premisas poco habituales. Acogio la obra de veinte artistas españoles en un espacio teoricamente"no apto"para este fin, unas antiguas oficinas cuyo aspecto no fue modificado para la muestra.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, septiembre-diciembre de 2012. Esta exposición explora cómo el deseo de Antonin Artaud de transcender los límites del lenguaje -tanto hablado como escrito- perduro en el trabajo de una serie de creadores vinculados a los movimientos vanguardistas de mediados del siglo XX. Incluye alrededor de trescientas obras de artistas procedentes de tres espacios geograficos principales -Francia, Estados Unidos y Brasil- y sugiere que el proceso de apropiacion, recontextualizacion y traduccion del polifacetico legado de Artaud forma parte de una historia intelectual mas amplia que no puede desligarse de la emergencia, a un lado y otro del atlantico, de un conjunto de practicas artisticas interdisciplinares que plantearon la necesidad de desarrollar modelos alternativos de modernidad.

Xilitla es la película que la artista visual Melanie Smith presentó en la 54 Bienal de Venecia en 2011. Se trata de una pieza en la que se mezclan medios tan dispares como el vídeo y la pintura. Smith realizo en ella un "desmantelamiento" del encuadre mediante juegos conceptuales en torno a la repeticion y la diferencia, desplazando su produccion desde la practica de la pintura como medio potencial para "desencuadrar el encuadre".

Esta obra , concebida y diseñada por Toni Catany y Antoni Garau, presenta una serie de fotografías que Catany realiza de algunas de las cerámicas de Miquel Barceló, quien le abrió su tejar/estudio de Vilafranca de Bonany (Mallorca) entre diciembre de 2010 y enero de 2011.El arte de Catany se puede entender en su complejidad cuando lo utiliza para mostrarnos el arte de otro. Asi, cuando tiene delante las maravillosas ceramicas de Barcelo, llenas de vida, oscuridad y misterio -una de las palabras clave de la estetica de Catany- su propuesta visual no es la de Cossiols; no es la de Natures Mortes; ni es la de las texturas insinuadas de las polaroids transportadas. La respuesta al reto planteado por Barcelo tiene que ver con la ultima Venecia y la materia oscura de Altars Profans en cuya serie creativa esta inscrito el registro de esta obra. Al crear Catany su propia mirada sobre la obra de Barcelo encontramos la mejor de las comuniones profanas entre dos expresiones artisticas autonomas y libres.