Libros de Teoría y crítica de arte, página 21 de 162

La búsqueda de lo que hoy conocemos como fotografía forma parte una compleja trama de experimentos llevados a cabo por numerosos científicos y aficionados a las artes no solo en las grandes metrópolis europeas, sino tambien en los sitios mas apartados de la civilizacion occidental. Esta obra nos presenta las pesquisas, zozobras y hallazgos de Hercule Florence, frances afincado en el interior de Brasil, quien, en 1833, logro fijar imagenes visibles a traves de la camara oscura, ademas de proponer el uso del negativo y bautizar el descubrimiento con el nombre que hoy le damos: fotografia.Despues de mas de doscientos años de su nacimiento, resulta fascinante conocer a quien imagino diferentes experimentos precursores de la fotografia. Su descubrimiento no cabe dentro del mundo de las coincidencias, sino que responde a la busqueda decimononica por mejorar los medios de reproduccion de la imagen, privilegiada desde entonces como una senda del conocimiento. El analisis de Kossoy no se agota con la fotografia; por el contrario, a partir de ella abre el camino a la reflexion sobre las maneras en que la cultura latinoamericana ha sido abordada.

A finales de los años setenta el crítico italiano Achille Bonito estableció el discurso de las corrientes artísticas que siguieron la línea de retomar el pasado, la expresividad, la fuguración o el color movimiento y definió a los transvanguardistas Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola De Maria y Mimmo Paladino, como los artistas que retomaron el concepto de la artesanalidad, la relevancia de la cita, los lenguajes del pasado desde una lectura presentista y rechazaron el sentido lineal de la historia, es decir, el darwinismo lingüístico. Próximamente a la venta.

Les diverses contribucions que es reuneixen en aquest llibre fan ús del malestar combatiu per reflexionar i aportar idees que milloren els vincles entre els museus, les aules, els entorns patrimonial

Brumaria. 2015. Rústica. Nuevo. Nuevo. 5

Grabados de Augsburgo para un ciclo emblemático portugués: Los azulejos de la Iglesia d...

Entre las criaturas fantásticas del Bosco y las intervenciones en el territorio de Robert Smithson median 500 años y una idea: la naturaleza como motor de la práctica artística, un hilo conductor filtrado por la sensibilidad de artistas de la talla de Leonardo, El Greco, Klimt o Dalí, entre muchos otros que el lector encontrará en este libro. Y es que la naturaleza es una y muchas, un concepto viajero que ha mutado en múltiples existencias, al ritmo de cada época histórica: desde la imagen del cuerpo renacentista a los imaginarios surrealistas, pasando por los géneros del paisaje, la naturaleza muerta y las energías metamórficas del fin-de-siècle, sin olvidar las recientes aportaciones del bioarte, que actualiza las antiguas, y a veces olvidadas, relaciones entre arte y ciencia.

HUUN: arte / pensamiento desde México es una revista-libro anual que ofrece un espacio para la expresión y la reflexión artística. En sus páginas convergen distintas generaciones de artistas de las mas diversas disciplinas. Colaboran poetas, criticos, nar

Lo cierto es que la palabra mágica de hoy es “creatividad”. Y no sólo para el artista: el manager y el político también demandan creatividad.

De Homero a Falubert o Thomas Mann, del escultor del Trono de Boston a Picasso o Buñuel y de Empédocles a Freud o Bataille, Eros y Tanatos han sido asuntos recurrentes en la literatura, ela rte y el

Diálogos Interartísticos recoge los trabajos expuestos en SEMIOSFERAS. Congreso internacional sobre cine, literatura, música y artes escénicas “Palabra, imagen y escrituras: La intermedialidad en los

atalogo de la exposicion organizada por la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, en colaboración con la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y el Museo Nacional de Escultura de Valladolid en la Sala Alcalá 31 donde aflora el tratamiento de la identidad, con matices irónicos, de la pertenencia cultural (ya no geográfica) a determinadas zonas de influencia, de nuestra creación simbólica. Canon es una revisión de los estereotipos asumidos en la historia del arte y aceptados como el canon de belleza, el canon estilístico, el canon de la perfección escultórica, de las medidas de nuestros cuerpos, en definitiva, la idea de cómo debemos de ser, de cómo la cultura occidental nos ha representado desde el inicio de la humanidad y que sigue estando universalmente aceptado. Para ello ha utilizado vaciados de las esculturas clásicas grecorromanas más conocidas, como la Venus de Milo, el Discóbolo, Afrodita y otras, estos vaciados (procedentes de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) los ha manipulado, pintado, alterado, para cuestionar la vigencia de esos cánones en la estética y especialmente en la realidad contemporánea. El propio artista filosofa sobre el tema de nuestra autorepresentación Comprenderse a uno mismo es comprender a los demás y para ello necesitamos conocer los cánones vigentes en cada momento, ya sean legales, morales, religiosos o estéticos , una frase que sirve de inicio para la reconstrucción y deconstrucción de estos símbolos, Así estas esculturas que representan la perfección y la belleza aparecen pintados de negro o manipuladas de formas diferentes. El montaje es específico para esta sala , en el que las esculturas forman un laberinto en el que dialogan las imágenes clásicas con las obras de Maté, en un intento de mostrar las diferencias entre el momento socio-político en el que fueron creadas y el momento actual.

La colección de vidas de santos que conocemos por el nombre de La leyenda dorada es en su mayor parte -hay añadidos de épocas posteriores- obra de Santiago de la Vorágine (h. 1228-1298), dominico italiano que llego a ser arzobispo de Genova. De intencion edificante, constituye una de las mas claras expresiones de una literatura cristiana que, situandose muy lejos del discurso teologico e incorporando narraciones piadosas que en ocasiones se remontan a los siglos IV, V y VI, conectaba con el alma popular mediante la sabia fusion de historia y leyenda y de espiritualidad y materialidad. El gusto por el detalle visible y palpable que impregna estos relatos recorre asimismo la serie de xilografias que ilustra esta edicion, procedente de la traduccion italiana de la Leyenda que en Venecia publico Capcasa en 1494. La inclusion de La leyenda Dorada en Alianza Forma apenas precisa de justificacion. Ofrecer al lector español, y por primera vez, uno de los repertorios iconograficos mas utilizados por el arte occidental desde el periodo tardomedieval hasta el siglo XIX tiene un indudable interes tambien para los estudiosos de la iconografia y del arte en general. La Leyenda, termino que no conlleva aqui significacion alguna de fantasia o ficcion, sino la etimologia de lo que se debe leer, ha sido traducida directamente del latin por fray Jose Manuel Macias, O.P.

Un comprometido ensayo que postula la resistencia creativa contra la alienación de las pantallas.El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominacion. La hegemonia optica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnotica. Todas las pantallas permanecen encendidas (dia y noche reclaman nuestra atencion). No hay salida, solo la experiencia creativa, la dimension poetica y la libertad de la mirada pueden servir de antidoto a un totalitarismo del espectaculo narcisista convertido en eje de una autoalienacion colectiva sin precedentes. Reclusion insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada.El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un analisis critico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominacion. La hegemonia optica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnotica. Todas las pantallas permanecen encendidas (dia y noche reclaman nuestra atencion). No hay salida, solo la experiencia creativa, la dimension poetica y la libertad de la mirada pueden servir de antidoto a un totalitarismo del espectaculo narcisista convertido en eje de una autoalienacion colectiva sin precedentes. Reclusion insomne. Democracia visual. Pantallas ...

Primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, desde 1929, y, más tarde, director de Investigación de Pintura y Escultura y director de Colecciones de esa misma institución, Alfred H. Barr, Jr. fue una de las figuras mas influyentes en la vida artistica de una epoca crucial para el desarrollo del arte contemporaneo. Renovador del concepto tradicional del museo de arte y protagonista de diversas controversias cuyos temas son aun motivo de discusion, Barr influyo decisivamente en el gusto de la sociedad americana manteniendo una posicion de vanguardia frente a las actitudes predominantemente conservadoras de los consejeros del museo y de los aficionados en general. Precedidos de una extensa introduccion de Irving Sadler, los treinta y cinco textos de Barr incluidos en La definicion del arte moderno -muchos de ellos aparecidos en revistas hoy de dificil localizacion- proporcionan un amplio panorama del desarrollo de su pensamiento en su triple faceta de director, de historiador y critico y de defensor a ultranza de la libertad artistica. Completan el presente volumen una amplia cronologia y una bibliografia exhaustiva de la obra.