eBooks de Teoría y crítica del cine, página 2 de 12

Análisis del pensamiento creativo desde la perspectiva de que comprender y aprehender el proceso de creación es imprescindible para todas aquellas personas que se interesen por la comunicación persuasiva en y desde cualquier tipo de organizacion. Conocer y dominar ese proceso les ayudara -tanto si son publicitarios como si no lo son- a superar prejuicios e inhibiciones, a desarrollar inteligentemente su imaginacion y a despertar una actitud favorable hacia la innovacion. El contenido de esta obra permitira al lector acceder a unos planteamientos basicos sobre el apasionante mundo del pensamiento creador o productivo y su aplicacion practica; la utilizacion de la capacidad creativa como herramienta para resolver problemas. Ambas habilidades -pensamiento productivo y creatividad- resultan imprescindibles para alcanzar los objetivos de cualquier tipo de comunicacion organizacional, ya sea empresarial o institucional.

Las incertidumbres, las inconsistencias, los miedos y las obsesiones de cada época condicionan su arte, y el cine es uno de los dispositivos que los recoge, estiliza y arroja de nuevo al espectador. Desde la decada de 1990 el cine nos invita a desconfiar de sus relatos. Los denominados mind-game films convocan narradores amnesicos, durmientes o mentirosos; por ellos transitan figuras detectivescas que terminan descubriendose como culpables del misterio que investigan; escritores atormentados son devorados por sus propias ficciones; los protagonistas proyectan, sin saberlo, siniestros doppelgangers que circulan como personajes reales. Las mas de las veces, ni el espectador ni los protagonistas son conscientes del delirante punto de vista desde el que se enuncia la historia hasta bien avanzada esta. Sin embargo, la alteracion temporal de estos filmes (su no linealidad) y las imposibles contradicciones que van salpicando sus argumentos mueven a sospechar de la fiabilidad de la narracion. Asi, este tipo de cine pone en evidencia, por ejemplo, las promesas vacuas de la sobreabundancia de imagenes y de las nuevas tecnologias como sustentos de la memoria y la identidad del sujeto contemporaneo, de manera que se demanda un inusual esfuerzo de interpretacion al espectador, que se enfrenta a ciertos fantasmas de su propio tiempo. Para facilitar esta decodificacion se analizan sus mecanismos narrativos, asi como sus argumentos y motivos visuales mas recurrentes.

Ascenso y caída del padre propone la siguiente pregunta… ¿Qué es ser un padre? Un recorrido por la historia del cine en busca de respuestas.Desde sus inicios, el cine imaginó soluciones posibles para

Las representaciones pictóricas, fotográficas y cinematográficas surgen de aquello que, en determinada época, es posible ver, nombrar y pensar. Tienen una intención, transmiten un mensaje –aun aquell

El auge y la proliferación de los biopics, los reality shows, las home movies y los documentales e historias de vida parecen indicar un predominio de los relatos vitales por sobre los ficcionales. La cantidad de peliculas que exhiben el nexo con lo viviente crece y se nos impone. A partir de una lectura del cine como un arte de los indicios, Gonzalo Aguilar propone que el retorno de lo real uno de los sintagmas mas utilizados por la critica en los ultimos años no señala un retorno del realismo sino un enlace cada vez mas fuerte entre imagen y vida.Reflexiones teoricas, relecturas de filmes o balances del estado del cine, los ensayos reunidos en Mas alla del pueblo. Imagenes, indicios y politicas del cine estan atravesados por las mismas preguntas. ¿De que modo el cine interviene en la produccion de lo real? ¿Como opera la imagen cuando el pueblo ya no es mas la instancia homogeneizadora de lo politico? Aguilar discute con Gilles Deleuze y Serge Daney; reflexiona sobre el documental, la dictadura argentina, el terrorismo de Estado y los desaparecidos; interroga la relacion entre el cine argentino, lo popular y lo politico, y explora el cosmopolitismo limitrofe de Japon a Estados Unidos.En estas excepcionales y polemicas incursiones en el cine, el autor sostiene: La apertura actual de la imagen cinematografica a la vida es la otra cara de la pregunta sobre el retorno de lo real: cada vez es mas necesario que los asedios a las imagenes cinematograficas o no ya no sean sobre la construccion o la voluntad de arte, sino sobre sus modos de imprimir su huella en el flujo de la vida.

Como anuncia su título, Melodrama, tragedia y euforia: de Griffith a Von Trier intenta recontar la historia del cine a través de la evolución y el progreso pautados por los autores más trascendentales de cada cinematografia. Centenares de peliculas de muy diversas procedencias y estilos son estudiadas en este ecumenico analisis de las estructuras narrativas y los personajes caracteristicos. Leyendo este libro, probablemente, lleguen al recuerdo del lector-espectador aquellas imagenes que alguna vez provocaron su desconcierto e identificacion, y tal vez suscitaron la meditacion en torno a nuestra a veces patetica y a veces heroica condicion de seres humanos.

En este volumen, Ricardo Bedoya ofrece una visión panorámica de ciertos motivos, tendencias estilísticas y tratamientos rastreables en el cine internacional desde el inicio del siglo XXI. El volumen recoge apuntes sobre centenares de filmes, sopesados desde la perspectiva de un cinefilo que no reconoce placeres culposos ni jerarquias entre las peliculas consideradas de arte y ensayo y aquellas que no abrigan tales pretensiones.El volumen se organiza a partir de algunas de las lineas recurrentes en el cine producido desde el año 2000. Comienza con una mirada a los titulos finales o postumos de cineastas que cerraron sus carreras a inicios del siglo y sigue con un repaso por las distintas modalidades narrativas del cine de no ficcion.El repaso continua con una revision de los dialogos que se establecen con los generos cinematograficos, desde el western hasta el terror, siempre vigentes, pero releidos a la luz de las sensibilidades contemporaneas, y presta atencion tambien a las franquicias que abundan en secuelas, precuelas, reboots y spin offs.Otras lineas de aproximacion incluyen los modos de imaginar cuerpos y mentes en el nuevo siglo, asi como las miradas a la historia y a los conflictos de la actualidad o a la construccion de identidades e intimidades de individuos y grupos, entre otras tendencias del cine del nuevo siglo. Un libro imprescindible para quien quiera orientarse en la diversidad y riqueza de la cinematografia contemporanea.

Si hay algo que ha caracterizado al surrealismo, sea que estemos hablando de poesía, fotografía, cine o artes plásticas, es el interés por la exploración del cuerpo, de las figuras que lo representan. En ese ambito, llaman la atencion no solo los puntos en comun, sino tambien los contrastes que podemos hallar entre las distintas expresiones de esta vanguardia, sobre todo entre los versos y las peliculas. Cuerpo y surrealismo: de la poesia al cine parte de una inmersion semiotica en las figuras del cuerpo del poemario La tortuga ecuestre de Cesar Moro y el cortometraje Un perro andaluz de Luis Buñuel para apreciarlos como dos obras emblematicas: por un lado, de como los poetas usualmente comprendieron las imagenes corporales como una encarnacion mitica y vital del mundo, y por otro, de la manera en que los cineastas las plasmaban con frecuencia para tomar conciencia de las represiones impuestas por la sociedad y de la fragilidad ante la muerte. De este modo, se analiza la obra de poetas diversos ubicados en los origenes del surrealismo (Breton o Eluard), al igual que en sus prolongaciones latinoamericanas (Westphalen o Paz) o españolas (Aleixandre o Garcia Lorca). Asimismo, se aborda la obra de cineastas que formaron parte de distintas epocas del surrealismo o que fueron influenciados, en mayor o menor medida, por la vanguardia: Cocteau, Deren, Hitchcock, Fellini, Jodorowsky, Svankmajer, Lynch, Mandico, entre otros. En paralelo, se toman en cuenta las representaciones del cuerpo en la obra plastica o fotografica de artistas como Dali, Magritte o Man Ray.

Jean-Luc Godard (París, 1930 - Rolle, Suiza, 2022) fue uno de los revolucionarios críticos que, desde las páginas de Cahiers du Cinéma, promovieron la "política de autores": una renovada concepción del director de cine como creador que, mediante la puesta en escena, convertia sus peliculas en obras de arte. Fue, quiza el mas audaz de los cineastas de la nueva ola del cine frances de los años sesenta. Si bien, para muchos, su imagen se diluye un poco luego de esa epoca dorada, Godard es, sin duda y no solo por su obra temprana, uno de los cineastas mas influyentes de todos los tiempos. Este volumen recoge veintitres ensayos que abordan distintos aspectos de la prolifica carrera cinematografica de Godard. Desde sus inicios como critico y su paso a la direccion, hasta los filmes que hizo en el ocaso de su vida, pasando por esas primeras y deslumbrantes cintas que retaban las convenciones narrativas, sus filmes-ensayo, su politica incursion en la creacion colectiva, sus experimentos con el video, su empeño por llevar al limite los supuestos del lenguaje cinematografico y el modo en que el cine de este siglo ha asumido su legado. El cine de Jean-Luc Godard: rupturas y aperturas le rinde homenaje a esa figura radical tanto en el sentido de extremo como en el de raigal que dejo una huella indeleble en el modo que tenemos de entender el cine.

El cine latinoamericano del desencanto pone en evidencia la relación que existe entre varios filmes contemporáneos de esta región y su realidad continental. En el contexto de otras obras fílmicas concebidas en Latinoamerica, el autor elige Japon, del director mexicano Carlos Reygadas, como eje central de su ensayo y ejemplo paradigmatico, para verificar el tratamiento dado a la utopia, lo rural y otras categorias analizadas. De esta forma, cuestiona la extendida tesis respecto a un cine que para algunos estudiosos no se distingue por sus intereses politicos o sociales, sino por los meramente esteticos. En su lugar, este libro identifica dos tendencias cinematograficas en el continente, indaga en sus posicionamientos ideologicos, y sugiere una nueva cartografia para comprender el Nuevo Cine Latinoamericano de estos tiempos.

Este volumen recoge la mayor parte de los trabajos que Eduardo Manet publicó, entre 1960 y 1966, en la revista Cine Cubano. En ellos dejó un registro crítico que se distingue por su seriedad, su profesionalismo y su coherencia. Actitudes como el paternalismo tolerante, el insulto, las posiciones dogmaticas, la autosuficiencia y la obviedad quedan excluidas de una actividad que el realizo de modo sistematico y disciplinado y que asumio con metodo y rigor. Es lucido, analitico, independiente en sus opiniones y amplio en sus gustos y escribe con criterio y fundamento. Posee amplios conocimientos y los combina con una conveniente dosis de pasion. Sus textos denotan ademas un conocimiento cabal del importante papel que cumple el critico, como intermediario entre la produccion cinematografica y el espectador. Leidas varias decadas despues de que se publicaran, estas paginas criticas suman el placer de su lectura, pues constituyen un buen ejemplo de claridad e inteligencia. Parafraseando a Andre Bazin, se puede afirmar que los textos de Manet son el resultado de escribir sobre aquello que se admira.

Como abogado experto en derecho de autor que es también guionista y realizador cinematográfico, Ramón Obón aborda de manera exhaustiva los aspectos legales de la industria fílmica, teniendo como centro el derecho de autor: la libertad de expresion y sus limitaciones; censura, supervision y clasificacion de peliculas; titularidad de derechos, y la observancia a los instrumentos contractuales indispensable en toda produccion audiovisual. Incluye casos concretos y una revision de las leyes fundamentales en la materia (anexas en el libro), asi como la jurisprudencia aplicable, resoluciones, proyectos y bibliografia especializada.

El cine de Pere Portabella es indisociable del arte y de la política. Son disciplinas que se conjugan y retroalimentan desde una actitud común: impugnar las normas, las sociales pero también las estéticas. Este es justamente el titulo de un volumen que reune decenas de textos escritos por el autor durante sesenta años, desde sus inicios como productor hasta la actualidad. Se incluyen articulos en diarios y revistas, presentaciones de sus peliculas, prologos de libros y catalogos de exposiciones, conferencias, asi como algunas de sus intervenciones como senador o diputado durante las primeras legislaturas de la democracia. Del mismo modo que el cineasta se ha preocupado por preservar su obra para garantizar su difusion publica, ahora llega el turno de sus escritos. En esta edicion prologada y anotada por Esteve Riambau, los textos se articulan en tres grandes bloques: la oposicion al franquismo, los primeros años de la democracia y el retorno al cine tras Pont de Varsovia, sin olvidar una especial atencion hacia el papel de la cultura en Europa. Sin jamas separar el arte y la politica del cine, surgen sinergias y confrontaciones que ofrecen un retrato muy fidedigno del pensamiento de Portabella, a su vez sustentado sobre interacciones con personajes tan ilustres como Luis Buñuel, Josep Tarradellas, Joan Brossa, Antoni Tapies, Joan Miro o Carles Santos.

El deslinde de los estratos de significación del término cultura (burguesa, de élite, de masa), deliberadamente enajenados de sus esencias profundas por la manipulación capitalista, constituye una notable empresa de este titulo. Perfilar las fronteras entre ellos, desde la perspectiva del espacio de autenticidad que es la cultura popular, lanza un desafio a la conciencia social, abriendole un camino de comprension sobre las implicaciones reales de una terminologia elaborada desde los centros de poder para anular y suplantar a la cultura autentica, que es la creada por el pueblo, por las clases bajas o subalternas, al decir de Adolfo Colombres. Se trata de una reflexion sobre la cultura popular y la posibilidad de teorizarla desde la perspectiva critica y emancipadora de las capas sociales subalternas, con el proposito fundamental de dimensionar las expresiones artisticas del pueblo frente a los intentos de sustituirlas por una literatura para el pueblo. Como parte de los complejos procesos que condicionan la cultura popular, se abordan temas como el lenguaje y el sistema de la oralidad, las especificidades teoricas de la cultura en Nuestra America, el papel de los medios de comunicacion, el folklore, las politicas y estrategias sociales, la diversidad cultural, la dialectica entre identidad y globalizacion, y otros topicos que problematizan la vision que sobre estos temas pretenden imponer los discursos hegemonicos.

En tiempos de acceso a la información por medios digitales, muchos se preguntarán la validez de un diccionario como este. Pero cómo orientarse en esa entramada red de las principales figuras del cine, sin un minimo de conocimientos de las que han dejado una huella importante a lo largo de mas de un siglo de existencia del septimo arte.Este peculiar diccionario, brinda informacion de primera mano con lo imprescindible que debe conocerse. Lo integra una seleccion de mas de setecientos actores y actrices del cine universal, desde la era silente hasta la actualidad, precedido de un ensayo donde se abordan las principales claves de la actuacion, como la interrelacion escenica, el estilo, la voz, el sexto sentido, la importancia de la gestualidad, el vestuario, entre otros temas de gran interes, y se complementa con un anexo que aporta datos esenciales de una seleccion de mas de cien actores y actrices nacidos en la segunda mitad del siglo XX, todos incluidos en el indice de actores.Con esta valiosa obra, fruto de años de dedicacion a la critica cinematografica, tambien Jose Alberto Lezcano rinde homenaje a una profesion que le inspiro admiracion y respeto desde que era un adolescente, hasta convertirsele en "una segunda piel".

Sus orígenes bañolenses, el sentido lúdico del arte, la vida como una fiesta diaria, Barcelona, Cannes, Locarno, París, Nueva York… Este brindis reaviva el discurso que Albert Serra improvisó como pr

Conferencia impartida por Javier de Lucas, Catedrático de Filosofía del Derecho y Filosofía Política Instituto de derechos humanos de la Universitat de València en la Universidad de Verano de Gandia

Este libro plantea un estudio comparativo de representaciones de asesinos a sueldo en películas producidas o ambientadas en Brasil, Colombia, España y México de 1995 a 2015. En el recorrido interdisciplinario por estas narrativas filmicas de violencia se observa la evolucion de los extremos cambios socioeconomicos de las ultimas decadas y el modo en el que se ha impuesto el ideal de supuesto progreso basado en politicas que han fomentado la privatizacion de bienes y empresas publicas por parte de muchos Estados.Se estudia la polisemia del sicario adulto dentro del marco de la familia, atendiendo a su conformacion ideologica y estetica en la era de la globalizacion y el neoliberalismo. La reevaluacion de este corpus cinematografico cuestiona la aparente despolitizacion de muchas de estas peliculas que son caracterizadas habitualmente como meras producciones de suspense o de accion subrayando asi el impacto sociocultural de su conjunto. Dado su enfoque transatlantico, se combina un acercamiento a industrias cinematograficas tanto de America Latina como de España que da como resultado una obra que ofrece material novedoso de consulta para especialistas, pero tambien para los que se acercan por primera vez a estas tematicas

En la presente obra se ilustra, de manera fotográfica, la trayectoria del proyecto sociocultural Entre hilos, alas y pinceles, que agrupa alrededor de veinte artesanas-artistas de la ciudad de Trinidad, lideradas por Yudit Vidal Faife, y que trabaja una tecnica ancestral en Trinidad, de Cuba, desde la antiguedad hasta su devenir contemporaneo, destacandose las tecnicas del deshilado, bordado y tejido a mano, fundidas con el pincel, y aplicando el trabajo a nuevos soportes y tecnicas artisticas, lograndose un cambio de contexto de las piezas, que resultan dignificadas, al dejar de ser unicamente utilitarias, para convertirse, de forma autonoma, en obras de arte en si mismas. A traves de este libro se rinde un sencillo homenaje a todas aquellas artesanas que supieron, en su tiempo promover y enseñar a varias generaciones la tradicion del hilo y la aguja, las que lograron hacer de este delicado trabajo el sustento y la principal fuente economica de varias familias. Cada obra es en ejemplo de identidad cultural de Trinidad, Patrimonio de la Humanidad, proclamada Ciudad Artesanal del Mundo por el Consejo Mundial de Artesanias y Ciudad Creativa, titulo conferido por la UNESCO.

La carrera de John Fante tras un éxito esquivo está repleta de anécdotas sorprendentes y giros inesperados. El último, el encuentro casual entre su obra y las manos de Charles Bukowski en una biblioteca de Los Angeles, seria el que le permitiria, finalmente, darle caza. En el despertar tardio de la bibliografia fantiana sobresale Ask the Dust, un retrato en claroscuro del amor fatal en los margenes de la L.A. de los años 30 que golpeo la inspiracion del director y guionista Robert Towne al primer contacto: arrancaba entonces un nuevo pillapilla entre la pasion del genio y el pragmatismo de la industria que recorreria los pasillos de Hollywood durante mas de tres decadas. 2006 pondria termino a la espera y alfombra roja a la pelicula: Ask the Dust desembarcaba en los cines estadounidenses. Por fin.Este trabajo da cuerpo a las historias esbozadas en las lineas anteriores, pero tambien penetra en una fraccion de la alfaguara paratextual que sucedio al lanzamiento de la pelicula para analizar su recepcion por parte de critica y publico. Al mismo tiempo, sus paginas calibran el peso de la (in)fidelidad a la novela en sus valoraciones y desglosan como aborda cada audiencia este aspecto, tan central como controvertido en la genealogia de los estudios de adaptacion. Para saber mas, no hace falta preguntar al polvo: basta con leer este libro.