Willow weaving is an exciting and rewarding craft for anyone who wants to reconnect with the natural world. This essential book gives all the information and tuition needed to get started and includes projects on sculpture, basketry and folk-art decorations. Thirteen projects are set out in clear and detailed stages, ranging from practical baskets to planters, lifelike scultpures and wreaths. Advice is given on adapting recipes and designing your own baskets.Topics covered: Basic techniques and basketry terms are explained and clearly illustrated, along with selection and preparation of materials; Chapters describe four different basketry forms, each with a different set of structures and skills to learn; Sound, practical tips throughout to smooth your progress and help overcome difficulties. Beautifully illustrated with 160 colour photographs and 17 drawings.

This companion book to the documentary of the same name highlights the multifaceted nature of Maria Bartuszovas art, a body of work which lies within a symbiosis between tranquility and the vibrant vitality of meaning and emotion. The book draws upon conversations conducted during the making of the documentary, encompassing personal recollections, academic analyses and individual reflections upon the poignancy of the work of Bartuszova. This multidisciplinary approach juxtaposes the expressive serenity of Bartuszovas sculptures with the dynamism of ideas and intra-actions, inspiring surprising and thought-provoking responses among those within the cultural sphere and beyond.The book also features original quotes in English, Czech, German, Italian, Polish and Slovak, alongside a selection of lesser-known works by Bartuszova and contemporary artists, ranging from emerging talents to established names.Ruth Noack: "We have yet to understand the full depth and relevance of Maria Bartuszovas contribution to the world, but the research into her work and its international exposition are gaining momentum; consequently, this companion book to Zuzana Krialkoviovas documentary film Stillness in Motion. Conversations on Maria Bartuszova can itself be regarded as a companion to other takes on the artists oeuvre."With Cecilia Alemani, Ka Te Blaova, Maria Chapman, Agata Jakubowska, Pavel Karous, Miroslav Kleban, Grayna Kulczyk, Joanna Mytkowska, Ruth Noack, Bojana Peji, Ivona Raimanova, Kasia Redzisz, Zora Rusinova, Lucia G. Stach, Boris Vaitovi, Silvia Van Espen and others.

El carácter intemporal y universal de la forma y su permanencia en el tiempo a través del diseño popular ofrece un nuevo acercamiento a la identidad y al sentido de lo humano, planteada en esta tesis desde el caso abulense. El lenguaje de la forma, la escultura, se presenta asi como un proceso creativo innato y necesario de nuestra naturaleza, capaz de permanecer en el tiempo como testigo y conexion de personas mas alla del tiempo y el espacio. Este es el sentido de estas tesis que parte de un espacio concreto, Avila, para ofrecer unas conclusiones con repercusiones universales al plantear un viaje al sentimiento, la emocion y la racionalidad desde la contemplacion reflexiva que nace con la necesidad del universal proceso creativo. Dos momentos marginales respecto de la tradicional concepcion artistica oficialmente aceptadas son los elegidos para desarrollar este trabajo por permitirnos acercarnos a la esencia de conceptos como identidad, supervivencia y creacion. Hablamos del primitivismo que cronologicamente nace con los primeros gestos plasticos del ser humano hasta la integracion de la cultura desarrollada en estas tierras dentro del contexto mas amplio y dirigido de la romana. Como disciplina artistica, la escultura permite una mirada diferente a la cientifica, capaz de estudiar elementos de indudable valor artistico por su belleza, concrecion, poesia expresividad de la forma, la materializacion de azar e intencion... Aspectos que transforman aparentes objetos anodinos, mas alla de su valor historico y testimonial, en fuentes de contemplacion, conocimiento y disfrute artisticos que superan incluso la inicial validez funcional en aquellos casos en los que asi la hubo. Hablamos de la vitalidad que podemos percibir desde su presencia como elementos artisticos. Estamos condicionados por nuestra propia actitud cultural a la hora de contemplar un objeto. Somos herederos del clasicismo, pero tambien de una identidad menos reconocida y transmitida, entre otros, por manifestaciones como el arte popular que surgio con las primeras manifestaciones artisticas y que se ha mantenido hasta nuestros dias. Es, por lo tanto, el estilo artistico de mayor presencia en cualquier cultura cuya esencia creativa ha conservado el mismo sentido arcaico y primitivo que poco a poco hemos ido olvidando para volver a buscarlo desde la contemporaneidad. Tres caminos tematicos complementarios nos llevan a profundizar en el tema hasta llegar a las conclusiones finales: Materiales y tecnicas, tematica y aspectos formales. En todos ellos se profundiza en la esencia intima comun tanto a lo primitivo y a lo popular como consecuencia de las particulares relaciones humanas de ambos momentos en relacion al ambiente natural y tambien al economico-social caracterizado por una economia de autoabastecimiento. En lo cultural, la inusual adquisicion de materiales y elementos que podemos denominar como exoticos aportaran protagonismo ornamental y simbolico, en contraste con el trabajo mas habitual condicionado por la asequibilidad de materiales y el mayor desarrollo de sus tecnicas vinculadas, que influidos tambien por una tematica comun, vinieron a producir resultados formales caracteristicos, incluso transmitidos por tradicion y buscados por el autor en cada nueva creacion.La facilidad de tecnicas como la incision o el grabado, pero tambien la sencillez y contundencia de algunas formas provocan una asimilacion mas rapida y profunda en el inconsciente formal. Estas caracteristicas condicionan una concepcion formal que camina con cierta soltura entre los ambitos de la abstraccion y la figuracion, sin llegar nunca a niveles altos de realismo y que en algunas ocasiones adquieren un protagonismo en su ...

Más allá de sus investigaciones sobre temas históricos y políticos, y en otro horizonte intelectual bien distinto, estas reflexiones, publicadas por primera vez en 1719 y preparadas desde diez años antes, constituyen la mas cuidada exposicion sobre la teoria de las artes hecha por Jean-Baptiste Du Bos, para quien la finalidad especifica del arte es emocionar. Esta obra, muy erudita, plena de sagacidad y de espiritu critico, es todo un ejercicio filosofico ponderado que resulta aun mas valioso cuando se conoce el hecho de que el propio Du Bos jamas practico las artes acerca de cuyos principios reflexiona. Aun asi, su pensamiento estetico sera de una influencia considerable a lo largo del Siglo de las Luces. La caracterizacion de estas reflexiones como criticas no es casual, sino que obedece a lo mas radical de su planteamiento estetico.

El enigma de la Mona Lisa desnuda, El artista que pintó el fondo marino, Los ángeles mosqueteros del Nuevo Mundo, Los misteriosos retratos de hombres en llamas o La legión de hombres lobo del Ejército romano: una estrafalaria exploracion de la vertiente mas curiosa del arte, con pinturas, esculturas, dibujos y otras rarezas artisticas extrañas. Una exposicion unica que reune mas de cien obras magnificas, elegidas por su sorprendente belleza, su rareza y la cautivadora historia que hay detras de su creacion. Tesoros oscuros y olvidados conviven con obras maestras muy conocidas, y todos tienen historias secretas que contar. Las paginas de este libro acogen frescos medievales sobre el Juicio Final, esculturas que gritan, manuscritos magicos, arquitectura imposible, santos con cabeza de perro y el primer retrato de un canibal. Arte robado, arte marginal, arte fantasma, arte de venganza y arte pintado en el fondo del mar junto a muestras de arte escandaloso, falsificaciones y engaños, arte de sueños y pesadillas, y pinturas cripticas todavia por descifrar. Del arte rupestre prehistorico a los retratos pintados mediante inteligencia artificial, esta obra se basa en una profunda investigacion y una abundante variedad de imagenes que conforman un libro sorprendente a cada pagina que, en ultima instancia, trata de ser un homenaje al infinito poder y la creatividad de la imaginacion humana.

El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras del siglo XVIII.Cuando un visitante entra en el Museo del Prado, espera ver Las Meninas de Diego Velazquez, no los bodegones de Clara Peeters, pese a pertenecer al mismo estilo artistico, y tener un incalculable valor historico.PintorAs vol. 2 pretende dar respuesta al vacio de conocimiento que tiene la historia del arte: las mujeres artistas. No es que no las conozcamos porque no existieran, sino porque fueron despreciadas artisticamente y olvidadas historicamente.En este tomo, que comprende todo el siglo XVIII, Sara Rubayo y Ana Gallego aportan una nueva perspectiva a la historia del arte para que puedas darle el merecido reconocimiento a todas aquellas mujeres que han contribuido a nuestra cultura con su talento.

El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras desde la Antiguedad hasta el siglo XVII.Hablemos de los artistas desde el siglo VI a. C hasta el XVII: son muchos siglos de historia, seguro que recuerdas algun nombre. Pero ¿quien te vienen a la mente? ¿Cuantos hombres? ¿Cuantas mujeres?PintorAs vol. 1 surge de la necesidad de encontrar a las mujeres de la historia del arte para poder pintar una imagen completa del desarrollo artistico a lo largo de los años. Desde la premisa todas dentro y ninguna fuera, Sara Rubayo y Ana Gallego arrojan luz sobre todas aquellas mujeres que se dedicaron al arte.Si bien la historia del arte solo parece contemplar a las mujeres como musas o como pintoras de poco talento, este tomo tiene como objetivo dar la vuelta al saber convencional: recuperan del olvido a artistas de las que apenas hemos oido hablar porque hay muy poca informacion sobre ellas.Porque por breve que haya sido su historia, cada artista se merece el debido reconocimiento y su obra debe tener su lugar en el conocimiento popular.

Esta obra é resultado de pesquisa cujo tema é O jogo na perspectiva Histórico-Cultural: uma proposição a partir do Ensino Desenvolvimental. Objetivamos analisar as possibilidades de organização do pr

Este livro, O "artesanato da Produção Acadêmica": a trajetória da antropóloga Heloisa Fénelon, é resultado de uma tese de múltiplos valores. É original na medida em que constrói uma trama articulando

"Para mim a escultura é o corpo. Meu corpo é a minha escultura". Essa frase de Louise Bourgeois, que serve como uma das epígrafes da obra de Gabriela De Laurentiis, explicita muito daquilo que a autora apresenta ao longo de seus capitulos. O fazer artistico e o fazer a si mesma que emerge pela analise detalhada do trabalho de Louise Bourgeois vai alem de definiçes estritas e conclusivas do que seja o feminismo ou, mais ainda, a arte feminista. De Laurentiis apresenta o trabalho de Louise Bourgeois como um trabalho dotado de certa forma que permite a expresso da experiencia de muitas mulheres. Formas arredondadas, paisagens corporais, maternidade e paternidade, histeria, "ser mulher" e devir-animal; todas essas conceitualizaçes, materialidades, percepçes, so conjugadas em "Louise Bourgeois e modos feministas de criar", de modo a dar forma a uma percepço e compreenso proprias da obra de Bourgeois que, talvez, perpasse a historia da arte, como convenço acerca das tecnicas, estilos e formas expressivas a luz de uma sincronicidade temporal. A partir da forma propria da obra de Bourgeois, De Laurentiis problematiza a noço de historia da arte e do lugar da mulher artista em tal historia, desafiando convençes e noçes binarias e antiteticas por excelencia, pares opositores que tradicionalmente refletem a hierarquizaço e normatizaço sociais modernas. A obra foi publicada no Brasil pela primeira vez em 2017 (Annablume), ganhando traduço espanhola em 2020 (No Libros). Desta vez, o trabalho retorna ao publico nacional em novo projeto grafico e novo posfacio, assinado pela professora Ana Paula Simioni, da Universidade de So Paulo (USP), alem de contar com as apresentaçes originais de Edgard de Assis Carvalho (PUC-SP) e prefacio de Patricia Mayayo (Universidad Autonoma de Madrid).

The Language of Mixed-Media Sculpture is both a survey and a celebration of contemporary approaches to sculptures that are formed from more than one material. It profiles the discipline in all its expanded forms and recognizes sculpture in the twenty-first century not as something solid and static, but rather as a fluid interface in material, time and space. It gives insightful revelations of the creative journeys of ten renowned sculptors and showcases twenty-eight international sculptors. With over two hundred colour photographs, this sumptuously illustrated volume will inspire those intrigued by and interested in contemporary sculpture. Lavishly illustrated with 223 colour illustrations.

El término Renacimiento es demasiado amplio -y no poco confuso- a la hora de precisar los límites del fenómeno pictórico. Para unos el Renacimiento es una continuación del arte gótico; para otros es, sin embargo, una reaccion contra el; unas veces se habla de Renacimiento con un sentido temporal (siglos XIV a XVI), otras prefiere entenderse como norma espacial (Italia y Flandes). Estas distintas interpretaciones, que conviven y alientan en el complejo vocablo, nos anuncian la unica cualidad clara y distinta del Renacimiento: su falta de claridad.

Walter Bastianetto nació en Venecia, Italia. Inició su aprendizaje formal en la Academia de BellasArtes de la ciudad de Palermo.De regreso a su ciudad natal estudió escultura en el taller del maestro Giuliano Buzzati, alumno del famoso escultor Arturo Martini.En 1974 tuvo su primera exposicion colectiva en el Palazzo Strozzi de Florencia, destacando en el genero escultorico contemporaneo realista.Un añomas tarde, en la galeria de arte Il Canale en Venecia, tuvo una exposicion individual de escultura en terracota y pinturas en acuarela. Tomo clases con el escultor florentino Giorgio Maestripieri, quien ademas de ser un excelente maestro sentia una profunda atraccion por las culturas precolombinas de America, interes que supo despertar y avivar en su joven alumno y amigo.

"La imagen de la mujer en la pintura española (1890-1914)" es un riguroso estudio que articula los diferentes tipos femeninos que aparecen en las artes plásticas españolas del fin de siglo con los nuevos ambitos esteticos y culturales en los que se insertan. Aparecen nuevos tipos iconograficos, la prostituta, la mujer trabajadora o la mujer liberada, que conviven con arquetipos tradicionales, la elegante, la mendiga, la gitana o la madre y la esposa, que, sin embargo, se veian sometidos a profundas mutaciones.A finales del siglo XIX se fraguan una serie de cambios que afectan a la vida cotidiana y que cristalizan en la pintura finisecular a traves de la imagen de la mujer. Esta se convierte en protagonista de los nuevos ambitos que atraen la atencion de los artistas: la intimidad familiar, el mundo del trabajo, la moda, la relevancia social, los bajos fondos o las nuevas formas de ocio, de amor y de sexualidad.La pintura del fin de siglo constituye un ejemplo indiscutible respecto al papel del arte en la creacion y difusion de estereotipos femeninos.

Esta publicación sintetiza una extensa investigación y experimentación sobre el espacio en la escultura a partir de un análisis interdisciplinar desde la arquitectura y otras artes que abordan el tema de la espacialidad.La reflexion teorica sobre el origen y desarrollo experimental de la escultura se genera a partir de la obra como conclusion proyectual y desde la misma se observan sus resonancias en este contexto interdisciplinario de la experiencia del espacio. Complementan este trabajo una serie de imagenes que constituyen universos comprimidos de ideas y mensajes codificados en un lenguaje que es propio de las artes visuales. En el libro se revisa el pensamiento teorico que permite una reflexion sobre la experiencia del espacio y las relaciones entre la escultura, la arquitectura y otras disciplinas. Se analizan obras de diversos autores en las que se manifiesta el paso de la objetualidad a la espacialidad escultorica. Se indaga la condicion iterativa del proceso y los instrumentos proyectuales que establecen el vinculo entre la imaginacion y la representacion fisica de lo imaginado. Se reflexiona sobre el proceso compositivo del espacio escultorico y su efecto en la induccion de una experiencia poetica. Finalmente, en el anexo se presenta una mirada diferente, a modo de ficciones espaciales, a partir de un conjunto de croquis inspirados en las esculturas, dibujados por Mario Ubilla Sanz.

IT S COMING! 1983-2013. Mujeres artistas y docentes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca as una iniciativa del Instituto Universitario de Investigación en Arte y Tecnología de la Animacion (ATA) de la Universidad de Salamanca. Se trata de una exposicion colectiva que recoge la obra de 10 mujeres artistas que tuvieron o tienen como centro de trabajo la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Estas mujeres personifican el encuentro entre el mundo artistico por un lado y el mundo academico por el otro. El mundo academico y el mundo artistico se desarrollan en esferas bien distintas pero que tienen dos rasgos muy importantes en comun. El primero es que pertenecer a ellas implica una vocacion casi sin limites. Y el segundo es que tradicionalmente las dos han estado dominadas por hombres.De hecho, la exposicion IT S COMING! brota en el seno de dos esfuerzos meditados de dar mas visibilidad a la presencia de las mujeres en el mundo academico y en el mundo artistico. Por el lado academico se trata de un estudio del acceso, evolucion y aportaciones de las mujeres en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Es parte de una investigacion amplia sobre las mujeres en las universidades de Castilla y Leon en particular y de España en general, comparandolas con otras universidades europeasPor el lado artistico, la exposicion esta incluida en el festival nacional Miradas de Mujeres. El festival es una iniciativa de MAV (Mujeres en las Artes Visuales), una asociacion interprofesional y de ambito estatal en el sector de las artes plasticas en España que trabaja para promover los objetivos de igualdad real y efectiva de mujeres y hombres en todos los ambitos, tanto publicos como privados, relacionados con las artes visuales. El festival Miradas de Mujeres aporta visibilidad y reconocimiento para el trabajo de las mujeres artistas, y trabaja por la igualdad y los derechos de las mujeres.

Gliptodonte ha tenido como finalidad profundizar en el proceso creativo de la imagen y hemos partido de relacionar tres aspectos que intervienen en la creación artística.En primer lugar, se ha planteado trabajar con un metodo de estimulacion del pensamiento creador, el metodo Roukes, basado en los principios de la sinectica aplicada a la creacion artistica.En segundo lugar, se ha propuesto la realizacion de una serie de imagenes a un nutrido grupo de artistas que se han comprometido con los objetivos de esta investigacion.Y por ultimo, este proyecto ha implicado aplicar el proceso de la serigrafia digital para la ejecucion de las imagenes finales.La integracion de cada una de estas variables ha aportado al proyecto una singularidad, una variedad y unas consecuencias visuales y conceptuales que no eran previsibles en sus inicios.El metodo Roukes ha proporcionado las pautas iniciales de creacion para que partiendo de la escena inicial de un gliptodonte, comun para todos los artistas, se fueran generando unos resultados de naturaleza conceptual y grafica muy diferenciada y singular. La condicion de proporcionar a cada artista tres acciones verbales que debia proyectar sobre esa escena fotografica en blanco y negro, ha conseguido producir unos resultados que son reflejo de la estimulacion creativa llevada a cabo por cada artista y evidencian la efectividad del metodo propuesto.El segundo aspecto clave de esta investigacion ha sido el poder contar con un amplio grupo de artistas de varias nacionalidades y que trabajan en diversos contextos artisticos y educativos. Este grupo de investigacion en serigrafia artistica digital nos ofrece una variedad de miradas y propuestas innovadoras, generadas por inquietudes y personalidades muy distintas, que ha sido determinante en la aportacion de la riqueza e interes de los resultados que se presentan en esta publicacion.El empleo de la tecnica de la serigrafia digital como medio para dar forma final a todas las ideas planteadas, ha sido el tercer factor de referencia para este proyecto. Este campo tecnico de representacion se enmarca dentro de los procesos de edicion de obra multiple, lo que ha permitido una mayor flexibilidad de ensayos con la imagen hasta su fase final, destacando sobre todo las relaciones cromaticas y unas peculiares caracteristicas de ejecucion a traves del manejo de los lenguajes digitales a partir de imagen fotografica. Programas como photoshop, fireworks o inkscape han sido herramientas esenciales o de partida para las intervenciones que los distintos artistas han realizado sobre la escena de origen, asi como su adaptacion al lenguaje especifico de la serigrafia digital.La produccion de las obras ha sido financiada por el Instituto de Investigacion en Arte y Tecnologia de la Animacion de la Universidad de Salamanca y agradecemos a todas las Instituciones aqui representadas su colaboracion en la difusion editorial y expositiva de este proyecto.Podemos concluir que presentamos aqui unas experiencias de gran interes para el campo de la creacion artistica y esperamos poder seguir ofreciendo a la sociedad nuevas propuestas que enriquezcan la actitud reflexiva en el arte y estimulen el pensamiento creador.Jose FuentesInvestigador responsable del proyecto