eBooks de Historia general del arte, página 2 de 41

Los estudios sobre la producción artística americana en épocas virreinales han girado desde sus inicios en torno al problema del estilo, del significado o de las atribuciones, entre otros. En los últimos años, de la mano de una mirada mas atenta a cuestiones sociales y culturales, y al cruce interdisciplinar, la pregunta por la materialidad de estos objetos se presenta como insoslayable. En este sentido, Materia Americana es un libro que, por primera vez, reune las investigaciones de destacados historiadores del arte, quimicos, fisicos, conservadores y museologos interesados en el arte hispanoamericano, y pretende convertirse en un libro de referencia para futuros trabajos sobre el tema.

?Leer a mano trata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. Tambien es un elogio de la lentitud, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia; producir es replicar los resultados aparentes de la creacion en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario; un gesto de resistencia ante la mercantilizacion que impregna en nuestros dias cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.

El Departamento del Distrito Federal se ha querido unir a los festejos que, durante el transcurso del presente año, diversas instituciones oficiales han organizado para conmemorar el centenario de MANUEL TOUSSAINT. Organismos como el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Universidad Nacional Autonoma de Mexico y, particularmente, el Instituto de Investigaciones Esteticas -dependencia universitaria que le debe nada menos que su fundacion y la orientacion de sus primeros veinte años de estudios- han participado conjuntamente en los trabajos: reediciones, encuentros con especialistas, placas y timbres conmemorativos, conferencias, una magna exposicion en el Museo Nacional de Arte, etc.Es asi que la Secretaria General de Desarrollo Social del Departamento del Distrito Federal se une con la reedicion de Los planos de la Ciudad de Mexico, libro que desde hace muchos años se encuentra agotado y cuya animacion estuvo a cargo del que fuera pionero y fundador de los estudios sistematicos del arte en Mexico y gran amante de esta ciudad que lo vio nacer: don Manuel Toussaint. Con ello, el Departamento Central se une al homenaje y, al Poner este libro nuevamente al alcance del publico, cumple con la vocacion de servicio para la que fue creado.Octubre de 1990.

La efigie de una joven indígena –que aparece tanto en monedas como en grabados, pinturas y otras producciones visuales desde el siglo XV hasta nuestros días– condensa dos sentidos políticos y cultura

En Un neurocientífico en el Museo del Prado, Fernando Giráldez, catedrático emérito y experto en neurociencias, nos redescubre el arte clásico a través de la neurociencia y nos revela cómo los grandes maestros de la pintura desentrañaron, sin saberlo, los misterios del cerebro humano.Por algun motivo u otro, todos nos hemos quedado embelesados delante de una obra de arte. Pero ¿que es lo que provoca tal atraccion? ¿Donde esta el secreto que cautiva nuestros sentidos? Fernando Giraldez, neurocientifico, nos guia a traves de las grandes obras del Museo del Prado y nos revela como los maestros de la pintura han explorado el cerebro para llegar al fondo de la mente humana.Giraldez nos sumerge en la magia con la que estos artistas descubrieron la manera de lograr dos imposibles: representar el espacio y la vitalidad sobre un lienzo que es plano y estatico. La vision es algo tan natural a nosotros que nos hace creer que el mundo es tal cual lo que vemos, pero realmente esta llena de mecanismos profundamente contraintuitivos. Y es que tecnicas pictoricas como el sfumato, la pintura de manchas o la perspectiva aerea no hacen otra cosa que hurgar eficazmente en los complejos mecanismos de la percepcion visual para encontrar la manera de engañar al cerebro para persuadirlo de ver realidades inexistentes. Asi, en esta obra descubriremos como artistas tan diversos como el Bosco, Leonardo, Tiziano, Velazquez o Sorolla desarrollaron una magistral ingenieria inversa de la percepcion visual para provocar ilusiones de realidad.Un neurocientifico en el Museodel Prado nos propone un dialogo fructifero entre arte y ciencia para responder a la pregunta de como el arte seduce a la mente humana. Y, con ello, ofrece tambien una reflexion acerca de nuestra relacion con el mundo y como lo experimentamos. En este fascinante recorrido, los aficionados y curiosos del arte podran disfrutar de una nueva perspectiva de la pintura clasica y profundizar en los mecanismos de la creacion artistica.

Durante los noventa, el arte exhibido en México integró obras que fueron definidas como "conceptuales" o experimentales, pero que, para Rubén Gallo, están particularmente marcadas por la irreverencia y el humor. Una vision personal sobre esa generacion creativa y fecunda llevo al autor, critico y participante de ese auge, a ensayar en este libro sobre temas y obras de su interes: el orientalismo de los jovenes artistas mexicanos, el voyerismo fotografico de la serie Ricas y famosas, la radiodifusion pirata y el programa Sin Cabeza, las representaciones de la ciudad de Francis Als, Minerva Cuevas, Santiago Sierra, Teresa Margolles y Jonathan Hernandez, asi como la creacion de museos propios, dentro de la comodidad del hogar. Publicado originalmente como New Tendencies in Mexican Art: the 1990s, el texto de Ruben Gallo esta dedicado a los criticos del futuro, unos que "sabran hacer de la critica un terreno plural, polifonico y abierto".

Síntesis lúcida de las principales ideas que han determinado la visión y el estudio del arte, este breve ensayo es una reflexión sobre el fenómeno artístico -desde el paleolítico hasta las instalaciones contemporaneas- y sobre los intentos de historiarlo y estudiarlo cientificamente, que encuentra con puntualidad los nudos de esa trama de ideas en el pensamiento de Platon, en la transformacion de la vision del artista en el siglo XVII y en la obra de Hegel, que, como reconocen otros historiadores del arte, resulta fundamental para comprender el nacimiento de la historia del arte en el siglo XIX.

El arte contemporáneo exhibe una cara esperpéntica de la nación colombiana y desacraliza sus símbolos mediante el uso de distintos recursos, como la desheroización de las figuras patrias, el cuestionamiento a unos discursos historicos que los artistas conciben como desfasados y excluyentes, y la superposicion de la actualidad sobre el pasado. Al abordar la critica y la denuncia de valores e ideas que propone el arte desde la instauracion de la republica hasta principios del sigl o xx , y acudiendo a obras que tratan asuntos sociales, politicos, economicos y religiosos, Desacralizacion de la nacion en el arte colombiano (1930-2015) indaga por temas claves de nuestra cultura, para lo cual despliega una lectura transdisciplinar que pretende aportar a los estudios sobre arte contemporaneo en el pais, a la disciplina historica y a la historia del arte.

¿Hay que obligar a los museos a devolver sus mármoles? ¿Es posible "descolonizar" nuestras galerías? ¿Debe caer Rodas?Desde el arte robado de Wakanda en Black Panther, pasando por el reciente compromiso de Emmanuel Macron con la restitucion de obras de arte, hasta el provocador video musical de Beyonce y Jay Z filmado en el Louvre, la cuestion de descolonizar nuestra relacion con el arte que nos rodea esta ganando terreno rapidamente. La gente se esta dando cuenta de la sordida historia de las colecciones de arte de todo el mundo y esta empezando a plantearse preguntas dificiles sobre como deberia ser el futuro de los museos.En El cuadro completo, Alice Procter, historiadora del arte y guia del Uncomfortable Art Tour, ofrece un manual para deconstruir todo lo que creiamos saber sobre el arte y rellena los huecos con las historias que han quedado fuera del canon de la historia del arte durante siglos.El libro se divide en cuatro secciones cronologicas, bautizadas con los nombres de cuatro tipos diferentes de espacios artisticos: el Palacio, el aula, el memorial y el patio de recreo.Cada seccion aborda las fascinantes y a menudo chocantes historias de cinco obras de arte diferentes, entre ellas el cuadro propagandistico que la Compañia de las Indias Orientales utilizo para justificar su control en la India; los craneos maories mokomokai que fueron objeto de comercio y coleccionados por los europeos como "objetos de arte"; y la controvertida escultura contemporanea de Kara Walker Una sutileza, que planteo cuestiones sobre las interacciones "apropiadas" con el arte. A traves de estas historias, Alice saca a la luz la narrativa colonial subyacente que acecha bajo la industria del arte actual y sugiere diferentes formas de ver y pensar el arte en el mundo moderno.El cuadro completo es una provocacion muy necesaria para analizar de forma mas critica las narrativas aceptadas sobre el arte, y repensar y alterar la forma en que interactuamos con los museos y galerias que lo exhiben."Indagador, sin jerga y escrito con el ritmo de una novela policiaca... [Procter] disecciona la cultura museistica occidental con tal furia forense que al lector le resultara dificil volver a ver esas instituciones de la misma manera." Financial TimesUna obra inteligente, accesible y brillantemente estructurada que anima a los lectores a ir mas alla de la gran arquitectura de las instituciones culturales y ver las problematicas historias coloniales que hay detras de ellas. - Sumaya Kassim

Obra que aúna arte y memoria personal de una manera exquisita.En Trueno, Laura Cumming revela su pasión por el arte del Siglo de Oro holandés y su determinación por reivindicar a Fabritius. Nos descubre los Paises Bajos, donde se encuentra con la rica realidad que se esconde tras la resplandeciente belleza de Vermeer y Rembrandt, Hals y de Hooch. Tambien comparte su relacion con su padre, el artista escoces James Cumming, que tenia su propia y profunda conexion con la pintura holandesa, y que le enseño el color, la luz y la recompensa de mirar profundamente.Este es un libro sobre lo que un cuadro puede llegar a significar: como puede entrar en tu vida y cambiar tu forma de pensar con la inmediatez de un trueno. Tambien es un libro sobre la precariedad de la vida humana, sobre como puede arrebatarsenos en un instante. ¿Que puede hacer el arte para sostenernos? Las obras que sobreviven cuentan su propia historia en estas paginas.

"Geometrías del coleccionismo. Una suma de diferentes voces" es el título del segundo cuaderno de arte de la colección Compás de espera, que pretende generar reflexión y debate en torno a temas de fondo relativos al arte y la cultura. El cuaderno es una publicacion periodica o monografico, esta pensado para coleccionar, tiene un caracter propositivo y va acompañado de obra original reproducida de artistas. Este segundo numero hace un balance de la historia del coleccionismo de arte contemporaneo en España desde 1950 hasta la actualidad, a la vez que reflexiona acerca de su futuro. La particularidad del texto es que da voz al gran abanico de profesionales, involucrados en el arte de coleccionar, mediante la incorporacion de breves entrevistas.

Prácticas de resistencia en el arte del siglo XXI.Un artista es incapaz de producir nada si no hay un viento que hinche sus velas. Y ese viento tiene que ser precisamente el que sopla en ese momento, no el viento del futuro. ¿Una frase de Bertolt Brecht en el comienzo de un recorrido por el presente mas candente del arte? Es que no puede ecualizar mejor esa idea lo que Elena Oliveras propone en su nuevo libro, trabajo que no en vano dedica "a todos los artistas que luchan por hacer del mundo un lugar mas justo". La autora de La metafora en el arte profundiza sus busquedas, enfocando la problematica estetica desde una perspectiva mas especifica y urgente: la que considera la posibilidad de construir un mundo mejor, sanando las heridas que surgen de una precaria valoracion de la vida con la creacion de conciencia a traves de la accion artistica. En Distopias y microutopias Oliveras repasa una agenda al rojo vivo, sacando de la matrioshka del arte politico aquellas cuestiones que hoy son centrales: el consumo desenfrenado, el negacionismo climatico, una violencia de rasgos holisticos, la sociedad de las pantallas y el insolito reto que nos propone la sencilla idea de vivir juntos. Como bien nos dice la autora: "Las practicas artisticas de resistencia, al mostrar zonas criticas del mundo de hoy, que nos duelen, no quedan en el mero registro sino que tambien se dirigen al futuro, dada la tendencia natural del ser humano a la felicidad. Estimulan esa directriz que cada individuo guarda en su interior y la convierten en aspiracion trascendente que vale la pena practicar".

Me llamo Jorge Oramas y me conocen como el pintor de la luz. Mi vida estuvo marcada por la huella de la enfermedad y la pobreza. Sin embargo, pese a todas las oscuridades de mi vida, mi obra destila luminosidad y alegria. En este libro, te invito a conocer mi historia: una historia marcada por adversidades, pero tambien por la belleza.Pinte todo lo que pude y retrate con colores intensos la isla donde naci, Gran Canaria. Teñi mi vida de gris de tonos vivos, y por ello me converti en uno de los artistas mas importantes de la pintura canaria del siglo XX.

«Con los años he llegado a descubrir que las fuentes son lugares mágicos y liminales a los que hay que acudir sin prisa, como quien va a visitar a un amigo […] Las fuentes cantan y nos hablan directa

Conocer el tiempo es esencial para la coordinacion de los diferentes actores de la sociedad del siglo XXI. Cada uno de nosotros va literalmente atado a un reloj por la muneca y mirar la hora es un gesto interiorizado e inconsciente. El origen de esta necesidad se remonta a la aparicion de los primeros relojes publicos en el siglo XIV, que eran objetos de prestigio y las ciudades competian entre si por tener el mas grande y vistoso. Como accesorio urbano, quedo ligado a la imagen de ciudad y del buen gobierno. Cargado de un complejo valor simbolico, el reloj se utilizo en metaforas de conceptos tan dispares como la vanitas, la mecanica del universo o la creacion divina. En esta obra se desgrana la historia de los relojes castellanos mas destacados desde la segunda mitad del siglo XIV en adelante, estudiando su construccion y los retos tecnicos a los que se enfrentaban los relojeros. Tambien se explica como cambio la forma de medir el tiempo a raiz de su la introduccion asi como su impacto cultural en la sociedad castellana.

Este libro pretende acompañar al lector por un camino hacia el descubrimientodel Monasterio de El Escorial de otra manera, para comprenderlo, disfrutarloy darle otro sentido, contestando a preguntas como: ¿que habia en su interiorinicialmente?, ¿que significado tenia?, ¿cuales eran los autenticos motivos desu existencia?, ¿y su verdadero valor simbolico?, ¿que significa para nosotros?El Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es el lugar mas representativodel Siglo de Oro español y, con este libro, queremos que lo disfruteis porquepara descubrir la riqueza de una obra hay que saber contemplarla.R. Guardini.

UNA MIRADA ALTERNATIVA DEL ARTE Y LA DISIDENCIA SEXUAL EN COLOMBIAEl presente libro es resultado de un trabajo de investigación que fue presentado como tesis doctoral sobresaliente para el Doctorado en Historia del Arte y Musicologia de la Universidad de Salamanca. La investigacion contribuye a la construccion y recuperacion de otra historia posible del arte sexualmente disidente en Colombia a traves de obras, artistas y proyectos esteticos militantes y activistas, que son poco nombrados o reconocidos en un medio con figuras consagradas historicamente por la critica; situando asi el activismo LGBTIQ+ en un contexto geografico especifico que establece potenciales uniones entre la historia oficial y una historia emergente con nuevos personajes y perspectivas. Este texto postula, como hilo principal de analisis o interpretacion, que la produccion artistica con tematica de disidencia sexual ha constituido en la historia del arte en Colombia, de un lado, un espacio de resguardo para las libertades individuales y, del otro, un aporte para la construccion de sociedad y derrocamiento de paradigmas sexuales.

Un paseo meteorológico a través de las pinturas de los cielos más representativas.¿Por qué las nubes más abundantes en los cuadros son las típicas de algodón? ¿Han tenido alguna influencia las erupciones volcanicas en las pinturas de Turner, Van Gogh o Munch? ¿Que secretos encierran los llamativos cielos velazqueños? ¿Como han pintado el viento los grandes maestros a lo largo de la historia? ¿Son las pinturas una fuente de informacion climatica? La respuesta a estas y otras muchas cuestiones las encontrara en Los cielos retratados, un original y sugerente recorrido por la pintura universal, con la meteorologia como hilo conductor.

El primer libro de los populares divulgadores de Arte compacto, un pódcast sobre arte con una perspectiva distinta, abordará10 historias de amor, pasión y deseo que dan significado a grandes obras de arte.La pasion, el amor y el desamor son algunas de las principales emociones que conforman las obras de arte. En este libro nos hemos propuesto compartir a modo de diario escrito a dos voces nuestros pequeños descubrimientos y reflexiones sobre un aspecto de la historia del arte que nos atrae irremediablemente: las intimidades -sentimentales, sexuales, amistosas- desde las que se gestaron algunas de las mas significativas obras de arte. Nos preguntamos por la creatividad que broto cuando las flechas -no siempre bienintencionadas, todo hay que decirlo- de Cupido se clavaron en Edward Hopper y Josephine Nivison, Peter Hujar y David Wojnarowicz, Dora Maar y Picasso, Francis Bacon y sus amantes, Robert Mapplethorpe y Patti Smith y otros poligonos amorosos que dieron lugar a maravillosas pinturas, esculturas y fotografias que aun hoy son el reflejo de las historias que las vieron nacer.Juanra Sanz y Bernardo Pajares, pareja, trabajadores del Museo del Prado y divulgadores en el popular podcast Arte compacto, relatan con detalle y maestria algunas de las historias de amor, pasion y creatividad que han marcado -para bien o para mal- la historia del arte.

Las memorias de una mujer independiente y su papel en el mundo del arte catalán y español.Victoria Combalía narra en esta sugerente crónica personal sus años de formación y los primeros pasos como alumna y joven profesora de historia del arte. Nacida en el seno de una familia de la burguesia liberal catalana, la que con el tiempo se convertira en respetada historiadora y critica de arte, y comisaria de numerosas exposiciones, es en los años setenta una joven que lucha por emanciparse de las imposiciones morales de su medio social y dispuesta a vivir a fondo los profundos cambios de todo tipo que el pais encaraba en esos momentos. Sus estancias en Paris y en Nueva York le permiten conocer de primera mano las grandes transformaciones del arte contemporaneo y entrar en contacto con algunos de sus principales protagonistas, que en estas paginas aparecen magistralmente perfilados.