eBooks de Poesía, página 8 de 606

El leitmotiv de Sal Negra, es una reflexión nostálgica sobre la infancia, la comunidad y las experiencias que dan forma a la identidad. El poema captura momentos de la crianza del hablante, destacando la riqueza de la vida cotidiana, los personajes dentro de la comunidad y la interaccion entre la naturaleza y la actividad humana. El tema gira en torno a los recuerdos personales, los elementos culturales y la importancia de las experiencias compartidas en la formacion de la comprension del mundo.La eleccion de palabras en el texto es evocadora y vivida, empleando un lenguaje sensorial que da vida a las imagenes, sonidos y sabores de la infancia del hablante. Frases como "monstruo de mil cabezas" y "cuerpos de los granos descuartizados" crean fuertes imagenes visuales, enfatizando la naturaleza caotica pero colorida de la memoria.El uso de imagenes visuales impactantes, como "carbon" que "enluta los rostros de los niños", crea una poderosa conexion entre las realidades fisicas y emocionales de los personajes.Se le da vida a la naturaleza, como se ve en "La ribera del rio le entendia", que enfatiza el vinculo entre los humanos y su entorno.La referencia de "Sal Negra" sirve como un estribillo que une las estrofas, lo que sugiere una continuidad tematica y una sensacion de arraigo en los recuerdos del hablante.El ritmo del poema se puede analizar a traves de sus patrones silabicos y acentos, que varian a lo largo del poema. El uso del encabalgamiento permite fluidez, pasando de una linea a la siguiente sin pausa, reflejando el flujo de los recuerdos. El texto esta estructurado en varias estrofas, cada una centrada en diferentes personajes o temas de la infancia del hablante. Los saltos de linea a menudo ocurren de manera que enfatizan ideas o imagenes clave, lo que permite momentos de pausa y reflexion. El texto sirve para celebrar la riqueza de la memoria y las conexiones entre los individuos, la naturaleza y la cultura, demostrando como estos elementos dan forma a la propia identidad y sentido de pertenencia.La idea central del poema gira en torno al viaje de autodescubrimiento y el anhelo por el hogar, como lo representa la mitica isla de Itaca. El hablante, que se identifica con Odiseo (Ulises), reflexiona sobre las pruebas de la vida, la inevitabilidad de la muerte y la busqueda de significado en un mundo marcado por la perdida y el dolor. El tema profundiza en temas de nostalgia, el peso de la historia y la interaccion entre la memoria y la identidad, mientras el hablante relata experiencias de guerra, amor y la busqueda de la redencion.Hacia el final del texto, el autor se inspira en gran medida en la mitologia clasica, en particular en la historia de Odiseo de la "Odisea" de Homero. El narrador va reflexionando sobre su arduo viaje de regreso a su Itaca tras la Guerra de Troya. El contexto cultural se arraiga en la literatura griega antigua, pero se reinterpreta desde una perspectiva contemporanea, explorando temas universales como la perdida, la identidad y la condicion humana. El "que" del poema es la exploracion de historias personales y colectivas; el "quien" es el narrador como encarnacion moderna de Odiseo; el "donde" es el paisaje mitico de Itaca y los reinos del mas alla; y el "por que" surge del deseo de reconciliar las experiencias pasadas con las realidades presentes, iluminando la busqueda atemporal de pertenencia y comprension.

En esta ocasión, el poeta Alfredo Gaete Briseño nos invita a recorrer los versos con que construye sus poemas a través de las formas que justifican su entramado. Desde sus inicios en este género, el autor desarrolla una manera de hacer poesia cuya evolucion lo ha llevado a trabajar la forma, incluso por sobre el contenido, considerando que en la vida es esta la que da sentido al comportamiento de los seres humanos. Asi, con fluidez y musicalidad, el lector podra apreciar una realidad artistica a partir de una creatividad que surge desde sus inquietudes mas profundas.

«¡Atrévete a volar conmigo! La poesía es la alquimia perfecta entre las voces inmortales del alma y lo más profundo de tu sensibilidad».«Pasan los años, los siglos, ¡y la poesía sigue allí, incólume!

He aquí la imperfecta, irritante, corrosiva, anticipadora obra poética de Nicanor Parra, que en los últimos años ha marcado rumbos novísimos en la poesía de Hispano-américa, abriendo el verso lírico del idioma a las realidades mas exteriores y apoeticas de nuestra circunstancia humana. A su libertad creadora debe no poco este fervoroso sentimiento que impregna hoy nuestro lenguaje: la conciencia de que¡una vez mas!, todo puede decirse en poesia. Este habitante del valle central de Chile, tan hondamente provinciano de su Chillan nativo como paradojicamente universal, ha asumido de veinte años a esta parte la vocacion de fundir en los antipoemas, bajo intensas presiones de angustia y humor negro, una suma indefinida de experiencias y formas que el hombre contemporaneo siente liberadoras de sus demonios internos, reveladoras de su mas secreto y culpable rostro... En el contexto de la poesia actual, la sensibilidad antipoetica acusa el impacto del surrealismo frances, tambien aclimatado por las esencias criollas, por el humor ladino y el habla espontanea del chileno. Y la austeridad esencial de los poetas metafisicos ingleses, disuelta en la llaneza prosaica de Walt Whitman y en la desenvoltura critica de cierto Eliot, del maestro Pound. Y el humor negro elevado a potencia poetica, a la manera de un Michaux. Y el mundo conmovedor y nebuloso de Kafka, con los ingredientes del existencialismo posterior en estado natural. Y la evidencia del arte pop, con su insultante obviedad. Por no mencionar, de la mano con la tecnica pop, los estilizados mecanismos de la narracion, de la cronica periodistica, del psicoanalisis, del panfleto Y todo un mundo de urgencias extraliterarias que, por esta generosa via, ha vitalizado los resortes mas sensibles de la palabra poetica.

El libro que consagró a Sara Búho como una de las poetas más reconocidas de su generación en una nueva edición ampliada y supervisada por la autora.Y yo a ti es un salto al vacío que habla de la madurez de una voz joven que se cuestiona cada paso. Construidos como un itinerario que comienza con una huida y termina en una reivindicacion del silencio como una explosion intima y necesaria, los versos de Sara Buho atraviesan las diversas emociones e incertidumbres por las que transita alguien que crea desde su experiencia interior: el bienestar, el miedo al futuro, lo incomprensible del amor, la autosuficiencia o la posibilidad de acariciar los sueños con las manos. Es un libro de poemas en los que la voz joven olvida el pasado y lo deja atras para tomar decisiones.

Es posible considerar a Hernán Lavín Cerda como un poeta de los límites. Empleo el concepto "límite" como lo definió el filósofo Eugenio Trías: una zona de contacto y no de separación, ese punto en el que los conjuntos se tocan, se retroalimentan y se mestizan sin fagocitarse, sin anularse. El origen de esta postura estetica se encuentra en los años sesenta del siglo XX, en los movimientos utopicos que buscaban, en lineas generales, libertad e igualdad. Lavin Cerda empezo a publicar sus poemarios en esa decada y asumio valores a lo cronopio, como principios de procedimiento antes que como temas. Y el mejor modo que el poeta encontro para trasladar libertad e igualdad al plano literario fue ubicar el verbo poetico en el limite

Jorge Teillier es uno uno de los grandes poetas chilenos del siglo XX. Su obra evoca un mundo nostálgico y encantado, lleno de naturaleza, recuerdos de infancia y melancolía. Con un estilo único que mezcla realismo y fantasia, Teillier crea versos que transportan al lector a un "pais de nunca jamas" con poesia lirica e historias con toques surrealistas.

Desde la noria cotidiana rotando entre el gozo y la melancolía, la nostalgia y la esperanza; desde el tedio hasta el asombro donde irrumpe la otredad de lo mismo, transcurren los hallazgos de estos Polvos del Sahara, donde la autora logro salvar de su infancia un susto agradecido ante lo que para muchos resulta lo mas obvio: el simple acto de existir.

Nuestra única pretensión es sacar a la luz, en este siglo XXI, antesala de ese XXII que Regino E. Boti trató de imaginar, una zona de la lírica del poeta mucho menos conocida, sin pretender inducir comparaciones, ya se han ocupado los criticos, ya lo hace nuestro prologuista, sino porque considero que pese a los casi cien años transcurridos desde su concepcion, es esta una poesia para el presente, investida de una actualidad que, estoy seguro, nadie, empezando por el propio autor, estuvo cerca de imaginar entonces.

Vicente Huidobro es el puente entre lo terrenal y lo celeste. Su poesía es hambre de infinito, lucha contra los dioses —dolor por su abandono—, orfandad cósmica y deseo de reconquistar el paraíso, la

Entre cincuenta y cinco y ciento diez litros de lágrimas produce el cuerpo humano al año. Lágrimas que son goteras, que caen insolentes por grietas del techo, que humedecen la pared, el piso, la piel.Gotas convertidas en cajas, mudanzas que mojan y estrujan el pecho para despues ser alivio.Agua salada abriendose paso, cayendo sobre heridas viejas: la muerte de la abuela, amores no correspondidos, roces de fantasmas.Agua dulce regando la tierra, filtrando luz. Liberando al amor sin tapujos. Rompiendo estigmas.He aqui el diluvio de Franco: empapa, arde como alcohol y sana en caricias. Juliana Del Popolo

En un mundo donde lo inmediato nos abrasa y las pantallas nos consumen, quiero proponer una pausa. Contar hasta tres, respirar hondo. A través de la poesía y la reflexión, este libro es un latido en medio del ruido digital. Una resistencia poetica, una coleccion de textos que nos invitan a alejarnos del fuego que nos devora dia a dia. Un intento de darle refugio a estos versos antes de que el mundo los consuma por completo.

En Mis Poemas del Ángel, el autor convierte el amor y la pérdida en una danza de palabras que atraviesan el deseo, la memoria y la eternidad. A través de versos intensos, sensuales y melancólicos, se entrelazan el amor carnal y el amor trascendental, el extasis y el dolor. La figura de la amada se eleva a una dimension celestial, donde su presencia sigue habitando en cada latido, en cada palabra, en cada suspiro. Un poemario que abraza la belleza del amor mas alla de la vida, invitando al lector a sumergirse en la profundidad de los sentimientos y la inmortalidad del alma enamorada.

Una reflexión sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por él.Cuatro personajes protagonizan los versos de estos poemas: la mujer que los canta, un Toro, un coro de ancestras y una flor cuyo nombre es Amarilis. Poco o nada sabemos de esa mujer, aunque su voz a ratos primaveral y desbocada, a ratos una voz pidiendo auxilio no cese de cantar. Y es que su canto es el canto de una necesidad: la de quien ha sentido, galopando por las estepas de su cuerpo con las fuerzas desmedidas del anhelo y la pasion, el dominio salvaje del Toro, y ahora, sometida y condenada, en medio de los estragos del amor, no puede sino contarlo, explicarse, medirse a si misma de nuevo. Obsesionada con los mitos griegos, para ello recurre a Amarilis.¿Pero quien es Amarilis? ¿Una flor, una deidad campestre, la amada de Titiro en las Bucolicas de Virgilio? ¿Y por que, ante el ruego confesional de esa mujer, se conmina al silencio? Y el Toro, ¿es toro o encarnacion de Dionisio? ¿Las ancestras son abuelas, madres, poetas? ¿Que saben ellas que no sabe la mujer? Asi, ese juego sutil de preguntas cruza constantemente los limites de lo humano, lo animal y lo vegetal, en una metamorfosis en la que todo esta deformandose y transformandose de nuevo.Con una lirica exuberante, que mezcla con absoluta maestria riesgo y elegancia, furia y sensibilidad, Amarilis es una reflexion sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por el. Conjugando elegia, teatralidad y mitologia, los poemas de Natalia Litvinova son una puerta abierta hacia lo innombrable, hacia el momento exacto en que, como en un relato clasico, un final inaugura un nuevo principio.

Una visita guiada por la belleza de las palabras: magnéticas, vagabundas, reveladoras.A fines del XIX, Estados Unidos enfrentó una grave crisis. Fue un periodo de escasez que, sumado a la Gran Depresion de los años 30, dejo a miles de personas en la indigencia. Para intentar sobrevivir, muchos comenzaron a viajar por el pais en busca de oportunidades. Asi nacieron los hobos: trabajadores itinerantes que recorrian el territorio colandose en vagones de trenes de carga, siempre esquivando a la autoridad y apoyandose mutuamente. Para ello crearon el Codigo Hobo, un lenguaje secreto de simbolos que dibujaban en postes o vallas y que alertaban sobre peligros, señalaban lugares seguros y tambien indicaban donde les ofrecian comida o trabajo.La labor del verdadero poeta es avisarnos de lo que se esconde bajo la sintaxis. Codigo Hobo transita la belleza de la metapoesia, juego lucido con el lenguaje que pasa desapercibido. El mantra hipnotico del verso recorre las estaciones y los paisajes de nuestra vida, que abrigan una clave para interpretarlos. Al final Luis Colder, sin darnos cuenta, nos muestra el argumento de nuestra propia errancia.

Estos poemas recorren los días del presente incierto, se acogen a la memoria con gratitud o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana.Con su séptimo libro de poemas, Juan Bonilla entrega una obra de plena madurez donde se alternan los tonos elegiacos y una suerte de vitalismo desengañado que no renuncia a celebrar el esplendor del mundo, sin dejar de ver ni de señalar sus miserias. Desde el inicio, Los dias heteronomos parte de la limitacion provocada por la enfermedad para constatar su paradojica ampliacion de campo, el acceso a una "luz distinta" que es descrita con la rica e imprevisible imagineria del autor, siempre alejada de los modos consabidos. Estructurados en cuatro secciones de nueve composiciones cada una, a las que se suman un prologo y un epilogo en verso, los poemas recogidos en el libro recorren esos dias en los que, en efecto, como sugiere el titulo, "no somos ley de nuestro propio estar", pero tambien se acogen a la memoria, con gratitud no exenta de aristas, o proyectan una mirada critica sobre la realidad cotidiana, de algun modo redimida por el don "esa es su magia: / la poesia es fiebre y se contagia" que la convierte en acuñacion memorable: "Por encima del arte / que a Adonis hace fiero y bello a Marte, / cantico de la vida, / no le pidas que te cierre una herida, / mas bien que te las abra / con eficaz palabra / helada en luz tan pura / que sea un simulacro de sutura". En el proceso de edicion, el autor ha añadido al original premiado por el Hermanos Machado, cinco poemas ya conocidos que encuentran su lugar natural en un libro que tiene mucho de balance o recuento, hecho de fragmentos o cristales rotos con los que fabrica un espejo donde se refleja un hombre dañado pero sereno y como de costumbre incisivo, batallador, dispuesto a seguir entonando "este himno de estar vivos".

«Contamanina morena, tu candor es de azucena, dame tu incienso bendito y yo te daré mi poema». (Contamanina Morena)En los continuos viajes del poeta al Parnaso, las musas que allí moran, le contaron

Este libro, como cadena sin fin del paso del tiempo, une cariñosamente eslabón por eslabón… año a año de mi vida. Atrae, como por fuerza de gravedad, todos los recuerdos, sentimientos y vivencias que

MUM: Mi único mundo es una invitación a explorar las emociones que nos transforman. A través de esta antología, el lector descubrirá un mundo tejido con palabras, donde el amor, la pérdida, la memoria y la esperanza se entrelazan en cada verso. Con mas de 500 poemas, cuentos, pensamientos y canciones, esta obra es una muestra de su incansable busqueda de conceptos, vertidos en palabras, sobre la belleza de lo cotidiano y la profundidad de la percepcion humana. Su proposito es claro: compartir con quienes buscan en la escritura un refugio y una revelacion.Este no es solo un libro: es un viaje hacia la esencia de las emociones, una prueba de que las letras pueden sanar, recordar y, sobre todo, perdurar.

Notas de un presente es un poemario que nace de lo cotidiano y de lo profundo, de esos pensamientos que aparecen cuando todo calla. En sus páginas habitan fragmentos de amor, duelo, memoria, deseo y transformacion. Escrito con una voz sincera y sin artificios, este libro es una invitacion a detenerse, a mirar hacia adentro, a reconocerse en las emociones que todos, alguna vez, sentimos pero no supimos decir.Matias Quisbert comparte en estas notas lo que fue suyo, para que ahora tambien sea nuestro.