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Peter Jackson. Celestiales y monstruosases la historia de un viaje inesperado. Un recorrido por la filmografía del director neozelandés que inició su carrera en el amateurismo absoluto con Mal gusto y ha acabado en lo mas alto del sistema de produccion hollywoodiense, hecho que le ha costado la perdida del apoyo de muchos fans por considerar que se ha vendido a la industria, pero ¿Quien es Peter Jackson y cual era sus sueño como cineasta? Lo descubrireis en este volumen que analiza toda la filmografia de Jackson, desde sus inicios con las comedias gore Mal gusto, El delirante mundo de los Feebles y Braindead, pasando por el drama Criaturas celestiales; el falso documental que volvio loco a mas de uno, ForgottenSilver; su primera incursion hollywoodiense con Agarrame esos fantasmas; la oda a King Kong; el drama onirico TheLovelyBones y sus dos trilogias por las que pasara a formar parte del firmamento de Hollywood y la historia del cine: El Señor de los Anillos y El Hobbit. A traves de los rigurosos textos analiticos y los detalles de cada una de las producciones, Sergi Grau, Ivan Suarez, Alvaro San Martin y Joan Renter nos descubren las constantes y caracteristicas del cine de Peter Jackson, sus aspiraciones y sus objetivos y en definitiva, como un director hecho a si mismo ha llegado hasta lo mas alto y a que precio. Un estudio que agradara tanto a aquellos fans ahora detractores como a los fans incondicionales del neozelandes. Con prologo de Tomas Fernandez Valenti (Coordinador de Dirigido por) SERGI GRAU (Barcelona, 1976). Colaborador en Cinearchivo y Cinemanet y creador del blog VoiceOver. Ha participado en los librosTheTwilightZone y Antologia del Cine Fantastico Español y coordinado el libro Richard Matheson, maestro de la paranoia. IVAN SUAREZ (Gijon, 1985): Escritor y critico cultural, ha publicado como coautor el libro Terminator: El imperio de Skynet JOAN RENTER RANZ (Barcelona, 1975) Economista y compositor. Se ha dedicado tambien al mundo del cine tanto en produccion como escribiendo libros. Coautor de Richard Matheson, maestro de la paranoia y TheTwilightZone. ALVARO SAN MARTIN (Madrid, 1976): Abogado. Colaborador en diversas webs como Ultramundo o Cinearchivo. Ha participado en el libro Richard Matheson, maestro de la paranoia.

Seven, marcó un antes y un después en el thriller norteamericano. El clásico de David Fincher se alejaba de manera radical de las películas de policías y de psicópatas que lo precedían y proponía una coleccion de ideas renovadas que causaron sensacion y serian imitadas hasta la saciedad por otros cineastas. Entre otras muchas cosas, Seven trazaba el nuevo territorio hibrido delpsycho thriller rompiendo la narracion y con una nueva puesta visual rotundamente visceral, convertia al espectador en peon de un adictivo y a la vez terrorifico juego de manipulacion y abria un amplio arco reflexivo poco comun en el thriller del momento. Con motivo del veinte aniversario de la pelicula, de sus dos decadas como referente esencial para el cine norteamericano, los autores ahondan en los origenes, los pliegues y la inabarcable influencia de uno de los filmes mas importantes del moderno cine de genero. El libro ha sido coordinado por la critica cinematografica Desiree de Fez (autora tambien en el libro), junto a las plumas de referencia Angel Sala, John Tones, Quim Casas, Fausto Fernandez, Daniel Ausente, Noel Ceballos y Jorge Gorostiza. Un libro indispensable para los amantes del cine de Fincher, de Seven, del thriller y por que no, del fantastico moderno. Con prologo de Angel Sala (Director del SITGES-Festival Internacional de Cinema Fantastic de Catalunya)

Fue uno de los grandes cineastas de Hollywood y para muchos el mejor guionista que jamás pisó la Meca del Cine. Billy Wilder supo crear un universo mágico a través de sus películas. Un universo en el que cabia la risa, pero tambien la amargura; el cinismo pero tambien la ternura. Ese particular mundo de apartamentos prestados e indemnizaciones dobles, de travestidos y prostitutas dulces, de Coca-cola, diosas en declive y Berlin en ruinas, es tambien el mundo en el que la hija del chofer se convierte en Cenicienta y una comunista descubre Paris. Magia en definitiva. Veintidos prestigiosos criticos analizan en “El universo de Billy Wilder” sus films como director, sus films como guionista, sus comienzos en el cine aleman, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias

Hablemos de cine, es una obra referencial para el cine español. A través de sus entrevistas con veinte directores, la periodista Lucía Tello Díaz deslinda los entresijos de la industria, descubriendo la relacion entre la etica periodistica y el cine. Con Alex de la Iglesia, Jesus Franco, Mariano Ozores, Carlos Saura, David Trueba o Jose Luis Garci se emprende un recorrido sin certezas y con decenas de interrogantes que nos ayudan a entender nuestro cine. Autora y cineastas diseccionaran la sociedad para ofrecernos una perspectiva inedita y personal de como es nuestra realidad.

Billy Wilder se ha convertido en un clásico de la historia del cine. Sus comienzos como guionista de grandes directores (Hawks, Lubitsch) le encasillaron como alumno aventajado. Sin embargo, sus comedias acidas y malintencionadas, y sus dramas duros pero no exentos de ironia han ido colocandole cada vez mas cerca del prestigio que se merecia. Sus peliculas evocan un periodo de esplendor del cine americano que parece irrepetible.

Testigo de excepción y artista rebelde frente a los cambios culturales y políticos en Cataluña, Ventura Pons ha registrado en sus filmes muchos de dichos cambios. Se presentan aquí diversas maneras de interpretar la rica filmografia de Pons, que integran teorias criticas recientes y de primera linea sobre aspectos politicos, sexuales, historicos, filosoficos, formales, linguisticos o geograficos, entre otros.

Una monografía que quisiera responder a preguntas decisivas sobre el autor de la trilogía Tres colores. ¿Dónde termina el Kieslowski documentalismta y empieza el Kieslowski director de películas de ficcion? ¿Cual es el nexo entre su obra polaca y las ultimas peliuclas rodadas en Francia? ¿Como un autor tan enraizado en sus origenes y en la cinematografia local se convierte en un referente en el mapa del cine de autor europeo?

LA MONTADORA HABITUAL DE LAS PELÍCULAS DE FERNANDO COLOMO NOS HABLA EN ESTE LIBRO SOBRE SU FILMOGRAFÍA Y PINCELADAS DE SU VIDA

Cine

'Lejos del cielo' ('Far from Heaven', Todd Haynes, 2002) és una de les pel·lícules més experimentals realitzades dins de la cultura de masses o popular. Ambientada als Estats Units a la fi dels anys cinquanta del segle XX, el film es una exploracio 'queer' de la raça, classe, genere i sexualitat, un melodrama que posa en escena dos mons -sexual i racial- que no es connecten, que es desconeixen i que s'agredeixen mutuament. El seu manierisme estudia una tradicio cinematografica, prenent la retorica de les pel·licules d'aquests anys i executant una transferencia d'un camp discursiu a un altre. Una labor de recerca en els limits del model del cinema classic en la qual reflexiona sobre els mecanismes que possibiliten una expressio cinematografica, es a dir, sobre el caracter il·lusori de les imatges, la no immediatesa del seu desxiframent, la complexitat i ambiguitat de la mirada.

George Lucas nos explica cómo Star Wars cambió la forma de comunicar un mensaje, y con ello somos testigos de la creación de un mito en la mitología moderna. También profundiza y nos habla sobre el desarrollo de su carrera, su vision sobre los estudios de cine, las corporaciones, la libertad y las restricciones sobre el arte. Y sus diferencias con respecto al resultado de Star Wars VII: El despertar de la Fuerza.

"Alguna vez tuve que vender mis botas o mi reloj pulsera para conseguir un desayuno. Aguirre fue una película descalza, por así decirlo, una hija de la pobreza. Algunos actores y extras sentían que esa era una de las virtudes de la pelicula y andaban todo el tiempo vestidos como sus personajes, aunque el vestuario estaba lleno de moho debido a la terrible humedad. Pero, como usted bien sabe, me habria gastado el presupuesto integro en tres dias de haber rodado la pelicula en estudio."

El cine de Stanley Kubrick es un fascinante enigma tanto por los extraordinarios recursos estilísticos que despliega el director desde su primera película como por los temas que aparecen de forma recurrente en su filmografia. En Teoria del cine. La redencion de la realidad fisica, Siegfried Kracauer aplica los principios de la dialectica de Hegel a la evolucion del cine: los hermanos Lumiere y la representacion de la realidad establecieron la tesis y Georges Melies establecio su antitesis, el ilusionismo total. El cine de Kubrick bien puede representar la sintesis de ese proceso: entre las tomas de Greenwich Village de su cortometraje Day of the Fight y el viaje hacia Jupiter y mas alla del infinito de 2001: una odisea del espacio; entre sus reportajes fotograficos y los motivos goticos de El resplandor; o entre la luz natural y la luz vacilante de las velas de Barry Lyndon y la luz azulada que ilumina las calles de la Nueva York fantasmagorica y onirica de Eyes Wide Shut, el espectador encuentra un laberinto, tal vez de una sola linea, en el que resulta fascinante perderse.

EDICIÓN ESPECIAL CONMEMORATIVA DEL 50 ANIVERSARIO DE ALIANZA EDITORIALAlfred Hitchcock, el “maestro del suspense”, dirigió películas destinadas a quedar en la historia del cine, como Psicosis, Los pá

Nunes, més enllà del temps vol rescatar un creador radical, José Maria Nunes, un cineasta i pensador anarquista. Conegut membre de l’Escola de Barcelona, amb pel·lícules mítiques com Noche de vino ti

La noción de empatía, tomada de un texto de Harun Farocki, informa la selección de obras que se presentará en Barcelona. Mientras que, desde la década de 1960, el efecto de distanciamiento de Brecht impuso la necesidad de desromantizacion y objetividad en las practicas documentales, hacia el final de su vida Farocki advoco que el precioso termino empatia habia sido entregado al enemigo, es decir, al cine de consumo y la industria del entretenimiento. Harun Farocki hizo un llamamiento a su reconsideracion y re-apropiacion: por Otro tipo de empatia. Consideramos que el uso que hace Farocki, particularmente paciente y alejado de prejuicios, de la camara, como una herramienta para grabar gente trabajando y en espacios laborales sin interferencias ni manipulacion, es una clara prueba de sus cualidades empaticas. Como complemento a esta seleccion de obras impulsadas por el interes de Farocki en el mundo del trabajo, la Fundacio Antoni Tapies presenta, por primera vez en el Estado español, un proyecto a largo plazo de Farocki, realizado junto con Antje Ehmann: Labour in a Single Shot / Eine Einstellung zur Arbeit (El trabajo en una sola toma). Entre 2011 y 2014, Farocki y Ehmann llevaron a cabo talleres con directores de cine y artistas en 15 ciudades por todo el mundo. Tomados en conjunto, estos talleres produjeron mas de cuatrocientas peliculas de uno a dos minutos de duracion sobre el tema del trabajo. La exposicion en la Fundacio Antoni Tapies incluye una seleccion de cincuenta y cuatro peliculas procedentes de nueve ciudades. Estas peliculas cortas de un unico plano secuencia ejemplifican las multiples formas de trabajo que coexisten en el mundo de hoy: el trabajo material o inmaterial, el trabajo remunerado o no remunerado, las ocupaciones tradicionales o las nuevas. Las obras de Harun Farocki, asi como las peliculas seleccionadas a partir de Einstellung zur Arbeit / Labour in a Single Shot revelan que los escenarios cinematograficos se pueden encontrar dondequiera que exista una pedagogia de la imagen. Se basan en la suposicion de que una imagen nunca es inocente, sino mas bien parte de una cultura visual historicamente cambiante y sus regimenes de la imagen.

Setenta y cuatro párrafos radiantes sobre Werner Schroeter, el cineasta inclasificable del Nuevo Cine Alemán. Exploración de una filmografía íntegra, es decir, de una sensibilidad. Narración de una relacion personal con Schroeter y una relacion amorosa, rigurosa y aguda, con su obra. Philippe Azoury va mas alla de lo visible y firma en este libro una viviseccion a cielo abierto y un retrato en penumbras, intimo y pudoroso, del hacedor de uno de los mundos de imagenes mas enigmaticas del cine.Philippe Azoury (1971). Periodista y critico cinematografico, ha colaborado con las revistas Trafic, Cahiers du Cinema y Le Nouvel Observateur, entre otras publicaciones. Es autor, junto con Jean-Marc Lalanne, de Fantomas, style moderne (2002, Yellow Now) y Jean Cocteau et le cinema: Desordres (2003, Cahiers du Cinema-Centre Georges Pompidou, Prix Philippe Arnaud 2003) en colaboracion con el fotografo Antoine DAgata, de Stigma (2006, Images en manuvre) y de Un morceau de ton reve (2012, Capricci), libro de entrevistas con Adolpho Arrietta, y Philippe Garrel en substance (2013, Capricci).

La oscura conciencia de sí mismo bucea en los entresijos que impulsan al cineasta judío estadounidense Allan Konigsberg- Woody Allen en el ejercicio profesional de la escritura de guiones para el cine. A traves del estudio comparativo de Annie Hall y Mat

Fellini lo decía: "Hago una película del mismo modo en que vivo un sueño, que es fascinante mientras sigue siendo misterioso y alusivo y corre el riesgo de hacerse insípido en cuanto es explicado". En efecto, Fellini no privilegiaba tanto el tratamiento de la realidad que llevamos a cabo de noche, en el sueño "autentico", sino el tratamiento diurno del sueño, la manera en que la creacion fantastica hace entrar el sueño en lo real.