Libros de Historia del cine, página 13 de 165

Vilageliu, JosepA partir del rodaje de Moby Dick en los mares canarios y de la paradoja de que, no reconociéndose el paisaje de las islas en el film, ha terminado convirtiéndose con el tiempo en una pelicula emblematica del cine rodado en Canarias, se juega aqui con la metafora de la ballena isla, la non trubada isla de San Borondon que los navegantes persiguieran en el pasado, como el paisaje idealizado que los cineastas han recreado sobre su superficie blanca, cimentado en los miticos Jardin de las Hesperides, Campos Eliseos, o Insulas Afortunadas que tanto han influido en la literatura, la pintura, la fotografia y el cine y han guiado las campañas de promocion turistica del archipielago canario. Es desde esta multiplicidad de opticas que el libro despliega diversos itinerarios de aproximacion a una imagen recurrente pero tambien esquiva, y para ello apela a estrategias diversas, en una suerte de collage en el que se funden el analisis, el diario intimoy la ficcion, y donde se abordan el paisaje pintoresco y el paisaje sublime de los romanticos, el paisaje instrumentalizado por el turismo, el paisaje pasional de los surrealistas, los paisajes miticos y los otros mas recientes de la emigracion y la posguerra, paisajes interiores y exteriores, rurales y urbanos, el del norte y el del sur, el paisaje simbolico contrapuesto al paisaje como escaparate, paisajes inventados y paisajes recreados, paisajes entrevistos desde el mar y paisajes sorprendidos desde el aire, los paisajes que vieran ingleses, franceses y alemanes enfrentados a la mirada naturalizada de los cineastas locales, la mirada complaciente y la mirada critica. El libro alternara primeros planos con planos de conjunto, se hablara de producciones peninsulares y extranjeras, pero tambien por contraste, de producciones locales. No pretende la exhaustividad, faltaran films de un lado y de otro, sino la ejemplaridad. Visiones panoramicas, muy rapidas, que nos situen, y aproximaciones a un film, a una secuencia, a una imagen, transitando toda la

Construidos en las afueras de Londres a comienzos de los años treinta, los estudios de rodaje Ealing se convirtieron en compañía de producción de películas y 'marca de fábrica' a partir de 1938, bajo la dirección de Michael Balcon. Reuniendo a su alrededor a un soberbio equipo de cineastas (Robert Stevenson, Penrose Tennyson, Charles Crichton, Henry Cornelius, Alexander Mackendrick, entre otros) y actores de fama internacional o que él mismo "descubrió" (Jack Hawkins, James Mason, Michael Redgrave, John Mills, Dick Bogarde y, por supuesto, Alec Guinness), Balcon creó en estos estudios un cierto tipo de película típicamente británica en la que se alternaban psicología, humor, realismo y un discreto nacionalismo. En la Ealing se abordaron todos los géneros -en diecisiete años se rodaron cerca de un centenar de producciones: bélicas, policiacas, de aventuras-, pero son sin duda sus sofisticadas e irreverentes comedias ('Whisky Galore', 'Passport to Pimplico', 'Ocho sentencias de muerte', 'El quinteto de la muerte') las que más se recuerdan hoy día, las famosas 'comedias Ealing'. En 1955, los estudios fueron adquiridos por la BBC, pero su espíritu aún pervive entre los amantes del cine. Como reza orgullosamente una placa en su puerta principal: "Aquí, durante un cuarto de siglo, se crearon numerosas películas que describieron Gran Bretaña y el carácter británico".

Fascinació, glamur, seducció... Poques figures eren comparables a les estrelles de cinema durant els anys quaranta i cinquanta, quan el setè art era el gran mitjà d'entreteniment de masses. Especialm

¿Cómo hemos construido nuestra imagen sobre la dictadura franquista? Más allá de las clases de historia, los productos culturales que consumimos condicionan fuertemente la forma en la que comprendemos el franquismo. De entre todos ellos, el cine destaca por su "impresion de realidad", por su capacidad para dotarnos de imagenes "reales" con las que construir nuestra propia memoria de aquel periodo. He aqui su potencial y su peligro. Para profundizar en ese potencial y en ese peligro, la autora analiza todas aquellas obras cinematograficas que, entre 1975 y el año 2000, reflejaron el franquismo. De la politizacion y heterogeneidad de propuestas durante la Transicion a la homogenizacion tematica y formal de los ochenta y noventa socialistas, pasando por la decadencia del documental y el auge de los "films de memoria", la produccion cinematografica es una excelente metafora de las formas en las que la sociedad española imagina y gestiona su pasado reciente. Este libro plantea que se dice en esas peliculas y que se silencia, que se muestra y que queda fuera de campo, que se recuerda y que se elige olvidar, para descubrir si estas obras nos ayudan a comprender mejor aquellos años o si, por el contrario, no hacen sino favorecer las tinieblas.

La obra más completa acerca del premio de la Academia de las Artes y Ciencias de Hollywood. Con todo lo que aconteció antes, durante, y después de 74 de las ceremonias celebradas.

¿Cuando ves una puerta te imaginas que de repente la atravesará el hacha de Jack Torrance? ¿No dormías por la noche porque estabas convencido de que en tu ventana aparecería un niño vampiro? ¿Siempre has deseado tener poderes psiquicos para montar una buena cuando tus compañeros se metan contigo en el baile de fin de curso del instituto? No lo dudes, este es tu libro, pues encontraras todas las claves de las incursiones de Stephen King en la pantalla, tanto de las adaptaciones de sus novelas y cuentos, como de sus guiones originales. Un autor que ha cambiado para siempre las reglas del cine y las series de terror, que ha atraido la atencion de realizadores de primer nivel como Stanley Kubrick, Brian de Palma, John Carpenter y Frank Darabont, y que algo tendra cuando se ha convertido en uno de los autores que mas venden del mundo.

Publicado por primera vez en 1992, ¡Goza tu síntoma! analiza conceptos del psicoanálisis a través de ejemplos del cine, desde Chaplin hasta Matrix, a través de figuras muy diversas: Lenin, Hegel, Foucault y Jesucristo. Es el primer mojon en la obra de iek donde se puede observar el interes por vincular ejemplos de la cultura popular con nociones mas complejas de filosofia o psicoanalisis. Con prologo nuevo y un capitulo final dedicado a la relacion entre la realidad y la fantasia, esta nueva edicion, con traduccion de Horacio Pons, vuelve a ponernos frente a frente con las dos pasiones mas confesadas de iek: el cine y el psicoanalisis.

En los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, Alemania era un país descompuesto en los planos político, social y económico. Sin embargo, vio nacer muchas de las manifestaciones artísticas más vanguardistas del momento. En ese dificil contexto surgio una de las corrientes esteticas mas importantes e influyentes de la historia del cine: el expresionismo.'Criaturas del cine expresionista aleman' es una obra que se propone indagar en ese apasionante periodo en el que aparecieron clasicos como 'El gabinete del doctor Caligari' (1920), 'El golem' (1920) o 'Nosferatu' (1922), pero tambien reivindicar otras obras olvidadas que desempeñaron un papel fundamental en el desarrollo del expresionismo.

En 1955, Bardem declaró: “El cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico”. Y años después, Berlanga manifestaría

Gaurdaino ez da idatzi euskarazko zinemaren historiarik. Lan honek hutsune hori bete nahi du. Zazpigarren arteak gure hizkuntzarekin izandako harremanak aztertzen ditu, eta horretarako, hogeigarren mendea zeharkatzen duen ibilbide bat marraztuz, irudiz eta euskaraz sortutako lanen historia kartografiatzen du. Film eta egile ezezagun ugari aurkituko dituzu orrialdeotan, garai ezberdinetako intelektualen diskurtso, bizipen eta oihartzunak, eta baita hainbat istorio bitxi, triste eta harrigarri ere.Hori guzia, bi zutabe ardatz hartuta. Batetik, datu-bilketa erraldoi bat eta iturri anitz eta ineditoak. Bestetik, egileak ezkutatzen ez duen ikuspegi propioa, interpretazio pertsonalei eta kritikari lekua uzten diena. Estilo bizi, zorrotz eta dibertigarri batez jorratua, akademiarako ez ezik, publiko zabalarentzat ere interesgarri den lana duzu eskuetan.Eibarko Udalak UEUrekin lankidetzan antolaturiko XIV. Juan San Martin bekaren irabazlea, 2019ko deialdian.

A unique cocktail of personal memoir, cultural criticism and Hollywood history by the one and only Quentin Tarantino. The long-awaited first work of nonfiction from the author of the number one New York Times bestselling Once Upon a Time in Hollywood: a deliriously entertaining, wickedly intelligent cinema book as unique and creative as anything by Quentin Tarantino. In addition to being among the most celebrated of contemporary filmmakers, Quentin Tarantino is possibly the most joyously infectious movie lover alive.

En 1991 se estrenó Thelma y Louise. Al final del largometraje, Martine Delvaux estalló en lágrimas, conmovida por el destino trágico de las dos protagonistas.En este relato intimista, la autora entrelaza las reflexiones sobre el filme, que ha visto numerosas veces, y las de su vida personal.Une esta pelicula a otras peliculas, a amistades significativas y a momentos personales especiales.Memorable como las conversaciones que no quisieramos que acabaran, Thelma, Louise y yo de Martine Delvaux nos despierta las ganas de volver a ver el filme, una vez mas.¡Un ensayo vertiginoso! Delvaux nos ofrece un trabajo intrigante, a mediocamino entre el analisis del filme y el diario intimo(Marie-Laurence Boulet, Le fil rouge).En una amalgama brillante, combinacion de lo intimo y lo universal, la autoraparte de Thelma&Louise para reflexionar sobre el destino de las mujeres(Alexandra Mignault, Les Libraires).Martine Delvaux es muy habil en su forma de recordarnos lo que hizo en1991, y el camino recorrido durante los años que nos separan del estreno dela pelicula que es no tan solo suyo, si no que nos concierne a todos(Catherine Voyer-Leger, Nuit blanche).

Este libro es una sencilla y amena guía por la Historia del cine, desde sus orígenes hasta la implantación de la tecnología digital, que acerca, tanto a los nuevos amantes del cine como a los más veteranos, a sus momentos mas importantes. Centrandose en los continuos avances tecnicos y en los cambios sociales que lo hicieron evolucionar.

El Zinemaldia cumple 70 años en 2022, una buena onomástica para echar un poco la vista atrás y contemplar algunos aspectos de este largo recorrido, aquellos que, a través de ediciones bien distintas, mas placenteras o convulsas, exitosas o criticas, han ido otorgando presencia y señas de identidad al certamen donostiarra. Siete decadas, desde la primera edicion celebrada en 1953, que evidencian igualmente tantos cambios y transformaciones ideologicas, tecnologicas y estilisticas del lenguaje cinematografico. El presente volumen repasa esta andadura escogiendo una serie de hechos significativos del Festival: las secciones que mejor le definen, las retrospectivas que se han convertido en descubrimientos de directoras y directores olvidados o de tendencias al alza, la apuesta por los nuevos cineastas ya desde la formacion en las escuelas de cine, la relacion compleja con la propia produccion cinematografica del Pais Vasco, el vinculo con los paises latinoamericanos, la nueva dimension del cine documental y algunas Conchas de Oro significativas, curiosas, atrevidas, consensuadas o inesperadas.

Las relaciones entre el cine y la Edad Media empezaron por la fantasía de las películas de aventuras llenas de caballeros espléndidos y damas de larga caballera primorosamente peinada, y evolucionaron hacia el realismo sucio de esas otras peliculas que intentan mostrar la verdadera cara medieval. Hay mucha, mucha distancia entre la perilla de Errol Flynn en Robin de los bosques y las batallas de El reino de los cielos de Ridley Scott, o entre el impecable Camelot de Los caballeros del rey Arturo de Richard Thorpe y la sobrecogedora miseria que inunda Los señores del acero de Paul Verhoeven.

Completo recorrido por la caida y posterior recuperación del cine brasileño a partir de la década de los 90, caracterizado por su variedad y la calidad de la producción.

EN EL CINE DE AUSTER ¿Por qué ver el cine de Auster? ¿Qué encontramos en sus películas? ¿Cómo las piensa y lleva a cabo? ¿Hay que mirarlas del mismo modo que se leen sus libros? ¿Es posible? Este libro, el unico publicado sobre la totalidad de su obra cinematografica, no pretende responder del todo a estas preguntas, sino que transita como un funambulista por la delgada interseccion entre dos mundos que son un mismo autor: Auster considera sus peliculas tan fundamentales como su obra literaria. A lo largo de las paginas del texto que tiene en sus manos, el lector encontrara esa mezcla de vida y cinematografia que llevan a hacer de Paul Auster un director de cine de exquisita produccion. Raro y sencillo. Manuel Gutierrez Aragon

Cuando Peter Bart llegó a la Paramount, de la mano de su amigo, y también recién llegado, el legendario Robert Evans, el estudio estaba languideciendo, lastrado por un catálogo poblado de películas que estaban desconectadas del espiritu de los tiempos, los dinamicos años sesenta. Cuando Bart abandono la Paramount, en 1975, el estudio dejaba atras una etapa extraordinaria, con titulos como El Padrino, La semilla del Diablo, Harold y Maude, Love Story, Chinatown, Luna de papel y Valor de ley. Pero esta nueva epoca dorada de la Paramount tambien estuvo marcada por el caos y la convulsion en los despachos. Drogas, sexo, presupuestos descontrolados, luchas de poder internas incluso la mafia se infiltraron en estos rodajes, convirtiendo a la Paramount en uno de los estudios mas impredecibles e incluso excentricos de la historia de Hollywood. Bart reflexiona sobre el Nuevo Hollywood tal como lo vivio la Paramount, con detalles de iniciado y astutos analisis. Y desgrana sus recuerdos de los iconos de la epoca: Warren Beatty, Steve McQueen, Robert Redford, Clint Eastwood, Jack Nicholson, Marlon Brando, Al Pacino, Francis Ford Coppola, Roman Polanski y Frank Sinatra, entre otros. Durante mas de cuatro decadas, primero desde dentro del sistema, desde los despachos de un estudio, y mas tarde como director de Variety, Peter Bart ha contemplado Hollywood desde una atalaya privilegiada. Las historias que cuenta y las lecciones que aprendemos de Infamous Players son imprescindibles para todo amante del cine.

Un pormenorizado estudio sobre la extensa obra de este genial compositor húngaro, que ayudó sobremanera a dignificar la música de cine, a través de sus increíbles y majestuosas partituras. A su vez, fue un gran compositor de musica de concierto, que tambien se analiza, composicion a composicion. Este autor es base fundamental para entender la musica de cine actual

La historia del cine australiano está determinada por un ciclo de creación y destrucción, de fulgurantes principios y lentos descensos hacia el olvido. En esta obra se busca los orígenes en pioneros