Libros de Arte contemporáneo, página 2 de 166

Heterocronías pretende reflexionar sobre la convivencia de diversas temporalidades en las prácticas artísticas contemporáneas. Frente a la idea de una evolución lineal e histórica según la cual tanto los medios como los contenidos de las artes tienen un devenir continuo y teleologico, cada vez mas es necesario volver la mirada hacia otros modos de pensar la historia y las practicas artisticas: regresos, caminos perdidos, anacronismos, recuperaciones, convivencias, etc. La arqueologia es, en este sentido, el paradigma de la temporalidad anacronica. Si se ha dicho que la postmodernidad fue el lugar de la hibridacion de las artes, quiza sea ahora el momento de pensar en la hibridacion de temporalidades. Muchas veces, en la recuperacion de caminos no andados encontramos vias alternativas a los caminos sin salida en los que se han convertido muchas de las practicas artisticas contemporaneas. Frente al tiempo unico, el tiempo de la globalizacion, es necesario hoy pensar sobre los tiempos dispersos de la heterocronia, las rupturas del tiempo dominante y la emergencia de temporalidades de resistencia.

José Mª Domínguez Bécquer (Sevilla, 1805-1841) fue uno de los pintores más notables del periodo romántico en Sevilla. Aunque se le recuerda sobre todo por haber sido el padre del también pintor Valeriano Becquer y del poeta Gustavo Adolfo Becquer, su obra resulto fundamental en la construccion de la imagen romantica de España al haber sido tomados sus cuadros de tipos y costumbres andaluces como modelos por pintores y litografos europeos

Este libro es tan irreverente que cuando Kurt Tucholsky lo publicó en 1929, en colaboración con el fotógrafo John Heartfield, tuvo que exiliarse. Combinando las artes de la literatura y de la fotografia se compone, a traves del humor y de la satira, una de las obras mas representativas del dadaismo aleman. Tucholsky vislumbra la semilla de lo que acabara siendo el regimen nazi en unas instituciones que han perdido la confianza del pueblo y en una sociedad en la que imperan el militarismo y el nacionalismo. Deutschland, Deutschland uber alles es una de las criticas mas duras contra la realidad politica de su epoca, pero es, ante todo, una carta de amor a Alemania.

* Guía de bolsillo sobre los movimientos, las obras, los temas y las técnicas fundamentales.* Una nueva e innovadora introducción al arte creado desde finales de la década de 1960 hasta nuestros días. * 49 obras esenciales del arte contemporaneo, piezas que van desde el land art y el performance art hasta oleos y NFT, que se relacionan con los movimientos, conceptos y metodologias mas significativos. Accesible, conciso y profusamente ilustrado con imagenes de obras emblematicas de creadores de todo el mundo, este libro explora como y por que se desarrollo este arte y se ponen de manifiesto las cruciales innovaciones de diversos artistas. Esta desmitificadora introduccion al tema permite conocer con profundidad y disfrutar en toda su extension el arte mas revolucionario creado en las ultimas decadas.

"• Tarsila do Amaral es una artista injustamente olvidada en nuestras latitudes, a pesar de que permaneció en la capital francesa diversos (e influyentes) periodos de su vida y participó activamente

Marcia Tucker murió demasiado joven. A los sesenta y seis años tenía detrás más de cuarenta dedicados al arte. Comisaria del Whitney Museum, y fundadora en 1977 del New Museum, para desarrollar las ideas, tendencias y lineas de trabajo que no encontraban cabida en las instituciones tradicionales. Critica, conferenciante, agitadora cultural y descubridora de talentos como el de Bruce Nauman (una de cuyas obras adorna la cubierta de este libro). La muerte le llego con una hija adolescente, un marido diecisiete años mas joven y muchas ganas de seguir escribiendo, organizando exposiciones, llevando la contraria y hablando de arte hasta el amanecer. Marcia Tucker murio demasiado joven, a pocas paginas de acabar este libro donde cuenta su vida corta y complicada, que tambien es divertida y conmovedora. Un testimonio impagable, y de primera mano, sobre el arte del ultimo medio siglo.

¿Qué cambios puede haber ocasionado la Red en el arte? La contestación más sencilla sería decir que el arte se ha vuelto más democrático porque se encuentra al alcance de todos y ahora todos podemos participar en el. Pero tras esta afirmacion existen problemas claros, porque la Red, si bien ha creado una democratizacion del arte en su entendimiento y posesion, tambien ha provocado que la idea del propio arte se desvanezca, por el hecho de dejar de tener ese caracter magico que hasta ahora ostentaba por hallarse tan solo en lugares de culto ideados para el, y tambien porque la Red ha generado herramientas para que cualquiera de nosotros seamos artistas.En el ciberespacio no se puede plantear el arte como hasta ahora habia sido entendido, porque, sea la categoria artistica que sea, una obra de teatro, una performance, una escultura, un lienzo, una obra literaria o una partitura musical, en el medio cibernetico no sera mas que un mensaje digital, por lo cual pierde el soporte y su esencia, ya que lo digital no puede interpretarse por la cualidad de la materia que transmite, ni tan siquiera el tipo de sustancia que expresa, puesto que lo digital se alimenta de lo cuantitativo, y por tanto, no discrimina, no relaciona ni tampoco duda de aquello que transmite.Quiza tambien se nos ha olvidado que los conceptos con los que se evalua el arte fuera de la Red no son los mismos con los que se ha de contemplar el arte dentro de ella, porque, del mismo modo que no podemos caminar sobre el agua, tampoco debemos creer que el ciberespacio es un reflejo de los parametros inalterables con los que entendemos el arte fuera de ella? ¿O si?Margarita Rodriguez Ibañez es doctora por la ucm y licenciada en ciencias de la informacion, magister en marketing profesional y ceramista diplomada. Ha impartido docencia en la Universidad de Madrid, en las asignaturas de teoria de la comunicacion audiovisual e historia y teoria del cine. Ha trabajado tambien en el area de comunicacion empresarial y relaciones publicas.Es nieta del fotografo Juan Ibañez, del que aprendio muchas cosas, entre ellas, el valor que la imagen aporta como documento historico y humano.

Según muchos historiadores del arte, la aventura del arte moderno surgió en la década de 1870 en París, cuando un grupo de artistas, los impresionistas, empezaron a pintar con pinceladas rápidas e imprecisas. En vez de ampulosas escenas heroicas, retrataban la vida cotidiana y huian de la influencia del circulo tradicional de galeristas organizando sus propias exposiciones. Una vez superados los principios academicistas, nada les podia detener. En un constante deseo de desafiar, innovar e inspirar, los nuevos estilos artisticos se fueron sucediendo: simbolismo, expresionismo, futurismo, dadaismo, arte abstracto, realismo renovado, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art, arte minimalista y arte conceptual. Este compendio imprescindible ilustra la energia incontenible del arte moderno (desde 1870 a 2000) a traves del analisis introductorio y la enumeracion, año a año, de las mas revolucionarias obras de arte, aquellas que, rompiendo barreras, pusieron en jaque a los canones establecidos. Con descripciones detalladas de las obras y sus artistas y reseñas sobre los movimientos mas relevantes e influyentes.

Este volumen recoge la muestra organizada por el Patronato Martínez Guerricabeitia de la Fundación General de la Universitat de València, la Junta de Andalucía y la Fundación Cruzcampo. La exposición

La era de la discrepancia ha sido calificada como la exposición más importante y ambiciosa del arte contemporáneo que haya tenido lugar en México en la última década. La muestra buscó recuperar la memoria del trabajo realizado en Mexico durante los años que van de 1968 a 1997, en los margenes de los espacios oficiales y los corredores culturales privados. El catalogo de la exposicion que aqui presentamos tiene una estructura de nueve secciones y un espacio documental donde se ofrece al publico la informacion contextual necesaria para una mejor comprension de las obras.

Éste es un libro sobre el Templo de la Sagrada Familia, diferente de todos los demás que se pueden encontrar en las librerías. En él se recogen las conversaciones con un testigo excepcional de la experiencia humana y artistica de Gaudi: Etsuro Sotoo, el jovencisimo (hoy maduro) escultor japones que llego hace mas de treinta años a Barcelona y quedo fascinado por el misterio que latia en y detras de aquellas piedras. La atencion a la obra de Sotoo en La Sagrada Familia, inseparable de su mirada ensimismada y profunda hacia Gaudi y, sobre todo, hacia donde el miraba, junto a las magnificas y nuevas fotografias de Marc Llimargas, el mas importante fotografo de la obra de Gaudi, hacen de este libro un autentico poema visual. El texto del libro, realizado a partir de conversaciones con el escrultor japones, permite ensimismarnos con el sentido y la espiritualidad del templo de Gaudi, a traves de los ojos de quien probablemente mejor representa la continuidad del espiritu del genial artista. Un libro que merece la pena tener y regalar.

Iniciado el siglo XVIII en España con un cambio dinástico, que derivó en una larga guerra internacional, no se puede dejar de considerar esta centuria como la que fraguó el mundo contemporáneo y produjo un cambio de mentalidad cultural, que, con el rotulo generico de la ilustracion, secularizo la sociedad. El mundo del arte acuso esta profunda cambio, como asi lo corrobora la irrupcion de una figura tan genial como Goya y la presencia de grandes maestros franceses, italianos y alemanes, como Houasse, Giordano, Giaquinto, los Tiepolo o Mengs, ademas de dotarse de instituciones como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y de contar con artistas españoles de sobresaliente calidad, como Melendez, Paret o Maella. El proposito de este volumen, que cuenta con diecinueve especialistas nacionales e internacionales, es abordar de la manera mas amplia el arte del XVIII, que establece las bases del revolucionario arte de nuestra epoca

Movimiento innovador del siglo xix que se opone a las convenciones de la Acadmia con artistas de gran fama como Manet, Degas, Renoir, Monte y Sisley.Revolucionario fue el alejamiento del realismo académico "de caballete" hacia una pintura más emocional en plein air, que anunciaba ya la vanguardia artística del siglo XX de la cual Cézanne fue el principal exponente.