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Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80 es una exposición ensayo que aborda una situación específica de la escena artística española de ese momento centrándose para ello en el trabajo de cinco artistas: Alfonso Albacete, Miguel Angel Campano, Ferran Garcia Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido. Todos ellos provienen, de un modo u otro, de una relacion con las practicas conceptuales de los primeros años 70, y encauzan sus investigaciones a traves del lenguaje pictorico en los años que cubre la exposicion. Las obras reunidas, fechadas entre 1978 y 1984, ejemplifican la toma de posicion artistica y estetica de sus autores, quienes asumen la practica pictorica como territorio de pensamiento y de produccion de estrategias creativas.El catalogo, ademas de la reproduccion de las obras expuestas, contiene un ensayo del comisario de la exposicion, Armando Montesinos, y un texto de Mariano Navarro en el que se analizan pormenorizadamente los cuadros y el contexto historico-artistico en el que se crearon.

"Fluor #7 Revista de cultura contemporánea ¿Conoces el movimiento steampunk? ¿Sabes lo que es la historia alternativa? ¿Y las piedras que se emplearon en la construcción del tabernáculo de Moisés?

Now firmly established in the ceramics world, paperclay is a vital part of the modern clay artist and potter's repertoire. The workability of this material allows expressive freedom and imagination at every stage in the creative process, from wet to dry. Paperclay, made with new or recycled paper, is remarkable for its flexibility, unfired strength, and the ease with which it can be repaired, and allows the creation of beautiful finished forms. Building on the immense success of her previous Ceramics Handbook Paper Clay, pioneering artist, researcher and teacher Rosette Gault (M.F.A.) explains how potters and clay sculptors can make, fire and use the material. In addition to the basics, she introduces more advanced techniques for building armatures, sculpting figures and making works for the wall. Packed throughout with photographs of inspiring works by a new generation of paperclay artists, Paperclay: Art and Practice is an essential introduction to the medium.

La determinación de la autoría y la originalidad de las obras artísticas es un elemento clave y esencial para disfrutar plenamente del arte y para el buen funcionamiento del mercado y de muchos centros culturales. Es una de las tareas propias de instituciones y personas de muy diversa indole, desde fundaciones de artistas hasta museos, administraciones publicas, academicos, galeristas, coleccionistas de arteTodos cuantos se ocupan de ella se encuentran con numerosos problemas en el momento de llevarla a cabo. Este libro, derivado de un seminario internacional organizado por la Fundacio Gala-Salvador Dali, difunde los conocimientos, la experiencia y las opiniones de algunos de los expertos mas prestigiosos sobre estas materias. Ademas, aporta nuevos enfoques, propuestas y elementos linguisticos que pueden ayudar a entender las dificultades que plantea el tema y a mejorar su regulacion juridica.Despues de El experto frente al objeto de Ron Spencer y El valor del arte, de Michael Findlay -publicado en Ediciones Poligrafa el pasado mes de mayo-, Autoria, autentificacion y falsificacion de las obras de arte constituye el tercer volumen de la coleccion Arte, Mercado y Derecho, impulsada por la Fundacio Gala-Salvador Dali. Esta coleccion nacio en el año 2011 con la voluntad de promover conocimientos legales, economicos y artisticos que contribuyeran, de forma general, a la proteccion, conservacion, divulgacion y renombre del patrimonio artistico y, de forma especifica, del patrimonio creado por Salvador Dali.Lluis Peñuelas es secretario general de la Fundacio Gala-Salvador Dali desde 1990 hasta la actualidad. Responsable de la gestion de los cuatro museos de dicha fundacion y de la administracion general de la misma.

Catálogo de la Feria de Arco 2014

El arte no es únicamente pintura, escultura o fotografía. Los artistas han encontrado otras formas de expresarse a través de movimientos como el airegami, el arte gastronómico o el body art… ARTE MAN

El impresionismo, corriente que desde sus inicios atrajo al gran público, sigue siendo el período más fascinante de la historia del arte pictórico reciente. Buena prueba de ello son las espectaculares exposiciones dedicadas en los ultimos años a Degas, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Toulouse-Lautrec o Monet, asi como las desorbitadas sumas obtenidas con la venta de sus cuadros.Sin embargo, pese a la admiracion que despierta la pintura impresionista y a la gran cantidad de obras publicadas en particular sobre los grandes maestros que la nutrieron, hay aspectos que aun no se han investigado. Un buen numero de pintores de segunda fila y sus obras han sido relegados al olvido o permanecen en el anonimato. Esta monografia viene a llenar ese vacio mediante un exhaustivo estudio del impresionismo en Francia y de corrientes afines que surgieron en paralelo en otros paises de Europa y America del Norte.La parte 1 describe el impresionismo en Francia, incluidas las derivaciones del post o neoimpresionismo. El objetivo en este caso es presentar no solo a los pintores mas famosos, sino tambien a aquellos que hoy dia apenas se conocen, como el infravaloradisimo Caillebotte, de quien se repro-ducen 17 obras, y otros como Bazille, Bracquemond, Cross, Forain, Gonzales, Guillaumin, Lebourg, Lepine, Luce, Morisot, L. Pissarro, Raffaelli, Rouart y Vignon.La parte 2 consta de ocho capitulos y aborda la pintura que, inspirada en el impresionismo frances, aparecio de forma simultanea en los Paises Bajos, Belgica, Alemania, Escandinavia, Europa del Este, Italia, España, Gran Bretaña, Estados Unidos y Canada. Lo mas notable en este sentido es que los pintores de esos paises no se limitaron a copiar las obras que surgieron en la cuna del movimiento, sino que la mayoria de ellos adaptaron el estimulo frances a los respectivos lenguajes artisticos nacionales con una originalidad abrumadora.

Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925), Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes y Presidente de esta institución entre 1982 y 1992, es uno de los escultores españoles más sobresalientes de las ultimas decadas. Formado de la mano del escultor Manuel Ramos, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid y en la School of Fine Arts de Londres, y cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino ha empleado principalmente el hierro en su busqueda de un lenguaje abstracto, despojado de rasgos narrativos y de enorme riqueza expresiva.Sus esculturas responden a un doble impulso: el dialogo con el arte primitivo y los materiales y el paisaje nativo de las Islas Canarias, leido con los ojos de la evocacion imaginativa y la memoria infantil, y un poderoso impulso signico que genera todo tipo de geometrias espaciales, por lo general curvas (espirales, aros, ovalos), capaces de iluminar el espacio que las rodea y de ser a la vez, para quien las contempla, enigma y revelacion.Martin Chirino. Obras para una coleccion reune textos de Antonio Bonet Correa, Antonio Fernandez-Alba, Serge Fauchereau y Fernando Castro Florez en torno a la obra del genial escultor, y una seleccion de imagenes de las esculturas que constituyen la exposicion, incluyendo alguno de sus famosos afrocanes, y otras de titulos tan sig...

El surrealismo, y cada uno de los creadores surrealistas, han sido objeto de numerosas exposiciones de todo género. Pero ninguna de ellas hasta ahora se había centrado en el gran tema de aquel movimiento, fuente y origen de la revolucion surrealista: el sueño. Este es el objeto de la exposicion cuyo catalogo se ha sido editado para acompañar a la muestra. Con textos tres grandes especialistas en el surrealismo, Jose Jimenez, comisario de la exposicion, Georges Sebbag y Dawn Ades, el libro reproduce a todo color las 163 obras en exposicion y fotogramas seleccionados de las 9 video-instalaciones que se proyectaran en las salas. El catalogo incluye una lista de obras final por orden alfabetico de autores con reproducciones en miniatura de las obras.

La toma de conciencia de la mujer sobre sí misma, como ser independiente, capacitado para tomar por sí las riendas de su vida, supone la revolución cultural más importante del siglo XX en occidente. Un transcurso que en sus inicios estuvo alentado y defendido por un grupo de mujeres, intelectuales y artistas que, asentadas principalmente en Paris en las tres primeras decadas de ese siglo, fueron capaces de percibir que el momento del cambio habia llegado. Pretendian que su trabajo, su obra, saliese de su entorno intimo, cobrase visibilidad en la sociedad, pero lo verdaderamente trasgresor de ellas era su independencia, su mirada autonoma, su reflexion particular, el sentir que su existencia tenia significado en si, en su propio ser, lo que hizo de estas pioneras, en los distintos campos en que se comprometieron, autenticas revolucionarias. Tan fascinante momento, y sobre todo la atraccion que sobre mi ejercieron estas multiples protagonistas, muchas de ellas anonimas, me llevaron a organizar este primer ciclo de cinco conferencias sobre mujer y vanguardia: La vanguardia en Femenino, dentro de la semana del Arte promovida desde el Ateneo de Valladolid. Mi pretension no fue hacer Historia del Arte de genero, sino poner en su justo termino la genialidad e importancia que muchas de estas creadoras tuvieron y que, por desgracia, muy pocos les han reconocido. De esta forma, a traves de estos cinco ensayos, hemos pretendido buscar la mirada, el sentimiento, la sensibilidad de estas mujeres/artistas a la luz de otras mujeres historiadoras/criticas que en un tiempo posterior añadiesen a su estudio y analisis, una perspectiva mas proxima y complice como resultado de su propia condicion y enfoque.

Este libro, a propósito de la exposición "Verblendungsusammenhang [concatenación del cegamiento]", hace una revisión del trabajo de Bernardí Roig desde los grandes dibujos de los años noventa hasta las instalaciones mas recientes.Incluye ademas los textos "Wovon man nich sprechen kann... [para perder la cabeza en el imaginario de Bernardi Roig]" de Fernando Castro Florez, "El fracaso de las imagenes" de Jose Jimenez, "Obsesion y duda" de Santiago Olmo, "La gravedad de la luz (ritual y representacion en la obra de Bernardi Roig)" de Pedro A. Cruz Sanchez y "La linea y la mujer del pescador" del propio artista.

Of Bridges & Borders nace en 2008, desde una iniciativa de dos asociaciones culturales radicadas en Barcelona y Suiza, el KBB (Kultur Buro Barcelona) y Toit du Monde (Vevey) y se materializa en 2009 como proyecto editorial, con la publicacion de un primer volumen que reune a 33 artistas y 4 autores contemporaneos, cuyos trabajos estan vinculados a la tematica de los puentes y las fronteras. Of Bridges & Borders, vol.II, amplia y enriquece la vision del proyecto colaborativo reuniendo en este nuevo volumen a antropologos, filosofos, artistas, investigadores, sociologos, editores, diseñadores graficos y arquitectos, que complementan la parte teorica del proyecto. Entre historias singulares e investigaciones complejas, los ensayos tratan sobre nuevas tecnologias, arte contemporaneo, migraciones y desarrollos de ciudades, innovaciones en la construccion, libertad de expresion y urbanismo utopico.

Katarina ZdjelarCon más de una vozCatálogo de la exposición Katarina Zdjelar. Con más de una voz, editado por ARTIUM de Álava.Lenguaje y voz son las herramientas principales utilizadas por Katarina Zdjelar en su corpus artistico, que se configura como material de investigacion, pero tambien como medio de orientacion dentro del examen al que somete la sociedad contemporanea. Por ello, es en el lenguaje donde convergen nociones como identidad, autoridad o comunidad, y a traves de el, por su funcion normativa y su potencial imaginativo, toma protagonismo la (no) asimilacion del individuo en contextos sociales y en ocasiones foraneos.

Ignacio LLamasFisuras Catálogo de la exposición Fisuras de Ignacio Llamas que tuvo lugar del 28 de diciembre de 2012 al 5 de mayo de 2013 en las salas 3, 4 y 5 del Museo Patio Herreriano."...unas pequeñas aberturas por las que deslizar la mirada hacia su interior. La vista se dirige, guiada por su instinto, hacia la luz pero en su camino encuentra obstaculos, elementos abandonados que disturban la limpieza del lugar. No obstante, la atmosfera que se crea, envuelta por un sonido evocador, nos atrapa casi sin quererlo y los objetos alli depositados dejan de estorbar disueltos en esta atmosfera, que los transforma, haciendolos esenciales para la obra.Se trata de permitir al espectador asomarse por un instante a su propia alma y de escuchar el sonido interior que esta genera, de reconocer la luz existente en ella y de asumir sus penumbras y oscuridades."

Ray Smith. Tras una muerte exquisita (dibujos, una retrospectiva)se articula como un espacio de pliegues, dobleces, bordes, escondrijos o bifurcaciones entre las que un autor se reinventa, frente o desde una manera germinal, absurda, ofensiva, ensoñada, romantica o grotesca, tal cual se enfrenta a las posibilidades casi infinitas de producir historias dibujadas. Ya que Ray Smith entiende el dibujo no como una herramienta de investigacion que le aboceta obras futuras, es decir, como lenguaje del pensamiento analitico que busca una idea; para Smith, el dibujo en si es la idea, dibujar es ya un acto ideologico que genera una velocidad mental que tiene sus propias reglas en dialogo con los soportes donde se aplica. El dibujo en el, es asi obra final, no "obra intermedia"; pues Ray halla la grandeza del dibujo con gran facilidad, como quien ejercita una escritura japonesa, o como un ejercicio cartelistico del pasado -como revival-, de un tiempo que ha de regresar. He aqui la obra de uno de los dibujantes mas extraordinarios que ha dado la segunda mitad del siglo XX... que en cada muerte simbolica que su obra experimenta, su vida real renace, esta vez re-vitalizado como un boxeador, una bailarina de cabaret, un pirata, una seductora bruja, o un amante insaciable.

La nueva Editorial Los Sentidos afronta un nuevo proyecto que, creemos, será de utilidad par ayudar a la comprensión de la obra de artistas contemporáneos.En su primera colección, la cara oculta, contempla, basicamente, la publicacion de obras exclusivamente literarias de artistas plasticos que de una manera u otra escriben, ya sea sobre su obra o sobre el mundo que les rodea; textos criticos o de ficcion que hasta ahora han permanecido en carpetas esperando ver la luz. Libros que conformaran una coleccion que se ira enriqueciendo al cabo de los años y que estamos seguros significaran una referencia en un campo hasta ahora poco explorado.Como un jardinero de fina mirada, Guillermo P. Villalta va desbrozando la Historia del Arte y siempre haciendo de la misma una lectura personal e incluso marginal, en su sentido mas comprometido. Con estas reflexiones sobre el Rococo, Guillermo P. Villalta lo reivindica como un autentico movimiento artistico en si y no como lo que siempre se considero: un subestilo del Barroco evidenciando, con el mas puro sentido del humor, que este movimiento no solo pertenece a un tiempo en la Historia sino que es una constante en todas las epocas