Cuando en 1966 algunos pretendieron celebrar un entierro —el fin del surrealismo con la muerte de Breton— brotó una semilla al otro lado del océano, y muestra del vigoroso árbol que creció es esta sucinta pero escogida compilación del pensamiento y la actividad del Grupo Surrealista de Chicago. El conjunto de estos textos es representativo de una actividad revolucionaria que ha atacado sin tregua el urbanismo penitenciario, la ideología de los zoos, la Organización Mundial del Comercio, la cultura rancia y elitista, el fetichismo de la mercancía representado en el arte de Warhol y la acomodación al estado encarnada en el «viejo» y estalinista Picasso. Pero también el Grupo Surrealista de Chicago ha hecho una crítica radical del racismo, del patriarcado... en definitiva de la autoridad. Y siempre con la ayuda del «umor», de la experimentación, del juego y del amor. En perpetua compañía de Bugs Bunny y sus «cómplices populares», del blues y de los «inspirados del borde de las autopistas del pensamiento y la imaginación creadora», los componentes del Movimiento Surrealista en los Estados Unidos han redactado las volantinas más hilarantes, cáusticas e incendiarias y han escrito los análisis más lúcidos de los acontecimientos, llegando a su cenit en el análisis y la defensa de la Revuelta de Los Ángeles de 1992. Los textos incluidos en ¿Qué hay de nuevo, viejo? —dispuestos de modo cronológico para tener una visión más clara de la naturaleza emocional e intelectual, poética y política de esta particular aventura— nos acercan a una de tantas realidades norteamericanas que constantemente son ignoradas en Europa. De alguna manera, de estos textos se destila una de las otras historias de los EE.UU.

Amantes del arte, escepticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Que es el arte moderno? ¿Por que se ama o se odia? ¿Y por que es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guia que cambiara para siempre la manera en que miramos el arte contemporaneo. Desde los nenufares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detras de las obras, las personas que hay detras de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escepticos como a convencidos, ¿Que estas mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los ultimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anecdotas, Gompertz nos explica en que consiste la genialidad de Pollock o Cezanne, como un urinario cambio el curso de la historia o por que nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haria igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y pre

Desde una perspectiva histórica, el autor ofrece respuestas convincentes a toda una serie de cuestiones que sirven para desmenuzar el papel de los artistas, el mercado, los críticos de arte, las instituciones, etc.¿Quién puede decir qué cuenta como arte contemporáneo? ¿Artistas, críticos, curadores, marchantes, el propio público? De este modo construye una definición multifacética y consistente que sortea la afirmación simplista de lo que se produce en la actualidad. Para ello explora las principales corrientes en cuestión: el regreso al modernismo en artistas como Richard Serra, o el retrosensacionalismo de otros como Damien Hirst y Takashi Murakami; el modo en que artistas poscoloniales se ocupan de temas como la identidad, la historia y la globalización, etc. Analiza también la postura de los museos,las galerías y las casas de subasta en relación con las tendencias artísticas actuales, revelando el papel que han ocupado en la redefinición de la noción de valor artístico.

Cofundador con Piet Mondrian del neoplasticismo de De Stijl, el holandés Theo van Doesburg fue también un destacado exponente del dadaísmo, movimiento al que dio a co

Pop Art, Minimal Art, hiperrealismo... El arte moderno, desde la brecha abierta por Marcel Duchamp, parece explorar sus propios límites y adminitir lo inaudito. Desde el primer ARCO celebrado en Madrid en al decada de los ochent, un riguroso analisis de al evolucion de la plastica, y la oportunidad de comprender el sentido de las obras que, sean arte efimero o cultura basura, no hacen mas que echar por tierra las nociones tradicionales de pintura y escultura. Para entendidos y para quienes aspirar a entender.

Catálogo de la exposición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, presentando las obras de las hermanas Claudia y Julia Müller.

Ground coge por los cuernos el toro del shock del arte contemporáneo plateando, en el nivel de la reflexión filosófica, aquellas preguntas «groseras» que parecían confinadas en la respuesta del hombr

La propuesta del pabellón de España en la Bienal Internacional de Arte de Venecia es un proyecto rico en matices y referencias que une video, escultura y arquitectura.

La publicación, elaborada por Deloitte, IESE, Carat y MediaHotLine, es el principal repertorio estadístico, interpreativo y analítico de la prensa diaria en España. Los datos que trae esta edición nos hablan de una subida en la publicidad en prensa digital del 10%, representando el 12,6% del total; y una bajada en la difusión de las ediciones tradicionales de un 4,4% en el primer semestre de este año.

Esta catálogo de una ambiciosa exposición presentada en el Museo de Arte de Montreal, nos presenta de forma cronológica la síntesis realizada por los artistas cubanos a partir de su herencia barroca y académica, sus raíces hispanas y africanas, y su espiritualidad católica y tradicional para conseguir una identidad nacional," la cubanidad" que ahora, por primera vez, reúne sus obras más significativas en este libro.

A miles de kilómetros se escribió una narración hasta ahora desconocida del arte español contemporáneo. En la ciudad de Pittsburgh (Pensilvania) el mogul de la industria del acero, Andrew Carnegie, decidio financiar desde 1896 un sistema de acceso a la cultura para el pueblo americano, que incluia un museo y, de forma periodica, una exposicion donde se enseñara lo mejor del arte occidental: las Internacionales. El arte español fue protagonista en muchas de estas ediciones, con el exito de Zuloaga, Anglada Camarasa, Picasso, Dali, Miro, Solana, Caviedes, Tapies, Canogar, Feito, Saura, Rivera, Chillida, Susana Solano, Juan Muñoz o Cristina Iglesias, entre otros. Este libro analiza la trayectoria de mas de un centenar de artistas españoles, asi como su recepcion en los media y en el sistema de galerias y museos estadounidenses. Fue un proceso que culmino con la plena integracion de nuestro arte en la escena internacional, superando por fin los topicos y complejos del pasado.

Pocos acontecimientos históricos tuvieron una capacidad de determinación tan fuerte sobre la trayectoria de las primeras vanguardias artísticas como la guerra de 1914. El período inmediatamente anterior al estallido de la guerra coincidió con el de máxima vitalidad de los movimientos de vanguardia, en cuya voluntad de insurrección se anticipaba la militancia belicista por la que se pronunció una mayoría de los artífices del arte nuevo cuando se desató la contienda. Por otro lado, la experiencia de la guerra incidió poderosamente sobre el trabajo de los artistas, no ya sólo como tema de sus obras, sino igualmente como realidad que ponía de relieve contradicciones internas en el ideario de la modernidad del que participaban sus obras. La exposición contempla el desarrollo del arte nuevo internacional en el período que transcurre entre 1913 y 1919 aproximadamente y establece una lectura para su interpretación cuyas pautas vienen dadas por la guerra como circunstante de la cultura. Trata, entre otros asuntos, la misión profética que asume el arte de vanguardia en relación a los acontecimientos que van a determinar su crisis, la capacidad que los nuevos lenguajes descubren para convertir sus representaciones en divisa visual del belicismo, las diversas derivaciones de una escritura apocalíptica que emerge y muere en ese período, así como la posición de denuncia ante el disparate de la contienda que asumen algunos artistas.

Edición de tapa dura.