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Lejos de la estética de la máquina y la velocidad promulgada por Marinetti, el concepto de futurismo que Umberto Boccioni manifiesta en su obra se fundamenta en la emoción, que es lo que da la medida, frena el analisis, legitima el arbitrio y crea el dinamismo. A traves de sus creaciones, el artista debe ser capaz de comunicar la emocion que suscita en el un especifico estado de animo plastico; debe insuflar vida al arte, alejarlo del estilo museistico y sacralizador que convierte la tradicion en un fardo fardo embarazosa, contagiarlo de esntusiasmo, de confianza en el futuro.

Una bruja es una entidad diferente según la perspectiva historica, cultural y religiosa de quien la nombra, designa, define o recrea. La brujeria en su realidad histórica y la bruja en su dimensión mitica han supuesto un tema fundamental en la creacion artistica en general y en la produccion audiovisual en particular

DEL FAUVISMO AL SURREALISMO es un libro del autor VARIOS AUTORES editado por LA FABRICA EDITORIAL. DEL FAUVISMO AL SURREALISMO tiene un código de ISBN 978-84-17769-98-7, de la colección PANORAMA DE N

El presente volumen conforma la primera historia del rostro, con un enfoque en el que se dan cita la Historia del arte, la Antropología, la Psicología o las Neurociencias, entre otras disciplinas. Una historia que comienza con las primeras mascaras de la Prehistoria y termina con los rostros que producen los medios digitales. En las mascaras teatrales y en la gestualidad de los actores, en el retrato europeo y en la fotografia, en el cine y en el arte actual, el lector podra descubrir los multiples intentos que se han hecho para apoderarse de ese rostro vivo, asi como su permanente frustracion, pues al final esa vida se resiste a toda norma de representacion e interpretacion.

La modernidad fue un territorio intelectual que nos llevó a un nuevo orden del mundo en el que Oriente desempeñó un papel muy activo. Tanto que tuvo que inventar el llamado Orientalismo como instrumento para que Occidente lo entendiese y, de paso, comprender sus propios dilemas y ensoñaciones. A raiz del conocido libro de Edward Said, Orientalismo (1978) se pretendio sacar el Orientalismo del campo erudito para dar una vision clarificadora y realista de lo que supuso Oriente para Occidente y viceversa En ese fenomeno, Estados Unidos, como pais moderno por antonomasia, jugo un papel muy relevante, siendo a traves de su arte donde se puede ver como las ideas y culturas del Extremo Oriente se fueron introduciendo de una manera muy particular en la nueva civilizacion que seguimos construyendo constantemente, donde esas fronteras de han disuelto transformandose en mares por los que navegamos cotidianamente. El autor de este libro pretende fijar la atencion sobre como fueron recibidos y asimilados los contenidos de las culturas del Extremo Oriente por parte de los artistas norteamericanos.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía que muestra la evolución como fotógrafo de Alfred Stieglitz, así como la obra de aquellos fotógrafos pictorialistas contemporaneos suyos, la de aquellos otros que bajo su influencia renuevan las tendencias de la fotografia americana y, ademas, la de los artistas de otras especialidades que expusieron en la mitica galeria 291.

En 1893 una joven francesa comenzó a escribir un diario que mantendría durante toda su adolescencia. ÓSiempre he querido llevar uno", señalaba con determinación, Óasí que creo que voy a empezar

Exposición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza del 11 de octubre de 2022 al 15 de enero de 2023 Pablo Picasso y Gabrielle Chanel trabajaron juntos en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antigona (1922) y en Le Train Bleu (1924) de Serge Diaghilev para sus Ballets Rusos. El artista y la diseñadora de moda se conocieron en la primavera de 1917, probablemente a traves de Cocteau o Misia Sert, y Chanel entablo una estrecha y duradera amistad con ambos, que la introdujeron en el circulo de Picasso. Se relaciono con el artista y su esposa en una epoca en la que el participaba activamente en la compañia de Diaghilev. Chanel se asocio estrechamente con el mundo artistico e intelectual parisino de la epoca, hasta el punto de declarar que "son los artistas los que me han enseñado a ser exigente".Uniendo de nuevo arte y moda, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una exposicion que explora la relacion entre estos dos genios de la creacion del siglo XX. Estructurada en cuatro secciones principales, sigue un orden cronologico que abarca aproximadamente la decada entre 1915 y 1925.El estilo Chanel y el cubismo revela la influencia de este movimiento artistico en las creaciones de Chanel desde sus primeros e innovadores diseños: su uso de un lenguaje formal geometrico, la contencion cromatica y la estetica cubista del collage, expresada en prendas de lineas rectas y angulosas; su preferencia por el negro, el blanco y el beige; y su uso de tejidos economicos con texturas austeras. La segunda seccion, titulada Olga Picasso, se centra en los numerosos y hermosos retratos que Picasso hizo de su primera esposa, la bailarina rusa Olga Khokhlova, que fue una de las clientas mas fieles de Chanel. Junto a estas obras se muestran varios conjuntos de la primera epoca del diseñador, de los que sobreviven pocos ejemplos. Antigona, adaptacion moderna de Cocteau de la obra de Sofocles, se estreno en Paris en 1922 con decorados y mascaras de Picasso y vestuario de Chanel, ambos inspirados en la Grecia clasica, como revela esta seccion. Le Train Bleu es el titulo de la cuarta seccion y del ballet creado por Diaghilev en 1924 con un escenario de Cocteau, inspirado en los Juegos Olimpicos, el jazz y el cine mudo. Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diaghilev encontro en el estudiode Picasso, se transformo en la imagen de la tela frontal de la obra y el artista tambien acepto el encargo de ilustrar el programa. Por su parte, Chanel utilizo su coleccion de ropa deportiva de esa temporada para el vestuario de las bailarinas

La construcción del Seminario de Comillas (1883-1893) constituye una espectacular manifestación tardía y adaptada al medio español de lo que en el ámbito europeo se conoció como el movimiento del «Ar

Malcolm Miles, Miles MalcolmBecause public art suffers from falling between the realms of art and urban planning, it has been neglected in debates both on contemporary art and the future of cities. Art, Space and the City focuses on two roles for art: as decoration within revisioned urban design and as a social process of criticism. Malcolm Miles applies a range of critical perspectives which have emerged from art criticism, urban design, urban sociology, geography and critical theoryto examine the practice of art for urban public spaces, and asks the artworld how it might contribute to the urban future. Drawing on a wealth of images and examples, including New York, Seattle, London and Tokyo, the author questions the effectiveness of public art in achieving more convivial urban environments, while retaining the idea that imagining the urban future is as much part of a democratic society as using public space. Exploring the diversity of the roles of professionals and users in the construction of the city, thegendering of space and the ways in which space and citizen are represented, Miles explains how these issues are as relevant to architecture, urban design and planning as they are to public art. After three decades of public art as an often marginalized area within the practice of art, this is the only book to take stock of what it has become and what the future holds for it in the urban setting.

Published to accompany a groundbreaking exhibition of film and video works at Tate Modern, "Time Zones explores questions about the nature of time and the way it is perceived in modern culture. The international selection of artists featured in the book, including Fkret Atay, Yael Bartana, Jeroen de Rijke, Wllem de Rooij, Wolfgang Staehle, and Fiona Tan, all make the passage of time a central feature of their work. Essays by Tate curators Jessica Morgan and Gregor Muir offer insights into the individual artists.

An appraisal of the full range of accomplishments of this internationally popular contemporary artist.

Lorna Simpson es una artista multimedia, quizás más conocida por su aproximación precursora a la fotografía como arte conceptual. En el año 1993, fue la primera mujer afroamericana en exponer en la Biennale de Venecia y en terne una exposicion en solitario en el Museo de Modern Art de Nueva York. Este libro recoge la carrera de la artista en su totalidad, desde sus primeras obras hasta sus trabajos mas recientes, mostrandonos con detalle el camino que Lorna Simpson ha recorrido hasta ser aclamada por la critica internacional y alcanzar el estrellato en el mundo del arte. La primera edicion fue en 2002 y esta agotada. Este libro ha sido concebido enteramente nuevo. Las obras de Simpson nos devuelven nuestra mirada con seguridad en si mismas, a pesar de las tormentas que se ciernen en sus alrededores. Nos ofrecen nuevas maneras de ver en la oscuridad Frieze

Una historia inedita de l'art emergent i de les noves generacions d'artistes nascuts entre els vuitanta i els noranta.Malgrat ser una tipologia artística imprescindible per entendre l'art contemporani a Catalunya, no s'ha publicat fins ara cap assaig que, amb una perspectiva amplia i rigorosa, n'escrigui la historia. Aquest llibre suposa una revisio particular de l'art emergent catala, tot basant-se en una lectura del context artistic narrada a traves dels moviments (els viatges) i les permanencies en el territori (les collites) dels i les artistes que inicien i busquen consolidar les seves trajectories des de Catalunya.La publicacio es desplega en dues parts complementaries. Per una banda, una analisi de l'ecosistema de les arts emergents a Catalunya: convocatories, centres d'art, galeries, etc. I per l'altra, una suma de veus protagonistes, una llista d'artistes que, des de diferents disciplines, sustenten una tipologia d'art vigorossament vigent.