Libros de Arte contemporáneo, página 2 de 166

Carl Einstein fue el primero en escribir sobre las claves formales del arte negro? ?y sobre el alcance revolucionario del cubismo. Las obras y los planteamientos estéticos de Picasso, Braque, Gris, Klee, Leger, Kisling, Schlichter, Dix, Grosz, Beckmann, Masson, Arp o Miro son analizados en estos textos con extraordinaria lucidez desde la siempre espinosa contemporaneidad. Los escritos que recoge este volumen constituyen un documento clave de primera mano para ahondar en la epoca vertiginosa de las vanguardias, en la que el arte tambien era una revolucion.

Manual de texto, para la asignatura de Historia del Arte Contemporáneo: Siglo XX del Grado en Historia del Arte.

Este diccionario, realizado con la colaboración de numerosos especialistas (historiadores, críticos de arte, artistas, profesores), reúne una extensa y profusa información sobre las numerosas corrientes que atravesaron el arte desde 1945 hasta nuestros dias. Concebido como una herramienta critica, pretende ayudar al lector a comprender las transformaciones de la escena artistica contemporanea y alentar la reflexion y la discusion. La obra se compone de tres partes: * Grupos y movimientos: entradas analiticas, clasificadas alfabeticamente, situan a cada grupo, a cada movimiento, historica y culturalmente, se especifican su compromiso, sus ideas y las exposiciones fundadoras * Problematicas: esta parte procura identificar las tendencias consolidadas en los años 90 y describir los nuevos ''espacios que el arte de hoy se apropia * Un lexico en el que se reunen y definen los conceptos que recorren y fundan las practicas artisticas contemporaneas

El juicio valorativo que tenemos de la pintura decimonónica ciertamente se nos muestra poco halagador, por no decir excesivamente peyorativo y, cuanto mentos, visión despectiva y excluyente. Pero a pesar de todas estas criticas, unas, pensamos, en algunos aspectos acertadamente justificadas y, otras, llevadas desmesuradamente en su apreciacion por una serie de prejuicios que terminaron por no adentrarse mas alla de lo que supuestamente se percibia en la mera epidermis de su estetica, su interes e importancia por el discurso pictorico del XIX, que duda cabe, ha empezado ya en estos ultimos años a ser reconsiderado en su justa valoracion. No obstante, y para ser justos, hemos de decir que el primer aviso ante tan infundadas criticas hacia la pintura decimononica ya habia sido dado a mediados de los años cuarenta del pasado siglo por voz de D. Emiliano M. Aguilera.

Juan Pérez Agirregoikoa (San Sebastián, 1963) utiliza en muchas de sus obras la ironía, el sarcasmo y el humor para enfrentarse a su propia posición dentro de ese sistema que se ha calificado como "artistico" y dejar en evidencia cuales son sus estrategias.La narracion de The Muntadas Syndrome es una acida reflexion sobre lo que se considera ser "un artista de exito" hoy. El apellido de uno de los artistas españoles mas reconocidos -podria ser cualquier otro- y que ha sido pensado como epitome de la internacionalizacion, sinonimo de triunfo para muchos y aspiracion obsesiva para otros, da nombre no solo al libro sino tambien a un conjunto de sintomas que determinaria lo que para algunos puede llegar a ser una enfermedad terminal: el exito o, mejor, lo que algunos conciben como el exito en un sistema en el que la inauguracion parece dominar sobre la exposicion; la habilidad social puede primar sobre la calidad de las obras; la marca -facil y rapidamente reconocible- y la produccion veloz, espectacular e irreflexiva -determinada por una necesidad de exclusividad y novedad- tienden a prevalecer sobre la investigacion continuada y en profundidad.The Muntadas Syndrome utiliza, para poner en cuestion este sistema y evidenciar los sintomas de la enfermedad, los recursos de la parodia -la reiteracion, la inversion, lo equivoco, la literalidad, la inclusion de lo extraño y la exageracion- en el relato de lo que seria el dia a dia de uno de esos artistas -seguramente el propio Perez Agirregoikoa- que son calificados como exitosos: un artista que habita en las nubes y no pone nunca un pie en tierra, cuya cotidianidad transcurre entre aviones y habitaciones de hotel, cuyo tiempo se divide entre fiestas en museos y resacas en las salas de espera de los aeropuertos, y cuyo mas importante instrumento de trabajo es el i-phone o la black berry.

Abierto al público en 1819, el Museo del Prado no es sólo en sí un producto romántico, sino que el esplendor de la Escuela Española, cobijada en dicha institución y, antes de fundación de ésta, apenas conocida y valorada allende nuestras fronteras, fue asimismo un descubrimiento aireado por los romanticos europeos. En esta misma linea, es significativo que dos de los directores mas ilustres que rigieron el destino del Museo del Prado durante el siglo XIX, los pintores Jose de Madrazo y Agudo y su hijo Federico de Madrazo y Kuntz, fueran respectivamente discipulos de Jacques-Louis David y de Ingres. Tampoco se puede obviar que el, sin duda, mas influyente pintor español de nuestra epoca, Francisco de Goya, fallecido nueve años despues de inaugurarse el Museo del Prado, mostrase su obra en esta institucion desde su origen. Este nuevo tomo de la Fundacion Amigos del Museo del Prado pretende relacionar estrechamente el arte romantico realizado dentro y fuera de España, ademas de profundizar en todos los debates esteticos, artisticos, culturales y sociales que surgieron durante la feraz e intensa era romantica, contando para ello con la colaboracion de los mejores especialistas de todo el mundo en dichas materias.

Bob Peak, Mick Wiggins, A greve, Marc Boutavant, Agostino Iacurci, Tom Gauld, The Lost Thing, Eleftheria Alexandri, Txus Marcano, Alessandro Gottardo, The Bridge, Eduardo Bertone, Jaume Osman, Mauro Entrialgo, J. Joaquín Rodríguez.

Este libro presenta algunas de las más importantes exposiciones colectivas de arte caribeño contemporáneo de las últimas dos décadas.

Con textos del comisario de la exposición Javier Lacruz Navas, este catálogo aborda la trayectoria conjunta de los pintores Jordi Ballester y Joan Cardells, miembros del Equipo Realidad, cuya andadura pictorica comenzo en febrero de 1966 y culmino en 1976. Los cuadros “Entierro del estudiante Orgaz” y “Recepcion oficial”, presentes en esta exposicion, balizan el comienzo y final de la trayectoria conjunta dentro de la corriente valenciana de la Cronica de la Realidad, creada por Vicente Aguilera Cerni y animada por Tomas Llorens. Una tendencia inscrita dentro del realismo critico surgido en España a mediados de la decada de los años sesenta, como reaccion al agotamiento de la pintura informalista y deudora de las corrientes renovadoras europeas y norteamericana: la figuracion narrativa francesa con Eduardo Arroyo y el pop anglosajon encumbrado por Andy Warhol.

Este libro recoge un relevante estudio sobre la obra de David Hockney, y ofrece una nueva definición del artista como un destacado paisajista, presentando por primera vez su trabajo más reciente: pinturas, dibujos a carboncillo, dibujos con iPad y fotogramas de piezas videograficas, muchos de ellos ineditos.Esta publicacion aspira a convertirse en un punto de referencia ineludible y confirma la posicion de Hockney como uno de los artistas mas importantes de su generacion.David Hockney. Una vision mas amplia recoge el trabajo que el artista ha desarrollado en los ultimos diez años que ha residido en Yorkshire, rodeado de los recuerdos de su infancia. Las obras que ha creado en este periodo, expresan el drama y el esplendor de la naturaleza, un tema que Hockney ha sabido abordar con una vision moderna y vital, y que a menudo evidencia su interes por la fotografia y la tecnologia digital; en este libro se analizan algunas obras espectaculares realizadas con ayuda de estas tecnicas.Los ensayos que acompañan a esta publicacion, examinan esta nueva vertiente del artista y la situan en el contexto de los sesenta años de carrera artistica de Hockney, explorando el lugar del pintor dentro de la tradicion paisajistica y el papel de las nuevas tecnologias en su obra. Ademas, se recogen reflexiones del propio artista sobre sus creaciones mas recientes.

Catálogo de exposición en La Casa Encendida (Madrid). Conocido sobre todo por su faceta como músico y su particular biografía, Daniel Johnston firma una obra gráfica recorrida por sus obsesiones, pasiones, simbolos y angustias vitales, a menudo conectadas con sus problemas psicologicos.

Aquest catàleg recull les pintures i gravats de l''exposició "Junts", que va oferir una visió simultània de l''obra artística creada per Manolo Gil i Jacinta Gil. Així la mostra es centra en el perío

El país norteamericano fue, junto a Francia, el gran escenario de las historias de arte vanguardista que se narran en el presente libro. Desde 1910 aproximadamente, el público y la crítica estadounidenses tuvieron que posicionarse ante la avalancha de obras de arte europeas que no dejaban de llegar y a menudo llevaban las firmas de Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró. Después de varios años investigando sobre el tema la información que ofrece este libro contribuirá a entender mejor cómo se fue fraguando el desembarco y triunfo de esos tres artistas universales. El ensayo analiza también cómo fue variando la fortuna crítica de los tres protagonistas a lo largo de las décadas siguientes, hasta los años setenta cuando ya no eran símbolos de radicalidad plástica sino venerables iconos de la historia del arte moderno.

Xilitla es la película que la artista visual Melanie Smith presentó en la 54 Bienal de Venecia en 2011. Se trata de una pieza en la que se mezclan medios tan dispares como el vídeo y la pintura. Smith realizo en ella un "desmantelamiento" del encuadre mediante juegos conceptuales en torno a la repeticion y la diferencia, desplazando su produccion desde la practica de la pintura como medio potencial para "desencuadrar el encuadre".

By challenging the institution of art contemporary art forces us to turn the critical enterprise back on itself. How do we judge aesthetic objects, and why?Proceedings of the international symposium directed by Professor Juliane Rebentisch in May-June 2012, organized by the Jorge Oteiza Chair in collaboration with Fundacion Mapfre.