Libros de Arte contemporáneo, página 2 de 167

Programada para conmemorar el centenario del nacimiento de José Guerrero (Granada, 1914- Barcelona, 1991) esta exposición es la primera inmersión monográfica en los años americanos del pintor, los que mas determinantemente marcaron su camino. La exposicion se inicia con sus primeras incursiones en la abstraccion a traves de los grabados y los experimentales frescos portatiles en los inicios de la decada de los 50 (que revelan a un pintor muy interesado en las posibilidades de la integracion de la pintura en la arquitectura); continua con su posterior y plena integracion en el expresionismo abstracto americano mediada la decada, y finaliza en el momento del reencuentro con su memoria española y el regreso a su pais de origen en 1965.Componen la muestra mas de cien obras: pinturas, grabados, dibujos y algunos de los frescos portatiles en los que Guerrero experimento con materiales diversos, como parte de un proceso de investigacion sobre la relacion entre pintura y arquitectura.Se exhibe asimismo un importante conjunto documental que incluye catalogos, fotografias, documentos y escritos de Jose Guerrero.

Según muchos historiadores del arte, la aventura del arte moderno surgió en la década de 1870 en París, cuando un grupo de artistas, los impresionistas, empezaron a pintar con pinceladas rápidas e imprecisas. En vez de ampulosas escenas heroicas, retrataban la vida cotidiana y huian de la influencia del circulo tradicional de galeristas organizando sus propias exposiciones. Una vez superados los principios academicistas, nada les podia detener. En un constante deseo de desafiar, innovar e inspirar, los nuevos estilos artisticos se fueron sucediendo: simbolismo, expresionismo, futurismo, dadaismo, arte abstracto, realismo renovado, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art, arte minimalista y arte conceptual. Este compendio imprescindible ilustra la energia incontenible del arte moderno (desde 1870 a 2000) a traves del analisis introductorio y la enumeracion, año a año, de las mas revolucionarias obras de arte, aquellas que, rompiendo barreras, pusieron en jaque a los canones establecidos. Con descripciones detalladas de las obras y sus artistas y reseñas sobre los movimientos mas relevantes e influyentes.

Fue una escena de un puerto moteada y borrosa la que dio nombre al estilo. Cuando Impression, Sunrise (Impresión, Sol naciente), de Claude Monet, se expuso en abril de 1874, la crítica aprovechó el titulo de la obra y su representacion estilistica imprecisa de la luz y el movimiento en el agua para ridiculizar esta nueva tendencia artistica impresionista. Como ha sucedido con muchos movimientos artisticos trascendentales a lo largo de la historia, la critica recibio su merecido. Hoy en dia, el impresionismo es uno de los firmes candidatos a ser el periodo pictorico favorito en todo el mundo. Con exposiciones taquilleras, subastas astronomicas y museos abarrotados, aquellas obras que se arrinconaron porque se consideraban incompletas o imprecisas hoy son apreciadas por su modo de evocar el tiempo y el espacio, asi como por la habilidad artistica de aplicar pinceladas rapidas en el lienzo. Pese a su popularidad y la enorme cantidad de libros publicados sobre el tema, aun quedan muchos aspectos y artistas por descubrir. TASCHEN se ha propuesto llenar este hueco poniendo en valor artistas injustamente olvidados como Berthe Morisot, Lucien Pissarro y Gustave Caillebotte, ademas de explorar las caracteristicas del impresionismo, desde la pintura al aire libre hasta los llamativos contrastes cromaticos, no solo en su Francia natal sino en el resto de Europa y en Norteamerica.

Desde la historia personal de la artista hasta su práctica, este septimo volumen de la colección Conversaciones/ Conversations presenta un valioso diálogo entre la artista argentina Liliana Porter y la curadora Ines Katzenstein e incluye un ensayo introductorio de Gregory Volk. Porter describe con claridad y humor las formas en que su trabajo mezcla lo real con lo representacional en mini-dramas, a menudo hipoteticos pero convincentes, usando objetos kitsch producidos en masa que provocan tanto nuestra compasion como nuestra risa.

Retrospectiva de las imágenes utilizadas en las actividades de promoción del libro y la lectura que comenzaron a realizarse en nuestro país desde los años 30 del siglo pasado hasta la actualidad. Estas iniciativas partieron inicialmente del Instituto Nacional del Libro Español, y despues de su desaparicion en 1986, del Ministerio o Secretaria de Estado de Cultura. Las mas importantes fueron: la Feria del Libro de Madrid, diversas exposiciones bibliograficas, el Dia del Libro, y las distintas c

Ray Smith. Tras una muerte exquisita (dibujos, una retrospectiva)se articula como un espacio de pliegues, dobleces, bordes, escondrijos o bifurcaciones entre las que un autor se reinventa, frente o desde una manera germinal, absurda, ofensiva, ensoñada, romantica o grotesca, tal cual se enfrenta a las posibilidades casi infinitas de producir historias dibujadas. Ya que Ray Smith entiende el dibujo no como una herramienta de investigacion que le aboceta obras futuras, es decir, como lenguaje del pensamiento analitico que busca una idea; para Smith, el dibujo en si es la idea, dibujar es ya un acto ideologico que genera una velocidad mental que tiene sus propias reglas en dialogo con los soportes donde se aplica. El dibujo en el, es asi obra final, no "obra intermedia"; pues Ray halla la grandeza del dibujo con gran facilidad, como quien ejercita una escritura japonesa, o como un ejercicio cartelistico del pasado -como revival-, de un tiempo que ha de regresar. He aqui la obra de uno de los dibujantes mas extraordinarios que ha dado la segunda mitad del siglo XX... que en cada muerte simbolica que su obra experimenta, su vida real renace, esta vez re-vitalizado como un boxeador, una bailarina de cabaret, un pirata, una seductora bruja, o un amante insaciable.

Ignacio LLamasFisuras Catálogo de la exposición Fisuras de Ignacio Llamas que tuvo lugar del 28 de diciembre de 2012 al 5 de mayo de 2013 en las salas 3, 4 y 5 del Museo Patio Herreriano."...unas pequeñas aberturas por las que deslizar la mirada hacia su interior. La vista se dirige, guiada por su instinto, hacia la luz pero en su camino encuentra obstaculos, elementos abandonados que disturban la limpieza del lugar. No obstante, la atmosfera que se crea, envuelta por un sonido evocador, nos atrapa casi sin quererlo y los objetos alli depositados dejan de estorbar disueltos en esta atmosfera, que los transforma, haciendolos esenciales para la obra.Se trata de permitir al espectador asomarse por un instante a su propia alma y de escuchar el sonido interior que esta genera, de reconocer la luz existente en ella y de asumir sus penumbras y oscuridades."

Historia(s) incomparable(s) Himnos, callejones y astillasKoldo Mitxelena Kulturunea presenta Historias incomparables, una exposición colectiva comisariada por Haizea Barcenilla que, tomando como punto de partida los acontecimientos ocurridos en San Sebastian en 1813, nos hace reflexionar sobre conceptos como la historia y sus interpretaciones, la memoria, el archivo o las conmemoraciones. La muestra se enmarca dentro de las exposiciones y actividades culturales que estan teniendo lugar en San Sebastian con motivo de la celebracion del bicentenario del sitio, incendio y reconstruccion de la ciudad.Historias incomparables esta concebida desde la tesis de que la Historia no es una y unica, sino que esta formada por una multitud de sucesos casuales, experiencias personales, tradiciones orales, procesos imposibles de concretar en fechas exactas, documentos creados a proposito, vestigios dejados sin querer o imagenes mentales que unen a una sociedad. En esta exposicion, esta vision desbordante e imprecisa de la Historia la convierte en una multitud de historias incomparables.La muestra, en la que se pueden ver instalaciones, videos, fotografias y series de dibujos, esta compuesta por cuatro obras de nueva creacion, encargadas ex profeso para la ocasion y por nueve obras ya existentes que han sido prestadas por sus autores.En palabras de la comisaria, "al contrario que los soldados, los artistas no representan a una nacion: han estudiado y vivido en diversos paises, y sus identidades son heterogeneas". Vincent Labaume, Juan Perez Agirregoikoa, Alex Reynolds y Tania da Fonte personifican esta realidad y nos trasladan su reflexion.

Katarina ZdjelarCon más de una vozCatálogo de la exposición Katarina Zdjelar. Con más de una voz, editado por ARTIUM de Álava.Lenguaje y voz son las herramientas principales utilizadas por Katarina Zdjelar en su corpus artistico, que se configura como material de investigacion, pero tambien como medio de orientacion dentro del examen al que somete la sociedad contemporanea. Por ello, es en el lenguaje donde convergen nociones como identidad, autoridad o comunidad, y a traves de el, por su funcion normativa y su potencial imaginativo, toma protagonismo la (no) asimilacion del individuo en contextos sociales y en ocasiones foraneos.

Desde una perspectiva histórica, el autor ofrece respuestas convincentes a toda una serie de cuestiones que sirven para desmenuzar el papel de los artistas, el mercado, los críticos de arte, las instituciones, etc.¿Quién puede decir qué cuenta como arte contemporáneo? ¿Artistas, críticos, curadores, marchantes, el propio público? De este modo construye una definición multifacética y consistente que sortea la afirmación simplista de lo que se produce en la actualidad. Para ello explora las principales corrientes en cuestión: el regreso al modernismo en artistas como Richard Serra, o el retrosensacionalismo de otros como Damien Hirst y Takashi Murakami; el modo en que artistas poscoloniales se ocupan de temas como la identidad, la historia y la globalización, etc. Analiza también la postura de los museos,las galerías y las casas de subasta en relación con las tendencias artísticas actuales, revelando el papel que han ocupado en la redefinición de la noción de valor artístico.

Guillermo Gómez-Peña. Homo Fronterizus: 1942 - 2020 es la primera exposición de carácter retrospectivo de este artista, intelectual y activista mexicano. Gómez-Peña es una de las figuras internacionales mas relevantes e influyentes en la disciplina artistica del performance de las ultimas decadas, asi como un destacado intelectual en la elaboracion de propuestas relacionadas con los territorios de las nuevas culturas fronterizas y mestizas contemporaneas. Las nuevas formas de cultura y de convivencia social y politica generadas por los procesos continuos de las migraciones de los pueblos, la irrupcion de las nuevas tecnologias y espacios de comunicacion, son territorios ineludibles de exploracion en su trabajo. Ampliamente critico hacia las fuertes contradicciones inherentes al sistema dominante globalizador neoliberal, su territorio de accion se situa en espacios experimentales, cross e interculturales dejando constancia del territorio del performance y del arte como espacios imprescindibles de accion en libertad. Su trabajo es ampliamente interdisciplinar, extendiendo su campo de accion a la literatura y el periodismo, videocreacion, fotografia, instalacion, radio, television, "spoken word", performance y teoria cultural, siendo la pedagogia artistica-performativa un aspecto igualmente fundamental en el conjunto de su trabajo. Como parte de su sistema hibrido intercultural y fronterizo, mezcla el ingles y el español, espanglish, junto a sus propias neo-lenguas de resonancias futo-primitivistas, generando espacios multilingues polisemicos de realidad y ficcion, espacios para un nuevo Homo Fronterizus. Este proyecto se plantea como una invitacion al espectador a adentrarse en el universo e imaginario de este artista e intelectual imprescindible mexicano, Guillermo Gomez-Peña, a traves de sus propuestas en video y foto-performance, instalacion interactiva y espacios sonoros, acompañado de objetos, textos y paneles didacticos. Un viaje para sentirse Homo Fronterizus que comienza en 1492 y que se expande en el Siglo XXI. Nacido en Mexico D.F. en 1955, estudia Filosofia y Letras y Filologia en la Universidad Autonoma de Mexico y en 1978 emigra a los Estados Unidos cuando es admitido en el Instituto de Artes de California, Cal Arts. Actualmente reside en San Francisco donde tiene su base de operaciones y dirige el colectivo de performance La Pocha Nostra del que es fundador y cuyos circulos concentricos de accion se extienden por los cinco continentes. Como escritor cuenta en su haber con mas de una decena de libros editados en ingles y español, y posee un extensisimo curriculum internacional con numerosos premios y reconocimientos como la MacArthur Fellowship, el American Book Award o el Pix de la Parole en el International Theather Festival of the Americas en Montreal.

Catálogo de la exposición "La invención concreta", que centra su atención en el desarrollo de la abstracción geométrica en Latinoamérica, abarcando un marco cronológico que se inicia en los años tre

El libro recoge el trabajo desarrollado por la artista Ana Soler entre los años 2009-12. Se catalogan obras pertenecientes a este periodo y se reflexiona conceptualmente sobre lo invisible de lo visible, recreandose en la metafora sobre la complejidad que dibuja el ambito cotidiano en relacion con el tiempo. Entornos privados que se transforman en contornos, rodeando, dislocando la temporalidad de lo ordinario.El proyecto On/Off. Causa-Efecto se centra en el otro lado de lo cotidiano, el lado impenetrable, el silencio del blanco que detiene la vida, la aparente vida, en el tiempo. Se establecen un orden de relaciones causa-efecto, donde los codigos y su aplicacion plantean consecuencias que distorsionan la realidad.

''On Minded Prints. On Prints Minded'' es, ante todo, un proyecto editorial con vocación comunicadora, didáctica y eminentemente divulgativa, que intenta aproximarse al significado de la obra gráfica, estudiada desde sus sentido mas amplio, en España durante los ultimos años del siglo XX y primera decada del tercer milenio. Trasladar, en definitiva, una manera de concebir el arte contemporaneo desde el prisma y la nomenclatura del arte grafico; un arte que redefine, en muchos casos, las estrategias de comercializacion y concepto de autoria tradicionales. Encontramos desde el conocimiento y experiencia en el arte grafico al uso e implementaciones contemporaneas radicalmente vanguardistas, hasta las manifestaciones mas underground, reivindicativas, contestatarias y formalmente marginales muy activas y representativas, pero alejadas del circuito museistico mas tradicional pasando por aproximaciones a partir de la creacion videografica, la instalacion multimedia o la escultura de gran formato. Todo ello, en definitiva, materializaciones de ese espiritu de imagen grafica intangible propugnada como paradigma desde el grupo dx5

Art and Queer Culture is a comprehensive and definitive survey of artworks that have constructed, contested or otherwise responded to alternative forms of sexuality.

A través de las más variadas poéticas, técnicas y disciplinas, en los últimos años un gran número de artistas han comenzado a reflexionar sobre la historia y la memoria actuando como si fueran virtuales historiadores: investigando, trabajando con documentos del pasado y promoviendo interpretaciones criticas del pasado a traves de una escritura visual y material realizada con imagenes y objetos. Este ensayo pretende identificar ese "giro de la historia" del arte contemporaneo y observar que detras de las distintas estrategias a traves de las cuales los artistas hacen visible el pasado -y que muchas veces se congregan en torno a la popular nocion de archivo- se encuentra una manera comun y compartida de entender el tiempo. Una percepcion del pasado que tiene mucho que ver con la concepcion de la historia desplegada por Walter Benjamin durante los años veinte y treinta del siglo XX. Partiendo de esa tesis Hernandez-Navarro esboza una breve cartografia de las "practicas de historia" en el arte contemporaneo y centra su analisis en el territorio español, un contexto donde la reflexion sobre los traumas del pasado reciente -la crueldad de la Guerra Civil, la violencia del franquismo o los olvidos de la Transicion- se ha convertido en uno de los problemas centrales para toda una generacion de artistas. En este ambito los trabajos de creadores como Francesc Abad, Jorge Barbi, Rogelio Lopez Cuenca, Fernando Sanchez Castillo, Monserrat Soto, Francesc Torres, Virginia Villaplana y muchos otros han ido poco a poco fraguando un campo de practicas, ideas y problemas que constituye uno de los episodios mas sugestivos y relevantes del arte español tras el cambio de siglo.

La idea de la exposición S/T arranca de la necesidad de un grupo de artistas de generar, en el ámbito del mundo del arte contemporáneo, nuevas plataformas desde las que poder mostrar, difundir y dar voz a su trabajo.Hablamos de espacios promovidos y gestionados por los propios creadores, donde se les pueda eschuchar sin las interferencias que a veces provocan los intermediarios, la politica de subvenciones, o el propio mercado. Se trata de que los artistas se conviertan en interlocutores directos con el publico, al margen de los canales convencionales, situandose en primera linea para establecer un dialogo entre artistas, obras, espacio y publico; llenando asi un vacio existente en el panorama artistico nacional.Como proyecto expositivo S/T partio de unas premisas poco habituales. Acogio la obra de veinte artistas españoles en un espacio teoricamente"no apto"para este fin, unas antiguas oficinas cuyo aspecto no fue modificado para la muestra.