Libros de Teoría y crítica de arte, página 17 de 162

"El gran arte tiene unas maneras espantosas...” observa Simon Schama al comienzo de su magistral exploración sobre los momentos clave de la historia del arte. Un respetuoso paseo por un museo puede l

Coomaraswamy expone en los ensayos reunidos en este importante libro los principios subyacentes a toda obra de arte tradicional, ya sea oriental u occidental, de acuerdo con la idea de que las expresiones artísticas, religiosas y filosóficas de las civilizaciones tradicionales no son sino diferentes dialectos de un lenguaje común.

En esta obra el autor plantea que en la era contemporánea se da una paradoja: mientras la estética triunfa hasta en los objetos más cotidianos y triviales, el mundo del arte se va apartando de las obras para proponer procedimientos, instalaciones, performances. "Es como si a mas belleza, menos obra de arte, o como si al escasear el arte, lo artistico se expandiera y lo coloreara todo, pasando de cierta manera al estado de gas o de vapor, y cubriera todas las cosas como si fuese vaho. El arte se volatilizo en eter estetico." Con un profundo conocimiento del arte contemporaneo, el autor analiza lo que implica el triunfo de la estetica, expone las principales teorias esteticas actuales y su capacidad para explicar esta evolucion del arte, y señala cual es el porvenir para este, su produccion y recepcion.

En la actualidad, el arte puede liberar al hombre de su confusión devolviéndole lo que ha perdido: éste fue el mensaje de Kandinsky, fundador de la pintura abstracta. No se trata de representar el mundo de los objetos, sino nuestra vida interior. ¿Como pintar y hacer ver las emociones ocultas de nuestras almas, como mostrar lo invisible? Considerada dificil, la pintura abstracta abre paradojicamente el camino hacia una cultura verdaderamente popular y confluye con el arte preocupado por lo sobrenatural, con el arte sagrado, como nos explica Michel Henry.

Tradicionalmente se ha presentado poco interés a esas figuras que, a veces, aparecen en las imágenes de monumentos o de museos. Tendemos apercibirlos como observadores circunstanciales -y, por lo tanto, prescindibles- de un motivo mucho más importante que es la obra de arte. Sin embargo, ellos hacen que ésta termine por ser lo que es, pues la idea de creación artística implica la idea de mirar, de despertar curiosidad y de experimentar placer. Son testigos de un comportamiento que rescata el objeto de la historia para insertarlo en el tiempo. Este libro analiza el protagonismo que tienen los eventuales observadores en las imágenes artísticas, al ser reproducidas en distintos soportes, y la conversión de la mirada en un tema de representación. Escrito en forma de ensayo, constituye, en el fondo, una advertencia sobre la propia forma de mirar de cada uno y un reconocimiento a las miradas de los demás.

Desde Rodney, el cangrejo ermitaño que habita en una bola de cristal, hasta el Palacio de Cristal de la era victoriana, Celeste Olalquiaga nos ofrece una reflexión sobre el kitsch, sus orígenes y el modo como afronta los conflictos entre lo real y lo artificial, la tradicion y la modernidad, o sobre la nostalgia y la melancolia. La autora rastrea el kitsch en sus inicios, a mediados de 1800, y lo define como una sensibilidad ante la perdida. Se trata de un anhelo por objetos que ayuden a capturar de nuevo el pasado y resalta el hecho de que dichos objetos responden a una necesidad humana profundamente arraigada: la busqueda de un significado y una conexion con la naturaleza. El reino artificial esclarece de manera fascinante este aspecto de nuestra cultura, en un intento de recuperar todo aquello que la industrializacion se llevo para siempre.

Esta colección de ensayos del erudito y crítico Thomas McEvilley se ocupa primordialmente de tres temas. En primer lugar, varios ensayos presentan su crítica filosófica del enfoque formalis-ta/estético del arte. La deconstruccion de la teoria kantiano/greenbergiana y de su funcion social por parte de McEvilley domina el discurso sobre ese tema desde hace veinte años. Tras despejar el campo de la herencia casi teologica, McEvilley lo abrio a una amplia perspectiva multicultural. La famosa critica de la Exposicion Primitivismo en el Museo de Arte Moderno en 1984 inauguro el discurso del multiculturalismo en las artes visuales. McEvilley ha escrito sobre el arte contemporaneo en Asia. Africa y Latinoamerica, asi como en los Estados Unidos y Europa occidental, y ha abogado repetida-mente por un enfoque polifacetico de la cultura a escala global. En el ultimo ensayo de esta seccion, McEvilley expresa sus recelos con respecto al momento actual: ¿Se burla la globalizacion economica del sueño del globalismo cultural? ¿Se apoyan o se oponen entre si estas tendencias? Por ultimo, varios ensayos sobre artistas individuales analizan tendencias recientes que han sido llamadas antiarte tanto como arte. Ningun otro libro ofrece una vision tan amplia y tan profunda de la peligrosa pero emocio-nante situacion por la que atraviesa hoy en dia la cultura mundial.

Si existe un artista que se alza dominante en el imaginario popular, ése es sin duda Vincen van Gogh. Adorado por el público, en él se dan casi todos los tópicos que se pueden reunir en torno a la figura bohemia y maldita del pintor moderno: vida en los limites de la sociedad, fracaso profesional, soledad y problemas mentales, muerte a temprana edad olvidado de casi todos e irresistible ascension postuma a las cimas de la fama. Su atractiva figura y su poderosa obra han sido objeto de numerosisimas aproximaciones, ademas de inspirar tanto a maestros del cine (caso de Vicente Minelli o Akira Kurosawa) como a triviales creadores de merchandising. No obstante, uno de los mejores medios de comprender la obra y la figura de Van Gogh nos lo ofrecen las mas de seiscientas cartas que han llegado hasta nosotros y que se presentan reunidas conforme a un orden cronologico en estos dos volumenes. A traves de ellas, el lector podra acceder directamente, sin intermediarios, a la compleja y fascinante personalidad del genial holandes.

El nacimiento del cubismo y las vanguardias a través de su gran marchante, D.H. Kahnweiler. Cuando Daniel Henry Kahnweiler (1884-1979) vio por primera vez Las señoritas de Aviñón en el estudio del joven Picasso, supo que un nuevo concepto del arte pictorico habia nacido y creyo en la capacidad revolucionaria de aquellos pintores que, a principios del siglo XX, hicieron de Paris la capital artistica de Occidente. Kahnweiler supo dar al oficio de marchante la categoria de un arte, un arte nacido de la intuicion y casado con el riesgo, que tenia como precepto la fidelidad y la exclusividad de los artistas pr el representados. Artistas de la talla de Picasso, Braque, Gris, Leger, Derain, Masson y Klee vieron asi reunidas sus obras en una coleccion unica y recibieron del marchante el apoyo que necesitaban para seguir creando. Pierre Assouline perfila con entusiasmo y rigor el retrato de D.H. Kahnweiler, un hombre que, a lo largo de setenta años, nunca dejo de trabajar en el nombre del arte.

Premio Internacional de Ensayo 2008 Circulo de las Artes. Presenta las preguntas clave de novelistas, poetas, filósofos y artistas acerca del lugar de la imagen y la imaginación en un mundo convulso.

Las fuentes de las vanguardias del siglo XX están en la infancia de los grandes genios que las crearon. Y para hacer evidente esa conexión, este libro muestra una selección de las enseñanzas y juegos que vivieron los niños del siglo XIX. Comprobamos asi que la complejidad y riqueza del Arte surgido a principios del siglo XX proviene de la renovacion que experimento el dibujo a lo largo del siglo XIX, pues esta disciplina es el origen de todas las artes visuales. Y la transformacion del dibujo clasico en moderno la produjeron los nuevos metodos de enseñanza junto con los juegos educativos. Con esos manuales y juguetes, el dibujo se convirtio primero en un instrumento para despertar la percepcion infantil y, despues, en un lenguaje especifico para la formacion industrial o artistica del adolescente. Esa renovacion comenzo en 1762, cuando J. J. Rousseau publico su programa para la educacion general del niño, incluyendo el dibujo como una de las enseñanzas tan imprescindible como la lectura, la escritura y las matematicas. Pero sus ideas no se pusieron en practica hasta los primeros años del siglo XIX con los programas de unos pedagogos innovadores. Y estos hechos tuvieron unas consecuencias extraordinarias para crear el arte moderno Juan Bordes es escultor, profesor en la Escuela de Arquitectura de Madrid y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Sus escritos recogen temas sobre los que ha impartido docencia: Dibujo, Historia del libro de Arquitectura y Fotografia de Arquitectura. Pero de entre todas sus publicaciones destaca el libro Historia de las teorias artisticas de la Figura Humana (2003), que es un volumen de esta misma coleccion, y que, junto con el presente titulo, configura una historia completa de la enseñanza del dibujo.

Vituperio de orbanejas es un comentario filosófico de un texto de El Quijote que reza como sigue: «Ahora digo –dijo Don Quijote– que no ha sido sabio el autor de mi historia, sino algún ignorante hab

Tras haber narrado en Los descubridores la búsqueda del hombre para conocer el mundo, Daniel J. Boorstin completa aquella imagen con la de Los creadores: los héroes de la imaginación que con sus visiones han engrandecido, embellecido y adornado nuestra experiencia . Aunque nos hable de todas las formas del arte, desde los origenes hasta nuestros dias, Los creadores no es una historia del arte, sino que va mucho mas alla y mas adentro: es una guia para comprender las razones que movieron a los creadores y para disfrutar plenamente de sus obras.

Paul Durand- Ruel (1831-1922) es el único de quien puede decirse que realmente inventó el oficiio de marchante de arte. Reconocerlo no resta misterio al hecho de que este burgués ultraconservador, monarquico, catolico y con prejuicios xenofobos lo arriesgara todo para defender a esos revolucionarios quefueron los primeros impresionistas: Degas, Manet, Renoir, Corot, Sisley y los demas. Puso en peligro su buen nombre, su fortuna y la estabilidad de su familia para sostener a un agitador como Courbet, un anarquista judio como Pissarro y un republicano como Monet. Sus profundas convicciones artisticas le permitieron sacrificarlo todo para mantener sus pintores, ofreciendoles unas condiciones de creacion que resultaban insolitas en aquel momento. Y en cuanto a los coleccionistas, Durand-Ruel, mas que transformar los gustos imperantes, quiso imponer el suyo. Su biografia es un relato con tintes epicos de esos años de arduas negociaciones en las trastiendas del mercado del arte, los salones de los coleccionistas mas prestigiosos y los pasillos de las casas de subastas, los grandes muesos y las galerias mas famosas de Europa y America.

Ciclo de conferencias organizadas con motivo de la exposición"La visión impura". Fondos de la Colección Permanente. Ofrece una trayectoria por las diferentes formas de mirar en el arte contemporáneo a lo largo de la segunda mitad del siglo XX

En 1929 la revista Varietes publicaba un insólito "Mapa del mundo en la epoca de los surrealistas", cuya cartografía dislocada, de fronteras sorprendentes, anunciaba otras futuras puestas en cuestión de las practicas narrativas consensuadas en nuestra cultura. Y es que transgredir el mapa equivale a revisar el mundo, porque el mapa no es sino el producto de cierto diseño "a la carta" que se propone e impone desde el poder. El cartografo no es el ser ausente y omnisciente que ha tratado de presentar la tradicion: la geografia es combativa. Siguiendo el rastro de las cartografias codificadas, el presente libro plantea el uso de los mapas entre los artistas actuales como un arma arrojadiza contra las narrativas impuestas y sus trampas, implicitas y heredadas. Se trata de abordar el analisis de las metaforas espaciales, mostrando la imposibilidad de que puedan presentarse como formulaciones neutrales, apoliticas.

Warhol ha marcado la escena artística y social de los últimos treinta años. Nombre señero del Pop-Art en los sesenta, impulsor de aventuras vanguardistas en su célebre Factory –desde bandas de rock c

El arte resiste los procesos sociales que intentan convertirlo en un servicio de entretenimiento, un consuelo existencial o en un refugio de valor financiero, e intenta mantenerse a la altura de esa promesa de felicidad que Stendhal habia vislumbrado en el. Dicha promesa quizas se ha revelado excesiva para nosotros. Pero en la epoca del fin de todas las cosas, el arte podria intentar, al menos , convertirse en lo contrario de la infelicidad. Cada uno de los capitulos de este libro discute una dimension estetica particular, pero las cuestiones planteadas reconocen un comun hilo conductor: el destino del arte en la actualidad bajo el espectro de su final, sobre el horizonte de su muerte anunciada ya en el siglo XIX por Hegel. ¿Tiene futuro el arte? ¿Ha caido ya definitivamente en el mundo de los productos? La pregunta por el arte es, desde luego, una pregunta sobre el destino de nuestras sociedades.