Libros de Teoría y crítica de arte, página 7 de 161

Especies de comisarios, especies de críticas: Sobre el comisario, el comisariado y demás derivas curatoriales. Frederic Montornés: Crítico de arte y comisario de exposiciones independiente. Cendeac

Erwin Panofsky, uno de los grandes humanistas de nuestro siglo, nació en Hannover en 1892. Profesor en Hamburgo, el nazismo le obligó a afincarse en los Estados Unidos, donde residió hasta su muerte en 1968, y donde desde 1935 enseño historia del arte en el Institute for Advanced Study de Princeton. De la amplitud y profundidad de su aportacion a la historia de la cultura occidental dan buena prueba los estudios que componen este volumen, EL SIGNIFICADO EN LAS ARTES VISUALES, y que el mismo reunio en forma de libro. De la teoria de las proporciones a la vision historica de Vasari, de Ticiano a Poussin, Panofsky restaura los nexos que unen la obra de arte a su entorno, sustituyendo la historia del arte como compartimento estanco por una sintesis viva y fecunda en la que el arte ilumina las ideas y es iluminado por ellas. Especial atencion merecen los ensayos dedicados al abad Suger de Saint Denis y a Alberto Durero, dos claves del arte europeo que han tenido en Panofsky a su mas autorizado interprete moderno; y, naturalmente, el ensayo sobre iconografia e iconologia, valiosa introduccion a una disciplina creada, nutrida y elevada por el propio autor a alturas magistrales.Erwin Panofsky, uno de los grandes humanistas de nuestro siglo, nació en Hannover en 1892. Profesor en Hamburgo, el nazismo le obligó a afincarse en los Estados Unidos, donde residió hasta su muerte en 1968, y donde desde 1935 enseño historia del arte en el Institute for Advanced Study de Princeton. De la amplitud y profundidad de su aportacion a la historia de la cultura occidental dan buena prueba los estudios que componen este volumen, EL SIGNIFICADO EN LAS ARTES VISUALES, y que el mismo reunio en forma de libro. De la teoria de las proporciones a la vision historica de Vasari, de Ticiano a Poussin, Panofsky restaura los nexos que unen la obra de arte a su entorno, sustituyendo la historia del arte como compartimento estanco por una sintesis viva y fecunda en la que el arte ilumina las ideas y es iluminado por ellas. Especial atencion merecen los ensayos dedicados al abad Suger de Saint Denis y a Alberto Durero, dos claves del arte europeo que han tenido en Panofsky a su mas autorizado interprete moderno; y, naturalmente, el ensayo sobre iconografia e iconologia, valiosa introduccion a una disciplina creada, nutrida y elevada por el propio autor a alturas magistrales.

Estas Rondas del Prado proponen una aproximación gradual y diversa a la obra de arte, a lo más concreto de su existencia material y tambien a sus valores narrativos, simbólicos y litúrgicos. La experiencia inmediata y sensorial de la contemplacion se une asi al examen de las conexiones culturales que las obras tuvieron para sus contemporaneos y al modo en que el oficio del artista y el lugar de la pintura se han ido modificando a lo largo de los siglos, desde la iglesia o el palacio, el espacio publico o privado, hasta la disposicion ordenada y pedagogica, pero tambien uniformadora, de las salas del museo.

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de caracter historico sino filosofico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relacion con la filosofia taoista a partir de la nocion de vacio que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepcion china del universo y su comprension del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica tambien al lector occidental la adscripcion de este arte a la concepcion taoista, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictorica.

La obra del escritor y crítico Yone Noguchi puede considerarse un puente entre Oriente y Occidente. En sus incontables viajes por el mundo, y gracias a sus libros, se convirtió en el gran difusor del arte y la cultura japonesas de su tiempo. Y de entre todos los maestros del grabado japones acerca de los cuales escribio, siempre manifesto una especial atraccion por el genial Hiroshige, cuyo maravilloso manejo de los pigmentos y la composicion le garantizo un merecido puesto entre los grandes nombres del arte universal.Este libro presenta por primera vez en lengua castellana los principales textos de Yone Noguchi sobre la obra de Hiroshige, acompañados de infinidad de estampas e imagenes que permiten conocer la vida de un artista que murio plenamente feliz en el momento en el que domino su arte mas elevado; el arte mas puro de la simplicidad.

La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la camara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorias literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.

¿Cómo proteger el don de la creatividad en un mundo dominado por el espíritu mercantil donde todo se monetiza? ¿Cómo convencernos y convencer a los demás de que el provecho de la literatura, del arte, de la musica esta o deberia estar en las antipodas de lo que nuestra sociedad considera util cuando, en esa restrictiva vision de las cosas, la utilidad va tan asociada al pragmatismo, al consumismo, a los reditos materiales del aqui y ahora? A diferencia del dinero, la imaginacion se multiplica cuanto mas se derrocha, cuanto mas se comparte. Precisamente en una epoca en la que ?parafraseando a Oscar Wilde? se conoce el precio de todo y el valor de nada, salvaguardar la pureza del gesto creador de todos los condicionamientos espurios ajenos al arte es salvaguardar nuestra dignidad como especie, salvar nuestra alma ?entendida como vinculo colectivo, no como ego? de la destructiva voracidad capitalista. Y eso, sin duda, es algo que no tiene precio. Desde que se publico hace cuarenta años, El don se ha convertido en un clasico inapelable que ha influido hondamente en figuras de la talla de David Foster Wallace, Bill Viola o Margaret Atwood. Echando mano de la antropologia, la sociologia, los cuentos de hadas y la poesia de Walt Whitman y Ezra Pound, Lewis Hyde construye una obra capital, sutil, transformado...

En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Berger nos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solo nos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que van mucho mas alla y nos conducen con maestria entre lo personal, lo cultural y lo politico. No en vano Berger es considerado uno de los intelectuales europeos mas importantes de nuestro tiempo y uno de los criticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepcion del arte y el lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporanea.En este segundo y ultimo volumen dedicado a los artistas, el critico britanico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obra de Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con las pinturas prehistoricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a Paul Cezanne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger dono aun en vida a la British Library. Del conjunto de textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempre sorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosa igualmente directa e iluminadora. En definitiva, una edicion imprescindible para conocer el gran legado teorico y vivencial de John Berger.

EL AUTOR, EN ÉSTE LIBRO, CUARTO DE LA SERIE GARGOLARIUM, NOS INTRODUCE EN EL MUNDO DE LAS GÁRGOLAS, QUIMERAS Y HOMBRES VERDES, PERO DESDE SU PROPIA INTERPRETACIÓN, DESDE SU PROPIA VISIÓN AL PLASMARLO EN DIBUJOS QUE ANALIZAN LA MORFOLOGIA Y POSIBLES PATOLOGIAS QUE AFECTAN A ESTAS OBRAS DE ARTE. EN SUS TRES ANTERIORES LIBROS A LA REPRESENTACION GRAFICA SUMABA EL AUTOR UN ANALISIS ICONOGRAFICO Y DE SIMBOLISMO DESDE EL COMIENZO DEL USO DE TALES FIGURAS, ANALIZANDO LA EVOLUCION DE SU SIMBOLOGIA A TRAVES DEL TIEMPO, EN ESTE LIBRO EL AUTOR NOS ENTREGA LO MAS PROFUNDO DE SU ANALISIS, LA REALIDAD TAMIZADA, RACIONALIZADA Y MADURADA A TRAVES DE LOS OJOS DEL ARTISTA. ELLO LO HACE A TRAVES DE UNA SELECCION DE 276 DIBUJOS SELECCIONADOS DE LOS YA MAS DE 450 REALIZADOS A TRAVES DE SU INVESTIGACION.

Desde la Edad Media, la riqueza de los tapices marcaba la diferencia entre sus poseedores. El oro, la plata, las joyas, y también los paños, no solo mostraban la riqueza sino la magnificencia del poseedor, por lo que atesorar tapices fue obsesion de los p

Para dar cabida a las exposiciones y a las curadoras que han cambiado el devenir de la práctica artística, desde su investigación y su producción hasta su recepción, hacía falta un segundo volumen. Curaduria de Latinoamerica es el resultado de varios años

El contenido del libro se presenta en dos grandes periodos, una primera etapa desde los comienzos de la historia hasta mediados del siglo xx, un largo tiempo que se traduce en el lento despertar de la conciencia valorativa de los Bienes heredados. La segunda etapa, que se ocupa de la vision del Patrimonio desde la segunda mitad del siglo pasado hasta nuestros dias, se caracteriza por el amplio abanico de Bienes y con ellos los problemas derivados de su preservacion.

La vida, signifique lo que signifique, no es algo que pueda explicarse desde la eternidad. La memoria de Mariano Fortuny y Marsal ha estado demasiado condicionada por la épica de un destino artístico situado mas alla de los avatares terrenales. Sin embargo, como todos los seres humanos, hubo de conciliar sus aspiraciones personales con la complejidad de un sistema que cambiaba rapidamente, condicionado por las apariencias y el dinero. A mediados del siglo XIX, el arte empezo a funcionar como un elemento de prestigio para una nueva elite deseosa de exhibir su poder, no siempre experta en sutilezas esteticas. La posesion y el reconocimiento de las obras de Fortuny se convirtio en un signo de distincion de clase que aparece profundamente determinado por pasiones humanas. Esta circunstancia singular sirve de arranque para adentrarse en un universo de intereses mundanos que va mas alla de la pura trayectoria vital del pintor, observada desde una multiplicidad de puntos de vista, tales como la amistad, el amor, la frivolidad, la presuncion, el sexo o la nostalgia. A traves de un relato fresco y agil, que escapa al futuro perfecto de los grandes discursos, se desnudan con ironia los protagonistas, en cuyas actitudes, a veces prosaicas y banales, se reconoce el sentido mas vital del arte.

La obra de don Francisco Pacheco, maestro y suegro del gran pintor Velázquez, es de sumo interés para los pintores, por la enseñanza de la pintura práctica de todas las clases y sobre todas las materias, que se tiene que hacer para obtener buen resultado. Aqui encontramos una definicion de la pintura, un analisis de los estudios que debe hacer un pintor, la division de la pintura y sus partes, aspectos tambien sobre el dibujo, las medidas y proporciones, la perspectiva, escorzos, color. Tambien se dan consejos sobre los diferentes tipos de pintura: al temple, al fresco, al oleo, en caustica, el estofado, etc. Finalmente se incluye un tratado de restauracion donde podemos aprender a limpiar las pinturas al oleo, el lienzo, la tabla, la plancha y la madera.

En este volumen se reúnen cuatro conferencias del curso impartido por Erwin Panofsky en el castillo de Gripsholm, sede de la Galería Nacional de Retratos de Suecia, en el verano de 1952. Estos textos muestran su talento para complementar el puro analisis iconografico (la descripcion de las imagenes, historias o alegorias que contiene el cuadro) con la interpretacion iconologica del significado intrinseco y los valores simbolicos de la obra de arte (capaz de relacionar las alteraciones en la forma y las matizaciones en los temas con los cambios historicos de sensibilidad y mentalidad).

La Fundación Arte y Derecho fue creada por VEGAP -la entidad de gestión de los creadores visuales- para desarrollar actividades asistenciales y promocionales, y con esta colección pretende contribuir a la difusión y defensa del derecho de autor de los creadores visuales. La Fundación Arte y Derecho convoca cada año el Premio Escritos sobre Arte, con el fin de contribuir al fomento de la investigación y de la creación ensayística en materia de arte contemporáneo. No más mentiras. Sobre algunos relatos de verdad en arte (y en literatura, cine y teatro) recibió el Premio Escritos sobre Arte en su sexta edición (2010). El jurado estuvo formado por Elena Vozmediano (Pre sidenta), Perico Pastor, Sema D'Acosta y José María Durán.

Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pe

Existen en las letras y las artes de Occidente algunos temas y motivos que sorprenden por la frecuencia de su aparición y por su persistencia a lo largo de los tiempos. Habría que decir, sin embargo, que sorprenden ante todo por su intensidad y por su fuerza simbolica, hasta el punto de que surgen en los contextos literarios y artisticos mas diversos, sin excluir el arte y la literatura de las vanguardias.Uno de esos motivos es el vaso de agua, que desde Velazquez y Chardin hasta Iran do Espirito Santo o el fotografo Josef Sudek, pasando por Zurbaran, Juan Gris o Luis Fernandez -y desde Wallace Stevens, Jorge Guillen o Francis Ponge hasta generaciones mas jovenes de poetas europeos y americanos-, han visto en la imagen del vaso de agua todo un cumulo de valores y resonancias espirituales, intelectuales y sensibles.Este ensayo de Andres Sanchez Robayna explora ese motivo y nos hace ver su significacion, su diversidad y su profundidad como imagen.

Este libro recoge una serie de ensayos de la videoartista y crítica Hito Steyerl, publicados en la revista e-flux, en los que se da forma a una crítica de la creación audiovisual en nuestras sociedades hipermediatizadas. En tanto la mente, las emociones y la creatividad tomaron el lugar del cuerpo como las herramientas claves para la produccion de valor, es necesario rastrear que nuevas formas de alienacion han surgido en este contexto y cual es el destino de la practica y la imaginacion politica cuando las utopias y deseos colectivos se han desplazado a las pantallas.En la linea de su principal mentor, Harun Farocki, Steyerl se enfrenta al flujo de imagenes producidas por el capitalismo de la informacion (en especial a las imagenes-basura arrojadas en las playas de las economias digitales) a partir de un enfoque materialista, abordandolas no como representaciones sino como fragmentos del mundo, que participan de el creandolo, modificandolo y padeciendo sus leyes. Desde esta perspectiva, los formatos de baja resolucion (AVI o JPEG) son interpretados como lumpenproletariados en la sociedad de clases de las apariencias, condenados por su resolucion subestandar en lugar de valorados por transformar la calidad en accesibilidad; las fallas tecnicas y glitches de las imagenes digitales son tratadas como heridas, huellas que testimonian la violenta dislocacion que sufren al ingresar en el ciberespacio; y la imagen-spam, como una representacion invisible fabricada por maquinas, enviada por bots y capturada por filtros que circula sin ser jamas vista por ningun ojo humano.La obra de Hito Steyerl, parafraseando a Franco Bifo Berardi, funciona como una cartografia de la produccion mediatica en tiempos del semiocapitalismo, que describe con precision como las imagenes son generadas, transportadas y consumidas hoy. Pero tambien como una cartografia de la sensibilidad emergente a partir de la cual imaginar hacia donde debemos dirigirnos si queremos descubrir una nueva forma de actividad que ocupe el lugar del arte y la politica.

Tomando la catedral de León o los Códices de las Historias de las Cantigas de Santa Maria como puntos de partida y llegada de un viaje en el que se hará escala en catedrales góticas francesas, manuscritos iluminados o manufacturas en marfil, esta obra ofrece un brillante e innovador estudio sobre las imagenes en la Edad Media a partir de los principios esteticos que proporciona la teoria literaria coetanea.Este libro inaugura una aventura intelectual con la que se pretende suplir la escasez de referencias teoricas sobre las imagenes en la Edad Media recurriendo a los principios esteticos que proporciona la teoria literaria, ya que los propios tratados de retorica se valian a menudo de comparaciones entre el discurso visual y el escrito. La obra acomete dos cuestiones diferenciadas: las relaciones entre las artes predicatorias y los programas figurativos de las catedrales goticas, que operan en los dos sentidos, y la comparacion entre formulas tipificadas en las gramaticas y las poeticas latinas y vernaculas con la traduccion visual de un tipo de texto literario, el discurso en verso, con la intencion de definir un genero visual especifico, el de las imagenes en verso. Sin embargo, esta aproximacion a la utilizacion de tropos y figuras textuales y visuales no solo se presenta como mero ejercicio comparativo, sino tambien como una util herramienta interpretativa.Adecuando la estructura al propio contenido, la materia se dispone siguiendo un esquema circular, de modo que la catedral de Leon o los Codices de las Historias de las Cantigas de Santa Maria constituyen los puntos de partida y de llegada de un viaje en el que se hara escala en catedrales goticas francesas, manuscritos iluminados desde el Salterio de Utrecht al de Blanca de Castilla o manufacturas en marfil desde cubiertas de libros carolingios hasta cajitas y valvas de espejo parisinos del siglo xiv.