Libros de Artistas contemporáneos, página 14 de 377

Picasso llamaba a Dalí "un motor fuera borda que siempre está corriendo". Dalí se consideraba a sí mismo un genio con derecho a permitirse cualquier locura que se le pasase por la cabeza. Pintor, escultor, escritor y cineasta, Salvador Dalí (1904-1989) fue uno de los más grandes artistas y excéntricos del siglo pasado, y levantó una intensa polémica allá por donde pasó. Fue uno de los primeros en aplicar las teorías de Sigmund Freud y del psicoanálisis a la pintura. Dalí aportó una sensibilidad, imaginación y preocupación por la precisión extraordinarias relacionadas con niveles reprimidos de consciencia. Esta animada biografía presenta al desconocido surrealista Dalí a todo color y en sus propias palabras. Todas sus provocativas ideas están aquí, desde los relojes fundidos a la célebre jirafa en llamas. Y el increíble fenómeno que fue Salvador Dalí es abarcado por entero y se sitúa en sus múltiples contextos.

'Los paisajes americanos de Asher B. Durand (1796-1886)' es el resultado de un trabajo de dos años de estrecha colaboración entre la Fundación Juan March y la New-York Historical Society, el museo más antiguo de Nueva York -fundado en 1804- que custodia una enorme colección de arte y documentos históricos; entre ellos, la mayor colección de obras de Asher B. Durand.

El arte de Gustav Klimt se ajusta perfectamente al fin de siècle. Expresa la atmósfera apocalíptica de la clase media alta vienesa, una sociedad devota del cultivo de la conciencia estética y el cult

A finales de los años cincuenta y en los sesenta, el pintor americano Roy Lichtenstein (1923-1997) se convirtió en uno de los máximos exponentes del Pop Art - ese movimiento que transformó los productos de consumo de masas y de la industria del entretenimiento en temas para el arte. Esta apoteosis de lo banal y los objetos del dia a dia, supuso al mismo tiempo una critica de la interpretacion tradicional y elitista del arte. Practicamente solo entre artistas, Lichtenstein formulo la pregunta de como una imagen se convierte en una obra de arte. Siguiendo el espiritu del modernismo clasico, mantuvo que no era la "categoria" del tema lo que proporciona el caracter artistico, sino mas bien el tratamiento formal que el artista le da. Para Lichtenstein, sin embargo, esta posicion parece estar demasiado lejos para ser seriamente perseguida. Desarrollada a principios de los sesenta, la tecnica de malla de puntos de Lichtenstein, con sus alusiones a la produccion masiva del arte grafico, permitio al pintor dar rienda suelta a su propio escepticismo artistico. En los sesenta y en los setenta, Lichtenstein amplio su repertorio formal de tecnicas para crear distancia e ironia mediante un proceso idiosincratico de abstraccion, y especialmente por la utilizacion de sus numerosos presupuestos artisticos.

Si existe una imagen icónica del artista bohemio, esa es la del novedoso, intuitivo e inconformista pintor francés Paul Gauguin, que abandonó, rebeldemente enfrentado a los convencionalismos de su época, una vida acomodada y burguesa, y una familia estable, para buscar los colores puros, la belleza exotica, primitiva, sin contaminar, de las remotas islas de los mares del sur, iniciando con su peculiar manera de ver el Arte, el movimiento del Simbolismo que tanto repercutiria en los artistas del siglo XX.

Casi sin ayuda, David Smith (1906-1965) transformó el significado de la escultura como un género en el arte americano. Antes de él, la escultura era casi una actividad marginal, después de él, se abrieron las compuertas para artistas como Donald Judd y Richard Serra para construir sobre sus logros y forjar un lenguaje exclusivamente estadounidense para la escultura. Al llegar a la suya en 1940 en Nueva York, Smith hizo amistad con pintores como inspiración Gorky, de Kooning y Pollock, y de sus abstracciones escultóricas fueron reclutados para la causa expresionismo abstracto. Opus magnus de Smith era su Cubi serie, realizada en la década de 1960. Los 28 Cubi esculturas se compone de una columna de cubos equilibrados, sólidos rectangulares y cilindros con tapas esféricas o planas, que parecían cambiar el orden de un cubista o Cézanne esque-vocabulario en un poste de metal tótem precaria. Polígrafa volumen introductorio de David Smith ha sido editado por el historiador de arte Sarah Hamill, e incluye una entrevista inédita con Smith por el poeta Frank O'Hara. Comentarios de Hamill orienta Smith dentro de un linaje de la escultura de metal y subraya la importancia de su relación con la fotografía.

Nadia Ugalde Gómez presenta en este libro un análisis de la obra "Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central", mural pintado al fresco por Diego Rivera en el salón comedor Versalles del Hotel del Prado. Concebido como el retrato de un sueño, el mural es un paseo imaginario por la Alameda. Rivera evoca en él, a través de personajes que conoció, recuerdos de su niñez y juventud. Al mismo tiempo, realiza una síntesis de la historia de México, representada por algunos de sus protagonistas más importantes o significativos.

Catálogo oficial del Pabellón de México en la 54 Bienal de Venecia, que este año participa con tres obras audiovisuales de la artista Melanie Smith. Las tres piezas de video están agrupadas bajo en titulo Cuadro rojo imposible rosa, y en este libro podemos disfrutarde tres de sus trabajos mas recientes: Estadio Azteca, documento visual donde la accion se desarrolla en el estadio mas importante de Mexico, una reflexion visual sobre la idea de patria y el caos que acompaña las revoluciones. El segundo trabajo, Xilitla es un film experimental donde explora un espacio mitico en Mexico, el jardin surrealista creado por Edwadr James. Y por ultimo, encontramos la obra Bulto, donde un fardo rojizo de importantes dimensiones irrumpe en diferentes espacios publicos.Estas tres piezas fueron realizadas en colaboracion con Rafael Ortega

En enero de 1901 Carles Casagemas, un joven y desconocido pintor, amigo íntimo de Pablo Picasso, se suicida en un bar de París. Este trágico episodio tuvo consecuencia decisivas para el arte del malagueño, que poco tiempo después decide utilizar su pintura para explorar el fuerte impacto que el triste suceso había provocado en su alma. Picasso inicia así su período azul, que supone un personalísimo recorrido por su psique inconsciente. Basándose en la teoría de los arquetipos y en otros aspectos de la psicología de Jung, el autor ha realizado un análisis exhaustivo del período más decisivo de la carrera del malagueño, es decir sus etapas azul y rosa y la creación de las Señoritas de Aviñón ya que en las obras e estos años se reflejan todos los problemas íntimos que le artista hubo de afrontar antes de encontrar la energía interior que le permitió desarrollar su prodigiosa creatividad. El ensayo por tanto desentraña las claves de la personalidad y el arte de Picasso y constituye una aportación decisiva para el conocimiento del gran artista malagueño y para la psicología de la creatividad.

El cineasta Jean Renoir escribió que su padre “miraba las flores, las mujeres, las nubes del cielo como otros hombres tocan y acarician”. Frente a la concepción habitual que reduce el impresionismo a

El cineasta Jean Renoir escribió que su padre “miraba las flores, las mujeres, las nubes del cielo como otros hombres tocan y acarician”. Frente a la concepción habitual que reduce el impresionismo a