Libros de Teatro contemporáneo español del XIX al XXI, página 6 de 283

El estreno de "Las Meninas" tuvo lugar en el 9 de diciembre de 1960, en el teatro Español de Madrid; en el mismo escenario, veintiún años antes, había obtenido el exito que lo consagró como el innovador de la dramaturgia española de posguerra, con su Historia de una escalera. Con el texto sobre Velazquez, Buero mostraba un nuevo ejemplo del buen hacer literario y dramatico que en su ya entonces amplia trayectoria habia venido mostrando. Buero inauguro una formula nueva de abordar el tema de la historia en el teatro, de forma que el drama historico cubre dos metas: la de recuperar un ayer conflictivo y olvidado, y la de reflexionar sobre acciones y comportamientos que, por ser inherentes al hombre o a la sociedad, son intemporales. Asi en "Las Meninas," Velazquez se convierte en el receptor que contempla el dolor humano y las injusticias sociales; los problemas que surgen del enmascaramiento de la realidad por los topicos y engaños vigentes, y la encrucijada de la responsabilidad del artista, del intelectual ante todo.

A Contemporáneos RESAD es una iniciativa de la Real Escuela Superior de Arte Dramático que nace en compañía de Ediciones Antígona con el objetivo de publicar textos teatrales contemporáneos de calidad, escritos por autoras y autores vivos de reconocido prestigio nacional e internacional. Vinegar Tom (1976) pone en el escenario la historia de Alice, una joven de veinte años que vive en un pueblo y de su madre viuda, y como ambas son acusadas de brujeria a raiz de un altercado con sus vecinos. La obra cuenta con otros personajes femeninos que se veran envueltos, tambien, en estas acusaciones. En cuanto a los personajes masculinos Packer, el cazador de brujas y su ayudante Goody, entre otros, completan el conjunto de personajes en una obra que explora las dinamicas de genero y sociedad. Septimo Cielo (1979) destila una critica sociopolitica en tono a los roles de genero y la orientacion sexual alambicada con la identidad racializada, las relaciones familiares, el poder, la nacion y el devenir historico. Asi, ambientado en el Africa colonial, en el primer acto se juega con las relaciones de poder y genero en el seno de una familia britanica victoriana. En el segundo, se comprime el cambio hacia la libertad sexual con un salto historico ilogico a la Inglaterra contemporanea con los mismos y nuevos personajes que dejan al descubierto la sexualidad femenina o la homosexualidad y la rigida norma heterosexual y patriarcal.

Archipiélago nos presenta a Paula y Óscar, una pareja feliz que lleva diez años casados y que comienzan la aventura de mudarse a una nueva casa, el primero de una serie de proyectos comunes que esperan afrontar juntos. Dani es un popular escritor que vive en el edificio al que se mudan. La llegada de la pareja sera un soplo de aire fresco para el, que por fin tiene vecinos de su misma edad, con los que compartir momentos. Cuando sus caminos se crucen pasara algo que desencadenara cambios, conflictos y descubrimientos que haran que ya no vuelvan a ser los mismos. Esta obra trata sobre ese archipielago que formamos con otras personas, que aparecen y afectan tu vida para siempre. Aun cuando ese archipielago puede (o no) ser temporal, el cambio en las islas o personas que lo componen permanece.

Fiesta, Fiesta, Fiesta es un texto de teatro documental verbatim para el que Lucía Miranda entrevistó a cuarenta personas de un Instituto Público de Secundaria, madres, alumnado, profesorado y personal no docente. Finalista a mejor autoria teatral de los

No estoy aquí para contar la guerra de Troya.Esta es la historia de mi carne,allí donde coincidieron la muerte y el amor.Tomando como punto de partida el canto XVI de la Ilíada, el dramaturgo Alberto Conejero, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramatica en 2019, nos brinda una aproximacion personal e intima al poema de Homero, una nueva mirada vivida y contada desde un personaje secundario en el relato habitual, tan discutido como fascinante y misterioso: Patroclo, el "mas amado" por Aquiles.En mitad de tanto fuego que enlaza diversas epocas y donde aparecen referencias y citas de, entre otros, Safo, Pedro Lemebel, Anne Carson o Luis Cernuda es un alegato antibelicista y una muestra mas de la impotencia del arte ante la guerra; un oratorio por las victimas que habla de conceptos como el poder, la pasion, la violencia o la patria.La obra es tambien un intento de contar la historia de otro modo, que es imaginar el futuro de otro modo. El rescate de una alegria posible. El canto de un personaje que aqui es, ante todo, carne enamorada y deseo. Un deseo libre y disidente.Porque yo no estoy aqui para hablar del "compañero devoto", ni "del mas querido entre los soldados", yo estoy aqui para reventar los eufemismos, para hablar del amante insaciable.

Premio de Teatro Calderón de la Barca 2024. "El impacto es la sensación. La idea del suicidio es tan misteriosa como la del nacimiento. Y según creo, igual de (in)comprensible. Mientras la obra de Herraez va pasando de una vida a otra, de una muerte a otra, algo se va moviendo en el cuerpo. En los sentidos. Vuelve aquel impacto ante esta escritura tan nitida, tan teatral. Que alegria cuando se escribe para la escena dejando solo lo que hace falta. Cada texto, punta de iceberg de toda una vida. Condensacion afilada que toca hasta marcar".Pablo Messiez

Año 1900. La reina Isabel II de España vive exiliada en París. Anciana, olvidada y únicamente asistida por su ayuda de cámara, se muestra con descarnada realidad: su condición de mujer; la falta de cariño sincero de su familia; el profundo amor a su Patria. Se resiste al vilipendio sufrido por personajes que la utilizaron por su influencia y, una vez cobrado protagonismo en la vida politica, provocaron su destierro. Con intima feminidad, defiende la honestidad de sus conductas, por las que fue juzgada con diferente criterio a cualquier hombre de su epoca, y se le destrono. El ultimo encuentro con quien fuera su esposo, Francisco de Asis, desvela sentimientos sinceros; con el, se abre a la confesion de los progenitores de su descendencia, y desempaña el origen de sus sucesores a la Corona. La novela La de los tristes destinos, en la serie Episodios nacionales de Benito Perez Galdos, aborda una etapa de su reinado. Despierta en ella la reflexion sobre lo que se reflejara de su vida en la historia de España, la tristeza de su destino: afronta sus errores, dignifica sus desengaños, y excita su reivindicacion al derecho legitimo de representar a la Corona de España.Isabel II de España muestra, con intima feminidad, su descarnado triste destino: su condicion de reina mujer, lo escarnios sufridos y el profundo amor a su Patria.Angel Marques Valverde es Licenciado en Arte Dramatico por la RESAD. Completa su formacion teatral en el Laboratorio de teatro William Layton; y cursa dramaturgia con Guillermo Heras, Jose Sanchis Sinisterra, Jose Maria Esbec, Paloma Pedrero, entre otros. Imparte cursos de interpretacion y de escritura; dirige montajes teatrales, y la ayudantia de direccion de Maria Ruiz en Caton, el ultimo republicano, dentro del Festival de Teatro Grecoromano de Merida. En su faceta de autor cuenta con una decena de obras teatrales, entre las que destaca su trilogia Leyendas negras de la monarquia española, compuesta por: Partida de damas (Reinas y damas en las cortes del rey prudente) (ganadora del Premio FETAM 2023 de escritura teatral), Hechizado, e Isabel, la castiza (triste destino). Asi mismo, es autor de las novelas Nunca es tarde y El balneario de Tozeur, y diversos relatos.

La zapatera prodigiosa fue escrita entre los años 1926 y 1930. La obra combina la tradición popular andaluza y el simbolismo para narrar la historia de una joven zapatera atrapada en un matrimonio con un hombre mayor para criticar la opresion de la mujer y la hipocresia de la sociedad conservadora.Se estreno en Buenos Aires, 1930, interpretada por Margarita Xirgu y con el propio Lorca vestido con una capa de estrellas, en el prologo de la obra.

Federico García Lorca escribió Doña Rosita la soltera en 1935, inspirándose en la sociedad granadina de finales del siglo XIX. La obra combina poesía, simbolismo y crítica social para narrar la historia de Rosita, una mujer que envejece esperando en vano a su prometido.Se estreno en 1935, en Barcelona, bajo la direccion de Margarita Xirgu, quien tambien interpreto el papel de doña Rosita. Poco antes de su estreno, se publico en Ediciones del Arbol.

Obra breve y lírica que juega con el lenguaje y la sonoridad. El título sugiere movimiento, vibración o inquietud, lo que podría reflejar una narrativa experimental o poética.

«Y vosotros, dondequiera que estéis, ¿sabéis vosotros qué es lo que os quita el sueño?». Todo arranca en una noche de insomnio en un barco que navega desde Sicilia con destino al continente. Es un vi

Dibujo de un zorro herido, de Oriol Puig Grau, ha sido escrita dentro del programa de Residencias Dramáticas 2023-24 del Centro Dramático Nacional.Portada y textos contrapuestos en castellano y catal

Ocho obras de teatro breve que bien pueden ser consideradas relatos teatralizados o, incluso, relatos per se, con una única misión: impactar emocionalmente al lector y hacer que forme parte intrínseca de la historia. Todas regaladas, es decir, que, una vez comprado el libro, cualquiera puede represe...

Calderón de la Barca sabía perfectamente del gran poder del teatro para crear imaginarios hasta ese momento desconocidos.Hijo de la Contrarreforma, tenía que satisfacer las necesidades dogmáticas que la Iglesia de su tiempo imponia.El genio creador de Calderon intento en innumerables ocasiones conjugar su obediencia a esos principios dogmaticos con elementos que elevasen la consciencia de sus espectadores a espacios mas alla de la obediencia ciega y les permitiesen amplias cotas de reflexion, abrazando la naturaleza humana sin limites.El gran teatro del mundo es una obra paradigmatica en ese sentido. En ella se conjuga un imaginario escenico inedito en su tiempo y una versificacion de una extraordinaria belleza, con unas reflexiones espirituales y filosoficas de gran profundidad que proponen a los espectadores del siglo XVII y a nosotros mismos amplias cotas de reflexion sobre la naturaleza de nuestra existencia y los valores que la acompañan.

Un tribunal de un premio literario debate sobre las consecuencias de nombrar a cuatro mujeres finalistas, una niña organiza una sentada en el campo de fútbol de su colegio, una corredora forma un atasco dispuesta a terminar su carrera, una joven a la que siempre se le ha servido la mitad decide comerselo TODO. GRRRL son trece relatos de resistencia protagonizados por un Ohasta aqui". Cuando las teorias no alcanzan solo queda el rugido.

Casona, crítico siempre de los males de la sociedad civilizada—del mundo urbano—utiliza el tema del suicidio como telón de fondo del asunto central: la felicidad y la infelicidad en dos hermanos, en

Alejandro Casona juega con la fantasía y la realidad en el teatro. Estamos, y se ve desde la primera escena, ante una escenificación del teatro dentro del teatro, no al modo pirandeliano, sino instrumentando elementos del vodevil. Los arboles mueren de pie nos ofrece un mundo tocado de fantasia y unos personajes que ejemplifican una idea moral. Desde la escena pretenden mostrar y demostrar al espectador el bien, la belleza, la vida en su expresion mas genuina, bondadosa y maravillosa. La funcion de esta obra es orientar hacia el sendero de las fuentes cristalinas y limpias de una vida mejor. Que no me vean caida. Muerta por dentro, pero de pie. Como un arbol.

Una divertido alegato contra el convencionalismo social, elogiado por Ionesco.Escrita a comienzos de los años treinta, la comedia TRES SOMBREROS DE COPA, germen de toda la producción teatral de Miguel Mihura, tardo veinte años en ser estrenada y produjo, en el momento de su estreno, escandalo y asombro. Mientras muchos espectadores la calificaban de inmoral, la critica veia en ella una ruptura con el teatro comico anterior, un comienzo absoluto que presagiaba el teatro del absurdo. La fuerza dramatica de la obra radica en la oposicion de dos mundos irreconciliables: el de la burguesia provinciana esclavizada por mil convenciones, y el de un grupo de automarginados de esa sociedad que buscan la libertad y rechazan la moral hipocrita. No hay aqui lucha de clases ni se propugna una alternativa social. Las grandes tensiones se redimen por medio de un humor que rezuma escepticismo. Antonio Tordera, de la Universidad de Valencia, es autor de importantes trabajos sobre semiologia teatral. En esta edicion ofrece una lectura que situa a Miguel Mihura y a TRES SOMBREROS DE COPA en la perspectiva de una justa valoracion de su revolucionaria calidad artistica.

Nacido en el seno del teatro, durante una gira por America de la compañía de María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza (1921), Fernando Fernán-Gómez fue educado en Madrid, en el barrio de Chamberí, escenario y microcosmos de la guerra civil española en su obra Las bicicletas son para el verano. Su vocacion infantil fue doble: la interpretacion y la escritura; pero si publicamente se inclino por la carrera de actor, nunca dejo de escribir y, desde luego, de leer. A la consagracion popular que ya tenia como actor se une el prestigio de un gran escritor, miembro de la Real Academia Española. Los primeros poemas y narraciones breves dieron despues paso al teatro: su drama La cortada tuvo un accesit en el premio Lope de Vega, que luego ganaria con Las bicicletas son para el verano (1984), considerada como su obra maestra. Nuestra edicion, precedida de una Introduccion de Eduardo Haro Tecglen, en donde estudia la produccion y la vida de Fernando Fernan-Gomez, se completa con una Guia y propuestas de lectura de la obra, una de las mas importantes de la literatura dramatica española.

Recluidos en un sótano, un grupo de vencidos de la guerra civil contempla la vida a traves de un simbólico tragaluz. Jugando con el tiempo, Buero Vallejo consigue una dimensión de "sobrecogimiento historico" que obliga al espectador a entrar en accion y afrontar los problemas de su entorno. Luis Iglesias Feijoo, de la Universidad de Santiago de Compostela, analiza El tragaluz como testimonio excepcional del acierto de combinar, dentro de un teatro de vocacion realista, el interes por la intriga con la reflexion critica. En la Guia de lectura, Ana Maria Platas ofrece una rica seleccion de textos que ilustran el sentido y la trascendencia de la obra, y un detallado analisis de la obra que enriquece su lectura. El perfecto maridaje entre etica y estetica eleva El tragaluz a la categoria de clasico contemporaneo.