Ebooks de arte, página 144 de 1252

Uno de los objetivos de esta obra es el de reflexionar sobre otras formas de placer "inhabituales" para una mayoría modélica, que han sido pensadas, exhibidas y plasmadas por los y las artistas. Siguiendo a Michel Foucault: "Contra el dispositivo de sexualidad, el punto de apoyo del contrataque no debe ser el sexo-deseo, sino los cuerpos y los placeres". Otro objetivo es el de mostrar determinados modos en los que se hizo posible enunciar, simbolizar, representar y visibilizar la disidencia sexual en diferentes momentos socio-historicos en Literatura y en Artes Visuales (fotografia, escultura, cine, performances, pintura, instalaciones), partiendo del periodo comprendido entre los siglos XIX y XXI. Se partio de insistencias, que conectaron a Jean Broc, Aubrey Beardsley, Oscar Wilde, Gustave Moreau, Jean Genet, Marcel Jouhandeau, Enio Iommi, Andre Gide, Yukio Mishima, Ilse Fuskova, Judy Chicago, Gina Pane, Francis Bacon, Robert Gober, Robert Mapplethorpe, Fakir Musafar, Del LaGrace Volcano, Siri Gurudev, entre otros. El lector y la lectora avezados en Arte encontraran en este libro un breve compendio que podran articular con Estudios Queer o de disidencia sexual. Quienes ya han incursionado en las tematicas de genero podran proveerse de herramientas ilustrativas con las cuales pensar modos de construccion de la subjetividad de las personas queer o disidentes sexuales, a partir de las manifestaciones esteticas.

Estos ensayos fueron realizados por un grupo de profesionales del diseño, que se desempeñan en la tarea de la enseñanza de este campo disciplinar desde hace más de diez años, tanto en la Universidad de Buenos Aires como en el ambito privado. A lo largo de mas de dos años de rigurosos encuentros comenzaron a revisar su propia practica docente, atravesandola desde diferentes enfoques para el analisis y comprension de la compleja trama donde el Diseño es pensamiento y objeto. La reflexion y el debate surgidos en estos encuentros enriquecieron su propia practica, dando como resultado el presente trabajo.

Estamos en el año dos mil quince. Quince años nos separan del milenio anterior. Por el momento no veo que la distancia a esa fecha despierte una emoción particular. No tantas cosas han cambiado. De todas formas no voy a hablar de futurologia sino sobre la Arquitectura. El milenio que se fue, vio nacer y crecer las Arquitecturas del Movimiento Moderno, su crisis y revisiones constantes. Ahora es tiempo de seguir ejerciendo la profesion de arquitecto y para hacerlo, estos escritos proponen cinco ideas, cinco caminos. Estos fueron escritos en el año dos mil cuatro y al elaborarlos me impuse un reto que tenia dos posibilidades. La primera; elegir un arquitecto concreto, una obra o un solo tema y abordarlo con tal impetu de estudio hasta llegar a la mas honda de las profundidades, donde la respiracion se me hacia dificil y los buceadores eran ya muchos, intentando convertirme en el mas sabio entre los sabios de aquel objeto de mi eleccion. La otra; reunir aquellos temas que me habian seducido durante años en un circulo de intereses que de alguna forma debia cerrarse.

En 2009 Almudena Ribot, Ignacio Borrego, Javier Garcia-Germán y Diego Garcia-Setién se unieron para formar CoLaboratorio, una nueva unidad docente en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politecnica de Madrid. El objetivo de CoLaboratorio es investigar las transferencias que pueden existir entre las estrategias proyectuales y los nuevos procesos de diseño empleados por la industria contemporanea, para aplicarlos a la practica del proyecto de arquitectura, empleando para ello un modelo de colaboracion basado en el trabajo colectivo. En esta edicion se recogen parte de las reflexiones elaboradas a lo largo de estos cinco años, junto con las aportadas por los CoLaboradores que han formado parte de esta experiencia, enmarcada en el Grupo de Investigacion PROLAB, Laboratorio de Investigacion del Proyecto Contemporaneo.

La atmósfera nos hablaría de ambientes arquitectónicos en los que la materialidad, o la consciencia de materialidad, pasan a un segundo plano para que el protagonismo del espacio lo recupere el visitante-espectador a traves de sus experiencias y acciones, las interacciones y las sensaciones que experimentan. Los espacios atmosfericos se presentarian como realidades en las que la envoltura fisica que los envuelve se desvanece en beneficio del fenomeno, configurandose en mera informacion, una sucesion de efectos que una vez manipulados transmiten sensaciones al visitante-espectador. La materialidad es entendida como dialogo directo y volatil con el sujeto, trascendiendo de su condicion objetual en busqueda de lo etereo a traves de la combinacion de efectos sensoriales. La atmosfera haria del aire su material de trabajo, y su objetivo seria la reconquista del espacio como campo de trabajo para la arquitectura creando espectaculos espaciales con los que alcanzar un estado de empatia entre sujeto y espacio, por el que surge un dialogo fenomenologico entre ambos en el que hay cabida para la subjetividad. La atmosfera se nos desplegaria fundamentalmente desde cinco enfoques diferentes con los que descubriremos las razones por las se nos aparece de forma transparente, homogenea, fragmentada, fluida y relativa. La atmosfera tenderia a lo inmaterial, a lo transparente. Rehuiria de lo monumental, de lo univoco y totalitario, presentando estructuras fragmentadas. Seria ubicua y de relaciones basadas en la homogeneidad. Estaria ligada al movimiento y lo inestable, y no presentaria barreras a la fluidez. Sus estructuras rehuirian de lo fijo o lo absoluto, para disfrutar de una condicion relativa en cuanto a su escala, forma o programa. La atmosfera vendria estimulada desde el avance imparable de las nuevas tecnologias y medios de comunicacion, que no solo nos auxilian en las labores diarias si no que estan haciendo mutar radicalmente nuestras formas de vivir y de relacionarnos socialmente, pero tambien nuestra manera de pensar, de procesar y producir en general, e incluso a la hora de proyectar arquitectura. Estamos inmersos en atmosferas, entremezclandonos con ellas, impregnandonos en ellas, nos moveriamos a traves de ellas. Un contexto etereo y abstracto en el que el hombre como protagonista habita, explora, comparte y experimenta un espacio arquitectonico atmosferico inmaterial y de apariencia eterea.

El diseño estructural, al ser parte inseparable del diseño arquitectónico de la obra, surge desde el mismo momento de la concepción de los espacios, de modo tal que al ir definiendo cada uno de ellos, podremos, a su vez, ir determinando los elementos estructurales que la conforman. Cuando proyectamos la estructura en hormigon armado, debemos tomar en cuenta las caracteristicas del mismo. En nuestro medio, es el material estructural mas utilizado, por razones economicas y tecnologicas. Una vez trazado el esquema estructural, que representa la propuesta, se predimesiona cada uno de los elementos, es decir pre fijamos las dimensiones (ya que el peso propio es una de las cargas principales a considerar), no solo en funcion de la resistencia requerida, sino considerando ademas las necesidades formales y funcionales del proyecto global del edificio. A partir de aqui, y una vez consolidado tanto el proyecto arquitectonico como el estructural, determinaremos las cargas reales que debe soportar, para luego calcular las solicitaciones y finalmente dimensionar la armadura de cada una de las piezas que componen la estructura, verificando el rendimiento.

Ducharnos es algo que hacemos sin reflexionar más allá de la imagen que el mercado nos ha convencido con tal intensidad, que no dudamos de ella. El cuerpo mismo ha pasado a ser un objeto de consumo de la vida privada, dentro del espectaculo del confort. El ideal de lo bello, joven y limpio en la ducha es un producto construido recientemente para alimentar nuestro imaginario. La deriva que ha seguido la aparicion de la ducha en occidente, hasta llegar a formar parte de la cotidianidad, es mas interesante que la de un simple aparato sanitario relegado a una esquina del cuarto de baño. Realizando un sondeo en sus distintas epocas, es posible detectar momentos en que, pese a ser un espacio hidroterapeutico elitista, la ducha inspiraba gran temor. En otro momento, la ducha se veia como un instrumento extravagante, incluso comico. Y en su proceso de domesticacion, paso a ser un mecanismo de control de aquella parte de la sociedad considerada anormal: los huerfanos, los alienados, los presos, los obreros... en definitiva, los otros. Los conductos por los que circulan los flujos que recibimos, asi como las conductas que nos hacen seguir, permiten afirmar que la ducha es un dispositivo de control.

El tejido antiguo, desde el período cretomicénico al Bajo Imperio romano, alcanzó unos niveles técnicos nunca igualados en tiempos posteriores. Los hilos confeccionados con delicadísimas fibras de lana o seda a los que se unian los increiblemente finos hilos de oro eran el signo identificador de riqueza y poder de la reducida aristocracia homerica y posteriormente grecorromana. Las clases emergentes del periodo imperial romano pretendieron acercarse externamente a la estetica propia de la aristocracia y, al mismo tiempo, diferenciarse de la plebe. El plagio de materias lujosas fue muy habitual en este periodo. Tintes como la renombrada purpura de Tiro se imitaron en Grecia y Egipto durante el periodo helenistico, alcanzando el fenomeno cotas elevadisimas en epoca imperial romana. Asimismo, los finos hilos de oro se fabricaban con materiales de menor valia. Las fibras eran teñidas en amarillo o eran recubiertas con fina piel o metales dorados para imitar el oro. La presente monografia analiza criticamente los papiros y tratados alquimicos del Egipto romano que prescriben como hacer estos falsos tintes y sucedaneos de los hilos de oro. Los resultados eran tecnicamente tan buenos que se promulgaron prohibiciones e impusieron multas a aquellos que elaboraban o vendian fraudulentamente estas mercancias.

La conmemoración de los 60 años del Teatro Experimental de Jalisco es el motivo para recordar la importancia del teatro en la sociedad, ya que los escenarios y las artes escénicas han servido siempre para dar voz, se han utilizado como vehiculo sin censura para expresarse y crear espacios de libertad. Tras seis decadas de operacion, este teatro mantiene su mision como un espacio para albergar diferentes voces, diversas expresiones artisticas y para todo tipo de publico. Justamente de ello trata este libro: de la huella que ha dejado este recinto en su comunidad a partir de explorar su trayectoria y conocer la experiencia de quienes lo han vivido.

Fascinación, glamour, seducción... Pocas figuras eran comparables a las estrellas de cine durante los años cuarenta y cincuenta, cuando el séptimo arte era el gran medio de entretenimiento de masas. En especial, las actrices, que gozaron de una popularidad y un carisma que las convirtieron en instrumento de creacion de identidades para muchas seguidoras. España tambien conto con su propia constelacion. Sin embargo, en un contexto de precariedad y represion moral, estas mujeres no se ajustaban al ideal de feminidad que la dictadura franquista intentaba imponer al conjunto de españolas. Se constituyeron, pues, en modelos heterodoxos que suponian un desafio a los codigos normativos de genero, ya que no representaban los preceptos de domesticidad y maternidad, subordinacion al varon, recato... El presente libro muestra como, a traves de las peliculas que protagonizaron y de sus apariciones en los medios de comunicacion, se construyo su imagen como estrellas. Una proyeccion que a menudo resultaba incomoda para el regimen, que trato de resignificar o silenciar aquellos aspectos inconvenientes. Tres actrices encarnaron bien este desafio: Amparo Rivelles, Sara Montiel y Conchita Montes. Empoderamiento y resiliencia permitieron a la primera conducir su vida por los margenes de las convenciones sociales; Montiel fue la primera sex-symbol del franquismo, y Montes, una mujer intelectual que expreso reivindicaciones feministas. Cada una a su manera pusieron en evidencia las contradicciones y tensiones provocadas por las politicas de genero franquistas.

Al momento el unico libro sobre la vida y el arte de Ferrante Gorian, arquitecto paisajista que trabajò en Uruguay y Italia.

La aparente contradicción entre las palabras proyectar e incertidumbre revela la tensión conceptual que caracteriza a estas páginas. De un lado, proyectar es un trabajo de previsión y anticipación, cuyo objetivo es la construccion de un edificio que esta pensado para permanecer a lo largo del tiempo. Por otro lado, la incertidumbre apela a la imposibilidad de prever, a la falta de certezas y a lo inesperado. La necesidad de busqueda de un acuerdo entre estos dos objetivos irresolubles, define la intencionalidad y el marco discursivo del libro, situando la ambivalencia como el termino que define la posicion por la que se toma partido, habitando el espacio entre los opuestos duales. La incertidumbre es compañera de viaje de la vida de los edificios, y su permanencia en el tiempo esta atravesada y condicionada por acontecimientos sociales, politicos y fenomenologicos, aspectos que superan la propia actividad y el campo de influencia del proyectista. La disposicion proyectual por hacer que el hecho arquitectonico interactue y medie con y para estos factores de dimension circunstancial, relativa y cambiante, implica acoger lo imprevisto y desconocido -la incertidumbre- como base del pensamiento, dibujo y construccion de la arquitectura. Bajo estas premisas, el proyecto de arquitectura se convierte en una actividad de construccion de relaciones, donde la distribucion de un edificio ya no busca una buena funcionalidad y adecuacion de un programa de usos, sino un espacio con agencia para evocar y resonar en canales de interpretacion y percepcion en la experiencia del habitar. Se presume asi, que la problematizacion de la relacion entre la arquitectura y la incertidumbre cuestiona ciertas estructuras de la disciplina arquitectonica y de la actividad de la profesion. Proyectar la incertidumbre propone adentrarnos en un debate que articula otros fundamentos de la arquitectura; cuestiona la autoria sobre el edificio, critica la monumentalizacion del patrimonio arquitectonico, emancipa la arquitectura de la vision objetual y sustituye la funcion por la experiencia, incorporando la dimension corporal, afectiva, cinetica, mulitsensorial y performativa al proyecto de los espacios. Con todo, esta propuesta tiene vocacion de avanzar en la responsabilidad y conciencia del proyectista con respecto a la arquitectura y la relacion de esta con el paso del tiempo, para asi, abrir una via para renovar sus bases y vocabulario matriz.

Dentro del complejo saber de la naturaleza y del intricado universo del ser humano, este libro deja como reto la busqueda de un equilibrio entre nuestras acciones y el entonrno que habitamos para garantizar la armonia en el planeta que compartimos. Pero principalmente este libro lanza el desafio para la busqueda de un espacio perdido, el espacio que nos pertenece como seres vivos, esos espacios bilogicos de los cuales carecemos, huerfanos del espacio que nos es propio como organismos vivos.

Este libro se acerca a la cuestion del metodo en arquitectura focalizando su analisis principalmente en 5 obras concretas del panorama contemporaneo, tratando de desvelar las motivaciones ultimas que las constituyen. KAZUYO SEJIMA (+ Nishizawa + SANAA), Casa en un Huerto de Ciruelos en Tokio. FRANK O. GEHRY, Walt Disney Concert Hall en Los Angeles. ALVARO SIZA, Museo Mimesis en Paju Book City. REM KOOLHAAS, La Embajada de Holanda en Berlin. PETER ZUMTHOR, Museo Kolumba en Colonia. El objeto y la obra arquitectonica se consideran asi los elementos susceptibles de ofrecer el conocimiento material que permite desentranar el modo y la metodologia por el que estos han sido concebidos. Con esta particular aproximacion se desafian los tradicionales estudios que han comprendido al metodo como una sistematica universal o reglada, ya que en este caso el proposito consiste mas bien en esclarecer los fundamentos y principios que subyacen a cada objeto arquitectonico mas especifico. Por su parte, el Epilogo muestra una complementariedad al caracter especifico de los capitulos previos, ya que se atreve a avanzar con cierta voluntad conclusiva hacia la definicion de los principios mas sustanciales del metodo en arquitectura hoy. Este trabajo se diferencia de las investigaciones cientifico-historicas. Teniendo a estas como soporte, este estudio abre el camino a futuras investigaciones focalizadas especificamente en el metodo de proyectos en arquitectura

Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad. ¿Puede el arte dar a ver lo que no vemos? Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersion cada vez mas inquietante en un mundo digitalmente administrado. Graciela Speranza buscaba respuestas en la literatura y el arte contemporaneos cuando la pandemia de la covid-19 no solo acelero la comunicacion virtual, el control y la vigilancia, sino que en las ciudades desiertas nos enfrento con un atisbo de un futuro posible, un mundo sin nosotros.Pero ¿que puede decir el arte en medio de la catastrofe? De la montaña de abetos que Agnes Denes planto en Finlandia y los conciertos aracnocosmicos de Tomas Saraceno a las novelas fragmentarias de Olga Tokarczuk y Jenny Offill y los ensayos breves de Karl Ove Knusgard, de la telefotografia de Trevor Paglen y los videos de Hito Steyerl a las reconstrucciones agudas de Forensic Architecture o Agustin Fernandez Mallo, el arte y la literatura desvelan, recomponen, reconstruyen y, en el intento, renuevan sus medios.El resultado del recorrido es una sagaz reflexion sobre el mundo contemporaneo y el sentido del arte de hoy, una lente privilegiada para cambiar la escala y recalibrar nuestro lugar en el planeta, para volver a mirar las cosas, correr el velo que las opaca.

Adéntrate en la vida del divino Miguel Ángel a través de las claves arcanas y los insondables misterios que surcan los pliegues de La Pietà, en la turbadora mirada de Moisés, en la perfecta mano del

Adolphe Appia, es el artista visionario que impulsa el cambio de la concepción escenográfica del siglo XX. Un estudio pormenorizado de su obra equivale a un análisis en profundidad de los fundamentos de la escenografia moderna. Propicia un cambio tan significativo para la plastica teatral, una revolucion que sustituye la narrativa pictorica de los decorados teatrales por efimeras arquitecturas de luz y sonido.

La técnica de montaje se emplea en el cine debido a su eficacia para producir reales ilusiones. Nadie protesta en la sala porque la película salte bruscamente de una escena a otra. Dejamos que la imaginacion ponga lo que falta y comprobamos, aunque sea de manera inconsciente, que la y uxtaposicion de fragmentos filmados favorece la unidad y el significado de la pelicula. Pero el montaje se emplea igualmente, con los mismos efectos, en el resto de las artes, incluida la arquitectura.Se suele pensar que los montajes del arte surgieron a principios del siglo XX de la mano de Picasso y los surrealistas. Se acepta que la tecnica de montaje es un invento moderno. Es faci descubrir, sin embargo, la existencia de montajes significativos en otras epocas y culturas, lo cuall permite sospechar que el montaje no es un modo reciente del arte, sino un modo original y universal de la representacion que se mantiene vivo en nuestros dias.

Se intenta aquí desarrollar ideas que faciliten la comprensión de la contemporaneidad del historicismo arquitectónico con su tiempo. Lo que no apunta a una justificación, a un elogio o a una disculpa. Solo se busca comprender un acto aparentemente desatinado. A pesar de sus ganas de revivir el pasado, el "juramento de los Horacios" seguira siendo una pintura de fines del siglo XVIII y la iglesia de La Madelaine, un templo tipico de principios del 1900. Ninguno de los dos sera romano o griego segun las preferencias de sus autores. Este ensayo intenta, no sin temeridad, arrimar respuestas al problema de esa contradiccion.

El actual gusto por la irregularidad, en arquitectura, procede del viejo gusto por lo pintoresco. Enfrentado en ocasiones al gusto por la regularidad, es completamente ajeno, sin embargo, al gusto por el desorden. Ocurrio que las pinturas de paisajes realizadas en el siglo XVII demostraron, en el XVIII, que la belleza no dependia solo de la regularidad. Entonces se descubrio que los distintos elementos del cuadro se podian conciliar, procurando el equilibrio del conjunto, sin renunciar al contraste y la variedad. En poco tiempo la pintoresca irregularidad de los paisajes pintados se traslado al diseño de jardines y edificios, representando la libertad natural y la honestidad, privacidad y funcionalidad.La libertad del artista creador, que configuraba sus edificios sujetandose supuestamente a los usos, se enfrentaba a los limites de la forma. La funcion debia siempre imponerse.