eBooks de Historia y estudios de arte dramático, página 3 de 47

Un jardín de senderos que se entrecruzan. Pensar la producción ejecutiva de las artes escénicases un libro que celebra la diversidad y la evolución de la producción ejecutiva en las artes escénicas. Ofrece a los lectores una oportunidad unica para aprender de las experiencias y perspectivas de profesionales apasionados por su campo. Es una contribucion valiosa a la profesionalizacion y comprension de la produccion en las artes escenicas en Argentina e Iberoamerica. Este libro es un valioso recurso tanto para los productores ejecutivos como para quienes esten interesados en el mundo de las artes escenicas. No es un libro academico convencional, sino un compendio de experiencias, practicas y reflexiones. Es una invitacion a la exploracion y al aprendizaje de la produccion ejecutiva en el teatro, la danza, la opera y las artes performaticas, un engranaje fundamental en la creacion, gestion y produccion de proyectos escenicos. Sus paginas son resultado del trabajo y las redes de la Asociacion Civil y Profesional de Productorxs Ejecutivxs de las Artes Escenicas (APPEAE), que, instando a sus socios de Iberoamerica a encontrar espacios de reflexion, construyeron este relato coral que aporta mapas para los caminos que necesita el desarrollo de la profesion.

Las "Comedias Bárbaras" de Ramón María del Valle-Inclán ofrecen una obra teatral que sumerge al lector en el vibrante paisaje cultural y social de Galicia a principios del siglo XX. Esta colección de obras se caracteriza por su uso del esperpento, un estilo que distorsiona la realidad a traves de la exageracion y la grotesquez, encontrando un equilibrio entre la risa y la critica. Las obras reflejan la dualidad de la naturaleza humana y las tensiones entre tradicion y modernidad, en un contexto literario que anticipa las vanguardias que surgirian en la siguiente decada. Valle-Inclan, al utilizar un lenguaje rico y evocador, logra construir personajes complejos que encarnan las contradicciones de una sociedad en crisis. Ramon Maria del Valle-Inclan (1866-1936) fue un escritor y dramaturgo español cuya vida estuvo marcada por un profundo interes en la identidad española y la cultura gallega. Su obra se desarrolla en un periodo de cambios politicos y sociales, que influyo en su vision del mundo y en su estilo literario. Valle-Inclan tambien fue un critico del modernismo y las corrientes realistas, lo que lo llevo a explorar nuevas formas dramaticas con un enfoque revolucionario en el teatro español. Recomiendo encarecidamente las "Comedias Barbaras" a todos aquellos que buscan una representacion autentica de la cultura gallega a traves de una lente critica y creativa. Esta obra no solo ofrece un analisis de la condicion humana, sino que tambien invita a la reflexion sobre las contradicciones de la sociedad. Su relevancia perdura, haciendo de esta lectura una experiencia enriquecedora tanto para el amante del teatro como para el estudioso de la literatura.

Veinte mil leguas de viaje persuasivo es un completo manual de copywriting, pero con un giro adicional: es una novela que cuenta la lucha de René por salvar su negocio.A pesar de tener un sistema comercial perfecto, no conectaba con su audiencia ni despertaba su interes.Necesitaba dominar el arte de la redaccion persuasiva con urgencia.Cuando todo parecia indicar que bajaria los brazos, se topa con un maestro estrafalario y de costumbres non sanctas.Juntos iniciaron un viaje a lo mas profundo de los textos de ventas.Se adentraron en los fundamentos del neuromarketing y de la escritura comercial.Investigaron el mercado y los deseos profundos del cliente. Analizaron historias y anuncios publicitarios.Aplicaron los conocimientos a las paginas web, anuncios publicitarios y correos electronicos.El maestro desarrollo hasta el ultimo detalle.¿Conseguira Rene salir de pobre?Este manual novelado revela los fundamentos teoricos y practicos del copywriting y del storytelling, con ejemplos reales y consejos de escritura para Facebook, Instagram, LinkedIn, web y redes sociales.Un libro de aprendizaje y consulta para quienes deseen desarrollar las habilidades de un copywriter profesional a traves de una historia, aun sin conocimientos previos.

Tras más de cincuenta años dedicado al mundo del teatro, José Luis Alonso de Santos, uno de nuestros dramaturgos más aclamados en todo el mundo, ha sentido la necesidad de revisar su carrera. O, mejor dicho, su vida. Y he aqui el resultado: una especie de resumen, o memorias, de sus andanzas con, en, dentro de, por y para el teatro.Asi, Vivir el teatro no es una obra teatral ni un ensayo sobre el mismo. Aunque si es un compendio de lo que ello significa para el autor, su experiencia vivida y unica de lo que es vivir las entretelas. Porque, como el sabe bien, hay que jugarse la vida en cada frase que se escribe, en cada interpretacion en escena, en cada signo de direccion, en cada comunicacion a traves del arte. Si no, el juego solo es un simulacro y deja de tener sentido. Porque, en otras palabras, lo primero es poner el corazon en carne viva y enseñarselo al publico. O, parafraseando a Calderon de la Barca, como bien se entendera al leer esta obra, siempre hay que "volver a nuestra conversacion".¿Que es el teatro y para que sirve? ¿Se puede aprender? ¿Como poder dar forma escenica a lo informe y hacer visible lo invisible? ¿Que es el tiempo, en el escenario y en la vida? ¿Como conseguir entrar en la autentica dimension de la belleza?Este libro es, querido lector, el legado de un gran dramaturgo, la vida en la tramoya de Jose Luis Alonso. No te lo pierdas.

«Soy el pecado que te dio nueva ilusión en el amor.Soy lo prohibido».Dino Ramos y Roberto Cantoral¿Por qué dos amigas no pueden tirar, por qué no tirar con los maridos o las mujeres de los amigos, po

El libro presenta una visión estratégica de los desafíos cruciales de la gestión de un teatro, aplicables también a auditorios, museos, centros de exposición o de interpretación patrimonial, casas de cultura o equipamientos pluridisciplinares. Nacido de la observacion de la doble realidad latinoamericana e iberica, los conceptos y casos presentados son facilmente trasladables a cualquier otra region del mundo occidental. De manera sistemica, el lector puede encontrar informacion, ideas y consejos, asi como estimulos para la autorreflexion y el aprendizaje. Dirigido a profesionales, ofrece la oportunidad de situar modelos, metodos y tecnicas en los contextos donde uno este trabajando, y da herramientas de estudio a los estudiantes de gestion y produccion cultural.

Este libro es reflejo del día a día en el trabajo teatral. Surge de las observaciones de las muestras y análisis de estudios escénicos de distintos grupos de estudiantes de actuación en el Departamento de Artes escenicas de la Universidad del Valle. El lector encontrara aqui, no una serie de formulas, sino un testimonio sostenido de preguntas, dudas, afirmaciones cambiantes, confusiones y extravios en procesos teatrales varios. Son reflexiones que plantean la duda y la paciencia como garantes de una elaboracion estetica organica, y que hacen una llamada constante contra el auto-engaño, pan diario del artista teatral. Igual a otras bitacoras de direccion, como los cuatro volumenes de analisis del director sovietico Anatoli Efros, libro canonico de la direccion rusa que ha inspirado estos escritos, no hay intento de organizar el material de manera tematica, sino que las reflexiones siguen las asociaciones que surgen organicamente de los problemas de ensayo, problemas de amplio diapason cuya extension demuestra la enormidad del hecho teatral. Se espera, al publicar estos "consejos", entrar en dialogo con jovenes actores y directores que estan enfrentando problemas semejantes.

Las persistentes clasificaciones de una literatura o arte "del interior" de la nación han sedimentado diversos procesos culturales de homogeneización y esencialización. Este devenir histórico-artístico, signado por diferenciaciones y estratificaciones, ha consolidado determinados constructos de otredad, que a su vez son revisitados por los artistas regionales desde multiples perspectivas criticas. En dialogo con esta problematizacion, este libro propone a partir de los resultados de una investigacion doctoral el analisis interregional de un corpus estrategico de dramaturgias argentinas que permite comprender las configuraciones poeticas elaboradas por las practicas escenicas de la Patagonia y el noroeste argentinos (1983-2008) respecto del denominado "otro-interior". Las secuencias comparadas y los puntos nodales elaborados entre las dramaturgias del norte y el sur del pais habilitan la formacion de una poetica con voluntad de otredad, evidenciada en la impugnacion de ideologemas, en la sutura de identidades, en la solidaridad conceptual y organizacional, y en la reapropiacion territorial de procedimientos escriturales, entre otras acciones de corrosion aplicadas a subjetividades, temporalidades y espacialidades cosificadas.

En el año 2010 Carolina ya había participado como intérprete en una obra por Skype e imaginaba un teatro de pantallas a través de internet. Sus ideas invitaban a revisar las categorías con las que pensabamos el arte, pero ¿seria teatro?Desde entonces han pasado muchas cosas como la creacion de la plataforma Tan Cerca, experimentaciones y proyectos siempre embebidos en la riqueza desestabilizadora de aquello que corre sus perimetros. Y una certeza: la teoria debe quedarse cerca de la practica, tan cerca como pueda.Esta tesis justamente conjuga el trabajo artistico e intelectual para dar una mirada superadora. Una tesis que hace falta decirlo en una suerte de coincidencia abusiva se defendio por Zoom debido al contexto de pandemia.Asi, en dialogo con autores que han tratado la tematica, planteando la expansion del teatro y revisando la realidad de los nuevos medios de comunicacion en su interaccion con el arte, esta tesis constituye un interesante aporte en un tema en constante evolucion.Bernarda Arrillaga

Lo más representativo y selecto de la vida cultural del pueblo de Cabra y de la escena, danza, música, compañías, revistas y filmografía nacional e internacional, -junto a otras actividades del Centro Filarmonico Egabrense, Circulo de la Amistad, Ayuntamiento, Radio Atalaya e instituciones afines colaboradoras- ha tenido lugar en este añorado escenario y pantalla, bajo los telares, platea, palcos y aforo magnifico de tan emblematico edificio, regentado por diversas empresas durante toda su alargada y proclive existencia.

Apuntes de utilería en teatro y espectáculo en vivo aborda los aspectos técnicos de quienes se dedican profesionalmente, o quieren hacerlo, a la utilería del espectáculo en vivo. Del encuentro de los diversos oficios que intervienen para la puesta en escena, surge cada dia una funcion unica, por sus matices cambiantes.

Tres festivales escénicos en Lima. De 1998 a 2022 presenta una investigación de Carina Moreno Baca sobre los procesos integrales de gestión de tres propuestas de artes escénicas construidas desde el particular formato del Festival. Para reseñar cada una de dichas experiencias la autora nos remite a la voz de sus principales gestoras y gestores, permitiendonos conocer los conceptos, objetivos, motivaciones e incluso preocupaciones detras de su labor.Asi, el libro nos permite descubrir diferentes miradas de lo que se puede entender por festival, la profesionalizacion artistica, los publicos, el espacio publico, la gestion cultural, las politicas culturales y el rol del Estado, entre otros temas. Ademas el libro funciona como un completo archivo de esos procesos, permitiendo conocer la programacion de aquellos eventos, los artistas nacionales y extranjeros que participaron, algunas de sus principales propuestas, sus afiches, y otros detalles. Estos aspectos, unidos al relato de las y los gestores, dan cuenta de las propuestas curatoriales detras de los festivales, y permiten analizar la relacion entre los objetivos y conceptos que sentaron las bases de dichas plataformas y sus programaciones. Es decir, como las ideas tomaron forma precisa en los espectaculos que se ofrecieron y como se presentaron ante el publico.

Tres novedosas propuestas teatrales componen este libro, muy diferentes entre sí pero reunidas en torno al tema universal de la culpa y las diversas formas en que esta se agencia según tiempo y circunstancias. Dirigidas tanto a quienes trabajan directamente con la escena como al lector en general, Jorge Herrera nos ofrece estas tres piezas, desafiando nuestra imaginacion y nuestras capacidades interpretativas y creadoras.

El presente libro, por el camino didáctico que sigue, es un auxiliar para las clases de literatura, para las investigaciones del arte dramático y para quienes se inician en el arte teatral. Se trata de un estudio del teatro contemporaneo español de la posmodernidad y de la obra dramatica de Alfonso Vallejo, "Panic", publicada en 2001. Se analiza la forma estructural de esa obra: escenario, personajes, caracteristicas del lenguaje y su significacion y se apuntan los elementos que con-figuran lo tragico y lo comico en ella, para ejemplificar los rasgos de una obra posmoderna.

Desde el siglo XIX, cuando la cultura nipona empezó a cautivar e influir en Occidente, el japonismo ha venido ganando terreno. La fascinación por el país del sol naciente da paso a la sed por entender el verdadero sentimiento y la esencia que destila su cultura.En esa busqueda, es indispensable conocer el teatro clasico japones denominado noh.Establecido en el siglo XVI por los guionistas Kan-ami y Zeami, esta expresion histrionica caracteristica contiene y comunica los sentimientos, costumbres y vida de los japoneses.Las obras del teatro noh, sus trajes y mascaras han sido objeto de estudio y publicaciones en todo el orbe. Su popularidad ha crecido desde que, en 2008, el teatro Nogaku (que incluye las obras noh y kyogen) fue incluido en la lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la Unesco.En 129 historias, Aoki Michiyoshi actor del teatro de la escuela de Kanze de Kioto y Osami Takizawa discipulo de Michiyoshi y catedratico de la Universidad Junshin de Nagasaki presentan el teatro noh a los hispanohablantes.Otras obras de Osami Takizawa son La historia de los jesuitas en Japon (2012) y Los jesuitas en el Japon de los samurais (siglos XVI-XVII) (2018).

Este libro es la historia de un viaje, teatral y vital; el mismo que hicimos las protagonistas persiguiendo el sueño del teatro a 12 000 km de la casilla de salida. Un diario de viaje ibérico-austral cuyo telon de fondo es la trinchera creativa que construimos a base de pasion al otro lado del oceano y las dos orillas que nos atravesaron durante años. Las de la trinchera interpela al lector para situarlo en la historia de una compañia de teatro, de un grupo humano, creativo, vivo Un grupo de mujeres que, con la perspectiva que da la distancia, tomamos la decision de hacer arte con nuestros cuerpos, nuestras voces y nuestra historia.

El libro Decirse público: entre la mediación teatral y el efecto estético aborda aspectos de la relación entre teatro y público en nuestros días, desde distintas perspectivas. Para ello, aborda la relacion entre arte teatral y vida publica, generando formas de pensar las practicas artisticas frente a las cuestiones urgentes que aquejan a nuestras sociedades contemporaneas.Los textos presentados en el libro revelan la relacion entre teatro y publico a partir de la recepcion artistica, señalando como los cambios historicos ocurridos en las producciones escenicas desde la modernidad vienen provocando cambios en el efecto estetico, observandose mutaciones presentes en el vinculo entre personas espectadoras y obras de arte.El libro tambien aborda la mediacion artistica en sus diversos ambitos, destacando especialmente los experimentos realizados por iNerTE - Instavel Nucleo de Estudos de Recepço Teatral- (Inestable Nucleo de Estudios de Recepcion Teatral), organizados como actos artisticos colectivos propuestos al publico inmediatamente despues de la presentacion de espectaculos teatrales.Los debates performativos, o debates a la inversa, como los que realiza iNerTE, subvierten la mirada sobre la forma de abordar los espectaculos en los encuentros con las personas espectadoras. En lugar de partir de la pregunta "¿que quiere decir esta escena?", las propuestas parten de la indagacion "¿que sucedio con nosotros en la relacion con la escena?", planteando asi un debate que se hace efectivo a partir de las resonancias y efectos que el espectaculo provoco en el publico.

Por el Stella Adler Studio of Acting, fundado en 1949 y con sedes en Nueva York y Los Ángeles, han pasado actores y actrices de la talla de Marlon Brando, Warren Beatty, Robert De Niro, Harvey Keitel, Melanie Griffith, Benicio del Toro y Mark Ruffalo. Su fundadora, Stella Adler, criada en la tradicion del teatro yidis del Lower East Side de Manhattan, aplicaba un metodo propio, basado en los principios de Stanislavski pero con diferencias notables: en su version del celebre metodo, insistia sobre todo en el conocimiento y la conciencia de uno mismo. Para ella, el talento, el esfuerzo, asi como la autoestima un actor no triunfa si en su interior no siente, toda la vida, que es Dios, son los pilares de una buena interpretacion. Sus clases fueron reproducidas y reunidas en el año 1988 por Howard Kissel con la ayuda de Glenn Young, ambos importantes criticos teatrales, basandose en grabaciones, en notas tomadas por sus alumnos y en conferencias y entrevistas. El arte de actuar, pues, constituye un valioso compendio de sus enseñanzas, basadas en la atencion, el reconocimiento y una actitud abierta al mundo. Para Stella Adler, actuar es hacer, y para ello los actores y las actrices deben estar predispuestos a creer, como niños, que todo es verdad.

The book focuses on two perspectives: the scenological and the literary, and the visions of the spectator and those of the reader. If we refer to the spectator as the one who sees, the orientation is in the angle of the scene, but when the invocations happen in the field of the dramatic text or of different experiences of literature, another central figure appears, that of the reader. The one who reads literature is also a spectator. So what relationships and differences are established in the dynamics of spectators and readers? If this spectator/reader is absent or not perceptible, does the cultural model of the scenic or literary representation in which both are assumed make sense? Is the spectator a real body, and is the reader an invisible body? Or are these bodies just two entities of meaning that modernity has forged to connote its cultural stability?

La conmemoración de los 60 años del Teatro Experimental de Jalisco es el motivo para recordar la importancia del teatro en la sociedad, ya que los escenarios y las artes escénicas han servido siempre para dar voz, se han utilizado como vehiculo sin censura para expresarse y crear espacios de libertad. Tras seis decadas de operacion, este teatro mantiene su mision como un espacio para albergar diferentes voces, diversas expresiones artisticas y para todo tipo de publico. Justamente de ello trata este libro: de la huella que ha dejado este recinto en su comunidad a partir de explorar su trayectoria y conocer la experiencia de quienes lo han vivido.