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Ann Banfield analiza la obra de Virginia Woolf en relación con la filosofía de Bertrand Russell y la teoría del arte de Roger Fry, el crítico que abrió las puertas al postimpresionismo y, con él, al modernismo en Londres. Pone de relieve las afinidades existentes y encuentra en la teoria del conocimiento de Russell y en la reflexion de Fry sobre Cezanne y el postimpresionismo el marco en el que Woolf escribe. La mesa que esta ahi, tanto cuando la observamos como cuando no lo hacemos pero, ¿como esta cuando no la percibimos?, ¿esta?, es motivo de Al faro y constante de las naturalezas muertas del pintor frances. V. Woolf crea una narrativa en la que las cosas, las situaciones, el mundo todo, tienen una presencia y una consistencia que no dependen del observador, pero que al observador afectan. Ese es uno de los problemas a los que se enfrento Russell y, en el campo de la pintura, Fry: las impresiones que el pintor marca en la tela necesitan una estructura que las ordene, que las "soporte", al modo en que la necesita la narracion woolfiana.El metodo seguido por Banfield se diferencia del habitual en los estudios filosoficos: las citas y referencias, minuciosas, de los tres autores, Woolf, Russell y Fry, del padre de Virginia, Leslie Stephen que cobra una importancia superior a la habitual en los estudios al uso, configuran una trama en la que se perfila el juego de relaciones, una urdimbre "sostenida" por Bloomsbury y Cambridge. El estilo de Banfield persuade al lector y hace mas compleja una traduccion que Jose Luis Arantegui ha sabido resolver con brillantez.

Martha C. Nussbaum toma como punto de partida la filosofía de Aristóteles para establecer la pertinencia de la lectura y estudio de las obras literarias al abordar los problemas éticos. Si los textos filosoficos han planteado estas cuestiones en terminos de principios y reglas universales, abstractas, Aristoteles, a diferencia de Platon, concibio estos principios y reglas como "bosquejos" que debian llenarse con un contenido que se encuentra en las experiencias particulares. Experiencias y emociones que relatan las novelas y que la autora estudia en las obras de Henry James y Proust (cuya relacion con Albertine da titulo al libro), Dickens y Beckett, en la relacion entre dos de los miembros mas famosos del Grupo de Bloomsbury, Dora Carrington y Lytton Strachey. El libro termina con el que quiza sea el mas brillante ensayo entre los escritos por la autora: un analisis de la Odisea y, en concreto, de las razones que movieron a Ulises a rechazar la propuesta de la diosa Calipso: un amor eterno, que implicaba la inmortalidad y la felicidad. Ulises, como es sabido, prefiere volver con Penelope y la vida propia de los hombres, prefiere un proyecto de vida humana.No necesitamos solo ejemplos filosoficos (que solo contienen unas pocas caracteristicas que el filosofo ha decidido que son las de mayor relevancia para su argumento); tambien necesitamos novelas sobre la forma de vida global de la gente que realmente cree y vive la vida de la conmensurabilidad; sobre como llegaron ahi y como lidian consigo mismos y con los demas. Necesitamos aceptar esas obras, y otras obras sobre gente que vive y valora de manera diferente, para abordarnos no solo en y a traves del intelecto, sino evocando respuestas no intelectuales que tienen su propia forma de selectividad y de veracidad. Cualquier teoria social que recomiende o emplee una medida cuantitativa del valor sin haber ejercitado antes la imaginacion por este camino me parece completamente irresponsable.

En "El arte minimal. Objeto y sentido" la autora traza un panorama del arte minimal a través de la obra de sus autores más significativos, en relación al contexto del arte de los años sesenta y a la fundamentacion de los valores esteticos modernos. El libro analiza las cuestiones mas debatidas sobre el minimal, como el antiilusionismo, la falta de sentido y de expresividad o su caracter ideologico. Ademas, defiende el caracter significativo y vanguardista del arte minimal desde presupuestos distintos a los del post-estructuralismo.

A pesar de su título, Adiós a la estética es una obra sobre las cuestiones centrales de la estética, la experiencia estética y el juicio de gusto, que intenta abordar desde un punto de vista independiente de la "doctrina estetica" filosofica. Una vez liberado de las pretensiones programaticas de la estetica moderna, el analisis de la relacion estetica sera de utilidad mas alla del ambito artistico, pero tambien mas aca de la generalizacion filosofica, referido a practicas concretas de actividad artistica.

En los últimos años Filosofía del Terror o las paradojas del corazón se ha convertido en un clásico sobre el género del terror en el cine y la literatura. Al análisis y la definición del género, y al comentario de obras literarias y cinematograficas del pasado y contemporaneas, se añade la discusion de paradojas clasicas de la filosofia del arte: la paradoja de la ficcion, o como nos atemorizan y repugnan seres y sucesos ficticios, y la paradoja de la tragedia, o por que disfrutamos del terror en las obras de arte.

La atribución de un valor monetario a un bien, servicio o persona depende de circunstancias, se desarrolla de determinado modo y genera consecuencias que no son asibles desde la noción de precio. Estas dimensiones no advertidas constituyen el foco de atencion de la perspectiva que se presenta en este volumen. La division del trabajo intelectual en determinado momento considero que los economistas se debian encargar de la cuestion del valor y los sociologos prestar atencion a los valores. Este libro pone en entredicho tal division y plantea una comprension de las valuaciones monetarias como procesos ricos y complejos donde se ponen en juego la produccion, alteracion y negociacion de jerarquias sociales, morales y esteticas. A partir de casos empiricos de la historia del arte, la sociologia y la antropologia los autores reconstruyen los dilemas, tensiones y consecuencias a la hora de definir valores monetarios tal como lo experimentan traders, empresarios, agentes inmobiliarios, vendedores ilegales de dinero, prostitutas, apostadores compulsivos, tasadores de obras de arte, militares, jueces y victimas del terrorismo estatal. Estos escenarios ayudan a comprender que toda valuacion monetaria implica resolver tres interrogantes: por que, como y cuanto vale en dinero un servicio, un bien o una persona.

El lugar de la obra de arte, la posibilidad de reconocerla o discernirla, de distinguirla, de asumir su singularidad, de acompañarla hasta donde ella ha llegado o podido llegar, depende del fundamento/filamento desde cuyo regimen y en cuya neblinosa o pristina atmosfera aparezca. En la edad Arcaica esta profundamente enterrada o integrada en el mito, y en la edad Moderna cuesta cada vez mas trabajo separarla de la tecnica.

Este libro es uno de los estudios clásicos sobre aquella «ciudad de genios» de hace un siglo, a la que han convertido en un espléndido paradigma de investigación: la llamada «Viena fin-de-siglo» o «V

Un agudo análisis sobre la cultura, los límites del lenguaje y el arte.«Steiner es el heredero, lúcido y exigente, de la tradición europea que otorga a la literatura y a las artes un espacio céntrico

La peculiar autobiografía del célebre crítico italiano Mario Praz, en la que cada objeto de la colección personal que recogió en su casa, el Palazzo Ricci de Roma, se traduce en un capítulo vital.El apartamento de Mario Praz en el Palazzo Ricci es una de las rarisimas maravillas que se han dado en la Roma moderna. Este libro es la historia de como aquella casa y sus memorables objetos se fueron conformando a su propietario. Tanto es asi que solo a traves de ellos este gran critico, quien siempre amo la luz reflejada en los espejos, ha conseguido contar su vida. Las estancias contienen numerosas piezas de mobiliario neoclasico, Biedermeier, Segundo Imperio y Regencia, y configuran el peculiar museo de Mario Praz.En las paginas de La casa de la vida, pues, el autor nos lleva de habitacion en habitacion con el tono amable de un guia erudito que ha construido su vida a partir de unas obras de arte convertidas ahora en testigos mudos de un tiempo pasado.Reseña: El siglo XIX, ultimo vestigio del paraiso, contara siempre con una vaga secta de adoradores. Uno de los mas brillantes se llamo Mario Praz. Enric Gonzalez, Babelia, El PaisEs uno de los libros memoristicos mas bellos del siglo XX, y al mismo tiempo una historia del gusto en Occidente escrita por el inmortal Mario Praz. (...) Entre los muebles Biedermeier o Segundo Imperio, al lector le es dado recorrer la historia, la grande y la del propio Praz, en este formidable libro de sabor proustiano.El cultural (El Mundo)

Este Diario romano, escrito a dos manos, la del gran historiador del arte y la de su colaboradora, atestigua la primera presentación pública del Atlas Mnemosyne en la conferencia pronunciada por Warburg en la Biblioteca Hertziana, todavia inedita. El gran proyecto del Atlas, que habria de quedar interrumpido por la muerte de Warburg el 26 de octubre de 1929, propone un metodo de analisis que en la actualidad constituye el punto de partida necesario para todo estudio sobre la imagen. Ademas, el Diario refleja el microcosmos cultural y politico en el que trabajaron Aby Warburg y Gertrud Bing en años decisivos tanto para su investigacion como para la cultura italiana. Roma y su mundo es objeto de dialogo entre ambos, de juicios y valoraciones criticas, mezcladas con la cotidianidad de la vida misma, lo que hace de este Diario un texto imprescindible para todo el que desee aproximarse a la fascinante y enigmatica personalidad del fundador de la iconologia, que, lejos del esteticismo imperante entre los historiadores del arte, oriento sus trabajos guiado por la historia de las religiones y la psicologia.

¿Qué es la cultura visual? ¿Cómo debemos interpretar la gran cantidad de imágenes visuales que tenemos a nuestro alcance en la actualidad? ¿Cómo nos pueden ayudar los medios visuales a cambiar el mundo? Estas y otras preguntas se abordan en este libro de la mano de uno de los mayores especialistas en el analisis de la cultura visual: Nicholas Mirzoeff.En las ultimas decadas se ha disparado el numero de imagenes visuales con que nos encontramos, mientras nuestras vidas se ven cada vez mas invadidas por pantallas. Esta transformacion resulta al mismo tiempo confusa, liberadora e inquietante, ya que observar la nueva visualidad de la cultura no equivale a entenderla

Heranças de Derrida é uma obra publicada em 3 volumes, que reúne os textos apresentados no I Colóquio Internacional Desconstrução, Linguagem e Alteridade, ocorrido no Instituto de Filosofia e Ciência

¿Qué es el paisaje? ¿Qué llega a ser paisaje? ¿De dónde procede nuestro gusto por representarlo, fotografiarlo, pintarlo? "El Paisaje habitado" es la respuesta que ha encontrado aquel que, sumergiéndose en los paisajes, recorriendolos y no tanto contemplandolos, quiso habitarlos. Desde las ciudades a los cementerios, desiertos, islas, bosques, cuevas, jardines, infiernos, todo ello es paisaje. Una reflexion actual desde la filosofia que trata de aportar significados a aquello que contempla nuestra mirada y lo transforma subjetivamente. El territorio como lugar de afecto y humana emocion que cambia de significado al compas de nuestra intencion. ¿Cuales son nuestros paisajes? Este libro contiene algunas dubitativas respuestas, nada seguro, nada firme. Sobre todo, invita a vivirlos. Hay paisaje porque somos humanos.

El presente libro tiene por objeto dar a conocer al lector en castellano una pequeña parte de la obra de Jacques Bouveresse y, al mismo tiempo, un aspecto poco conocido del pensamiento de Ludwig Wittgenstein. El texto que da origen a este corresponde a los dos ultimos capitulos de Wittgenstein: la rime et la raison (Paris, Les Editions du Minuit, 1973) de J. Bouveresse. Los editores son los responsables de la traduccion y de la edicion critica del original frances, asi como de esta introduccion.

Dos ensayos del que fuera un crítico literario visionario, además de un genial dramaturgo y cuentista.A pesar de ser conocido fundamentalmente como el irreverente e ingenioso dramaturgo y cuentista y autor de El retrato de Dorian Gray, Oscar Wilde fue tambien un critico literario visionario. Defendio la critica como una disciplina independiente de la literatura y enfatizo el rol esencial de esta en el proceso creativo.En este volumen incluimos dos de sus mas importantes ensayos, que se publicaron en el volumen Intenciones en mayo de 1891. En El critico como artista Gilbert y Ernest conversan sobre la distincion entre el arte y la critica. Para Wilde, la creacion artistica solo puede proceder de un espiritu critico. La decadencia de la mentira presenta, tambien en forma de dialogo socratico, a los personajes Vivian y Cyril que, extravagantes y divertidos, debaten sobre el valor del arte, defendiendo el esteticismo y el arte por el arte.

¿Puede el arte ser utilizado para desplegar la crítica social? Esta es la pregunta que guía las reflexiones del presente libro, dirigido a personas interesadas en la estética, la filosofía o las ciencias sociales. En la primera parte de esta obra se explican sus hitos mas destacados, entre los que se encuentran K. Marx, S. Kracauer, W. Benjamin, M. Horkheimer, T. W. Adorno y J. Habermas. En la segunda parte, centrada en la formulacion de la teoria del reconocimiento por A. Honneth, se incorporan no solo sus obras clasicas, sino tambien su gran aportacion de madurez sobre el derecho de la libertad, ofreciendose asi una sintesis completa del autor. Finalmente, se analizan, desde la pluralidad de las artes, los tres modos de reconocimiento (amor, derecho y solidaridad). Estas reflexiones se completan con una seleccion de textos clasicos.

Se trata del primer ensayo de la historia destinado específicamente a la temática lo feo. La motivación del autor fue la persistente presencia de lo feo en su época, que él entendía como síndrome de esta. Un sindrome caracterizado por la inmoralidad creciente entre las personas, el incremento de tendencias naturalistas en el arte y la imitacion inmediata y carente de merito de la realidad mediante nuevos procedimientos de copia como el daguerrotipo o de las figuras de cera. Esos tres rasgos: la frivolidad (negacion de lo bueno), la causalidad (negacion de lo verdadero) y la particularidad (negacion de lo universal) son objeto de ataque del autor. De las manifestaciones artisticas mas propias de su epoca Rosenkranz solo salva a la caricatura: capaz de sintetizar lo generico y lo individual. El texto original en el que se ha basado esta edicion es el impreso en 1853 en Konigsberg por la editorial Borntrager. Aparte de las notas al texto que incluyo el propio Rosenkranz (con llamadas en numeros arabigos y situadas despues del texto de la monografia), se ha añadido un nutrido aparato critico (con llamadas en numeros romanos y a pie de pagina) para esclarecer referencias, que sin este quedarian muy oscuras. En las citadas notas, se aporta la traduccion del griego clasico de los textos en esta lengua que introduce el autor. Igualmente esta edicion contiene un apartado dedicado a las referencias bibliograficas que utilizo el autor en las ediciones contemporaneas que manejo.

Publicado en 1877 por Julius Bahnsen, uno de los principales representantes de la escuela pesimista alemana del siglo XIX," Lo trágico como ley del mundo y el humor como forma estética de lo metafísico" manifiesta el original modo de filosofar de Bahnsen, expuesto en su peculiar estilo literario, caracterizado por una amarga ironia y un corrosivo humorismo. En el presenta "in nuce" su estetica, y los rasgos fundamentales de su pesimismo de la contradiccion, que se traduce en una reinterpretacion de las categorias esteticas de la tragedia y el humor. Se trata del escrito mas accesible para el lector actual, que se sentira en el centro mismo del nihilismo, ese mal de nuestro tiempo.

En Lo trágico, los autores toman como punto de partida la diferencia entre la creación dramática trágica y la filosofía de la tragedia, dos líneas de trabajo que, como podemos comprobar en el libro, se articulan en una compleja reflexion. Tras analizar los fundamentos griegos de la tragedia en sus obras clasicas, Sofocles, Esquilo y Euripides, y en los planteamientos teoricos de Platon y Aristoteles, sus origenes y la interpretacion de los principales conceptos, recorren con minuciosidad y rigor la historia de las diferentes concepciones habidas en el mundo romano y en la Edad Media cristiana, en el Renacimiento y, sobre todo, en los siglosxviii y xix, cuando la valoracion de las obras y la teoria de la tragedia alcanzan sus cotas mas elevadas, en el Idealismo y en el Romanticismo, para acabar con las principales aportaciones del siglo xx, desde Freud y Benjamin hasta Szondi y Arendt.La reflexion filosofica moderna en torno a lo tragico parte de una paradoja pues, en efecto, presupone una toma de distancia de todo lo que parece constituir su objeto especifico de estudio: la tragedia. Hay que señalar que una reflexion sobre lo tragico no es lo mismo que una reflexion sobre la tragedia y esta precision debe orientar tambien al lector de nuestra obra. La confrontacion de estas dos lineas de reflexion se convierte, de esta manera, en una confrontacion de dos epocas y de dos culturas: la epoca y la cultura modernas han elaborado lo tragico como idea filosofica, mientras que a la epoca y la cultura antiguas (que incluso podriamos denominar de forma mas generica "premodernas") se debe la elaboracion de la tragedia como genero literario. Esta distincion representa un punto de partida fundamental cuando se quiere afrontar el problema de la sistematizacion de las ideas sobre lo tragico y sobre la tragedia.