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Con un ritmo ágil y una extrema profundidad la autora trabaja sobre los actores, obras y el detrás de los telones de la Comedia nacional y el teatro uruguayo.La Comedia Nacional cumplió 70 años en 2017 y sin embargo nunca se habia escrito hasta ahora un libro con un abordaje periodistico sobre el elenco de la Intendencia de Montevideo, un libro en el que confluyeran las voces de los artistas, que narrara los entretelones del acontecer teatral desde sus protagonistas, que echara luz sobre la actualidad de uno de los pocos elencos estables publicos de teatro que existen en el mundo. Sin maquillaje. Historias de la Comedia Nacional en el siglo XXI es justamente eso, un retrato coral y a cara lavada de los actores y actrices que forman y formaron parte de la compañia, una investigacion minuciosa a traves de las vivencias, las anecdotas, las obras y los procesos del elenco en el siglo XXI pero tambien un reflejo de como esa vieja Comedia, aquella creada por Justino Zavala Muniz y con Margarita Xirgu como directora central, aquella de la que formaron parte grandes figuras como Estela Medina, Maruja Santullo, Enrique Guarnero o Alberto Candeau se ha transformado en un elenco joven, versatil y plural. El libro recoge entrevistas a unas 75 personas, entre actores, directores, dramaturgos, periodistas y espectadores asiduos, y traza una historia del elenco a partir de hitos del siglo XXI, como fueron las direcciones artisticas de Hector Manuel Vidal y Mario Ferreira, los años itinerantes con el Teatro Solis cerrado y la vuelta en 2004, o el fin del star system de la Comedia. Obras claves como la version de Bodas de sangre realizada por Mariana Percovich, que desato una gran polemica, la incursion de Roberto Suarez en el elenco departamental con El hombre inventado o el boom de El viento entre los alamos son reconstruidas con detalle. A traves de un gran trabajo de archivo se habla de todas las obras que puso en escena el elenco de 2000 a 2017. Esta investigacion, a la vez, cuenta con perfiles exhaustivos de los 25 integrantes del elenco (como Levon, Andrea Davidovics y Leandro Nuñez) y exintegrantes de la compañia, como Estela Medina o Jorge Bolani. No es aventurado arriesgar que este sea uno de los libros mas importantes que se han escrito sobre el teatro nacional en la historia de Uruguay y sin duda es unico en cuanto a acercar al publico a las luces y sombras de los actores y su oficio. El libro no solo cuenta la historia de la Comedia Nacional, sino tambien, de forma colateral, del teatro uruguayo, de una manera en la que nadie lo habia hecho hasta ahora.

Hay que tener presente que el proyecto intelectual de sor Juana Inés de la Cruz no fue precisamente el de escribir versos y comedias, sino el de alcanzar un estudio profundo de la teología. Ella misma asi lo expreso en la "Respuesta a sor Filotea de la Cruz" cuando se quejaba de su autodidactismo. El presente libro titulado "Teatro y teologia" tiene la honra de ser el primer opusculo mayor que se publica sobre sus tres autos sacramentales, con la presentacion de un nuevo encauce critico para su mayor entendimiento y una consecuente revaloracion. En el siglo XVII el estudio y la enseñanza de la teologia era aspiracion intelectual imposible para una mujer, aun si estaba como sor Juana dedicada a la vida monacal; en consecuencia, la disposicion que mostro por las letras respondia mas a las numerosas peticiones que recibia, que a sus deseos personales, ya que se comprueba que la monja poseia mayor avidez intelectual por la ciencia y, como coronacion de la piramide cognoscitiva, la indagacion teologica. Por una via mas personal, el lector descubrira que la Belleza era para nuestra paisanita un camino teologico.

Este libro parte de la siguiente hipótesis: la autoficción responde a una tendencia general en el arte contemporáneo, pues, asumida la imposibilidad de un referente estable –incluido el propio autor–

Sam Shepard (1943) llegó a la ciudad de Nueva York en 1963, en un período de intensa experimentación y renovación de las artes escénicas. Tras estrenar sus primeras piezas teatrales en el Theatre Genesis de la iglesia de St. Marks in-the-Bowery, el joven dramaturgo se entrego con fervor a la libertad creativa propia de la escena del Off-Off-Broadway neoyorquino durante toda la decada de los sesenta. Este volumen estudia como sus obras breves de este periodo se trasladaron a los escenarios, con una viveza sin precedentes en la tradicion dramatica estadounidense, una sensibilidad contracultural y juvenil que tomaba como referencia el lenguaje musical del rock y los iconos de la cultura popular. En estas obras se encuentra el origen de toda una poetica de la imaginacion escenica: una apertura hacia lo posible.

Gertrude Stein fue una de las protagonistas de la vida cultural del París de principios del siglo XX. Como coleccionista de arte, su famoso atelier de la Rué de Fleurus, alojó muchos de los lienzos que configurarian la historia del arte moderno europeo. Tras una dimension publica como madre de la Generacion Perdida, la produccion literaria de Stein fue prolifica y abarco campos muy diversos. La menos conocida de toda fue la teatral, a pesar de que llego a escribir casi un centenar de textos dramaticos. Este libro constituye un estudio pionero al analizar la revision del mito faustiano que Stein llevo a cabo en Doctor Faustus Lights the Lights (1938) y señalar las estrategias esteticas posmodernas que sirvieron de inspiracion para nombres clave en el teatro experimental estadounidense como The Living Theatre, Robert Wilson o Richard Foreman.

Un grupo de profesores especialistas del teatro español, francés e italiano reflexionan desde la teatralidad franciscana medieval hasta los orígenes de la tragedia, el teatro como espectáculo y el espacio escenico, sin dejar de lado a autores como Carlo Gozzi o Giovan Battista Gelli. Un elenco de investigadores que rinden un merecido homenaje a Federico Doglio, creador del Centro Studi sul Teatro Medioevale e Rinascimentale, quien supo fusionar desde el momento de su creacion los estudios teoricos teatrales con su representacion escenica.

El análisis del discurso crítico sobre el teatro deviene imprescindible en el intento de compresión de los invisibles cambios que se producen en la mirada del espectador de aquellos días. El estudio de la critica revela como el estallido del comentario de lo espectacular resulta paralelo a la revolucion escenica de los ultimos sesenta y primeros setenta. La explosion del comentario de lo espectacular es, por tanto, anterior a la transicion politica estricta alcanzando su punto algido en la primera mitad de la decada de los setenta. Estas paginas revelan como la critica refleja e impulsa el quiebre definitivo de las poeticas textocentristas y la conquista irreversible de regiones no verbales para la definicion de lo especificamente teatral. El giro resulta decisivo no solo para la historia de los escenarios sino tambien para la conformacion de la naturaleza misma de la disciplina teatral que saldra, por fin, de los estrechos margenes a los que le constreñia su exclusiva consideracion verbal y literaria. El presente estudio aborda este analisis de las modulaciones del discurso critico que se genera sobre el teatro en los años que llevan a España de una dictadura a una democracia. Comporta el centro de su interes el analisis de las ventanas desde las que nos hemos asomado a la ficcion teatral en el periodo que va desde 1966 a 1982.

"Una visión personalísima y absolutamente insólita de la historia del teatro español a través de seis creadores inclasificables de las más diversas tendencias, que marcaron nuevas sendas, tanto en el ambito nacional como internacional, y cuyas aportaciones, al decir de la autora, no han sido lo suficientemente valoradas o analizadas.Maria M. Delgado ha abordado aqui, como nadie lo habia hecho antes, con una notable capacidad de analisis y una enorme riqueza documental, las trayectorias de Margarita Xirgu, Enrique Rambal, Maria Casares, Nuria Espert, Lluis Pasqual y La Cubana. No se centra, pues, en los autores, sino en un puñado de actores e interpretes, en aquel "teatro de cada dia" que preconizo Jose Luis Alonso."Otro" teatro español juega en ese doble frente: da a conocer al lector las vidas y milagros de algunos de los iconos fundamentales del teatro español, pero tambien tiene la valentia de reivindicar, apasionadamente, las aportaciones de creadores poco valorados como Rambal o apeados de la historiografia por su condicion de "artistas de comedia", como es el caso de La Cubana. A traves de todos ellos recrea, a modo de telon de fondo, la historia del siglo XX teatral en España. Imprescindible." Marcos Ordoñez, escritor y critico teatral.

Con motivo del 400 aniversario de la muerte del Bardo de Avon, la Orden Literaria William Shakespeare rinde narrativo homenaje a uno de los escritores más importantes de las letras universales. Catorce relatos contemporaneos de diversos estilos que, inspirados por algun sujeto u objeto, tematica o tesis, palabra o gesto, emociones o intenciones extraidas del heterogeneo universo escenico del autor ingles, profundizan con precisa intension en esa atemporal voz creativa shakespeariana. Obras como Otello, La tempestad, Hamlet, Cuento de invierno, El mercader de Venecia, La tragedia de Macbeth o Sueño de una noche de verano sirven de excusa perfecta para acondicionar todo un moderno entramado de pasiones humanas eternas. Cinco autoras (Clara Astarloa, Alicia Ramos Gonzalez, Concepcion Romero, Rosario Paguillo, Maria Dolores Rubio de Medina) y nueve autores (Jose Carlos Carmona, Jose Iglesias Blandon, Juan Manuel Avila, Felix Valiente, Rafael Cruz-Contarini, Joaquin Abad, Guillermo Canelo, Enrique Garcia Lopez-Corchado, Jose Manuel Higes) que aunan comedia y drama sobre el escenario del teatro de la vida.

Según la mitología de la Antigüedad clásica, la diosa Astrea fue el último de los seres inmortales que dejó la tierra cuando la Edad de Oro se envileció y se convirtió en Edad de Bronce. Su retorno o

Este libro analiza el proceso de formación de una tradición teatral republicana en el periodo 1931-1936. En estos años asistimos a una apreciación simbólica de las obras teatrales del Siglo de Oro en su circulacion impresa y en las politicas culturales que fundaron los dos proyectos estrella de la Republica: Misiones Pedagogicas y La Barraca. Por ultimo, el libro muestra como la inestabilidad politica y social del periodo republicano impidio que se consensuara un modelo de Teatro Nacional y enfrento a la sociedad con dos imagenes antagonicas de Lope de Vega en la conmemoracion del tricentenario de su muerte en 1935. Desde un acercamiento multidisciplinar que se sirve de metodologias diversas de los estudios literarios, culturales y de performance, se analizan estas iniciativas.

Estudio indiscutiblemente meritorio sobre esta obra clásica de la literatura española que supuso un estímulo para otras investigaciones posteriores. Es, sin duda, un profundo examen acerca de su autoria, fuentes, genero, personajes, recursos lexicos y sintacticos, finalidad, influjo e incluso repercusion dentro y fuera de la Peninsula.

Ciudadano del teatro reconstruye los espectáculos dirigidos por Álvaro Custodio (1912-1992) y relata su extraordinaria peripecia vital. Custodio nació en un teatro, en Écija, y fue actor de La Barraca de Federico Garcia Lorca. En el exilio desde 1939, fundo Teatro Español de Mexico, probablemente la primera compañia profesional del siglo XX dedicada a los Siglos de Oro. Este libro se pregunta como logro que sus espectaculos se convirtieran en la mayor aportacion del exilio republicano al teatro en Mexico, y para ello estudia su repercusion en critica y publico, en teatros de camara y en espacios abiertos para multitudes, sin olvidar reveses como la prohibicion de La Celestina o la competencia insolita con Margarita Xirgu. En 1973 regreso a España: ignorado por la cultura de la Transicion, levanto una notable compañia en El Escorial. A lo largo de su carrera, colaboro con artistas como Leonora Carrington o Josep Renau; y descubrio a actores como Ofelia Guilmain, Ignacio Lopez Tarso o Juan Echanove.

Acercamiento a los autos sacramentales de Calderón, que pretende iluminar algunas de las imágenes o "sombras" de las alegorías calderonianas, examinando sus mecanismos expresivos, particularmente en lo que se refiere a la funcion del ingenio en la construccion simbolica y en la coherencia de los dobles planos (historial y alegorico) que componen su estructura.

El teatro comercial moderno se inicia en España sin patrocinio ni espacios propios. Miguel de Cervantes describió la extrema pobreza de sus primeras tentativas: "cuatro bancos en cuadro, con una manta detras". La comedia nacio y crecio a partir de apenas dos actores con una pasion comun, compartida con un publico que respondio masivamente a la llamada. Los primeros teatros surgieron alimentados por esa pasion, y sus huellas, en unos pocos casos preciosos, son todavia visibles a pesar de los siglos transcurridos. El presente volumen contiene la historia de uno de esos espacios clave: el teatro de Alcala de Henares, cuyos primeros cimientos se remontan a las ultimas decadas del siglo XVI. Este estudio contiene asimismo otra historia, casi tan improbable como la de la supervivencia del teatro mismo: la de la imaginacion creativa, dedicacion ferrea y persistencia determinada de dos individuos de nuestro presente que, enfrentados a una serie interminable de obstaculos y reveses, se han mantenido firmes en su empeño por sustraer al olvido esos vestigios materiales.

El presente estudio persigue cumplir tres objetivos fundamentales: por una parte rastrear lo que Moratín dejó a su paso tras la producción de un reducido número de comedias tanto en el teatro como en la critica; por otra, indagar que fluctuaciones experimentan los conceptos de influencia y legado segun el momento en que sean analizadas sus obras; por ultimo, contribuir con un modesto estudio de su legado a una critica que, en lo que respecta a Moratin y por extension con aquello vinculado al neoclasicismo, ha sufrido con el tiempo una drastica simplificacion. Paralelo a los objetivos anteriores, esta obra plantea interrogantes como: ¿que se ha dicho de Moratin en los cien años que siguieron a su muerte?, ¿fueron tan solo las unidades aquellos elementos que se recuerdan de su teatro?, ¿oscilan las perspectivas criticas? Junto al cometido de responder a estos interrogantes, el resultado es una compilacion testimonial, en esencia, que desvela conclusiones hasta ahora ignoradas a la vez que corrobora el peso de este hijo predilecto de Talia en el teatro español.

[ES] El presente trabajo analiza el impacto literario del mito de Greta Garbo desde una óptica panhispánica. Aborda no sólo su constitución en mito como una unidad de significado organizada por el hecho filmico y cinematografico, sino tambien por la literatura. Se ha dividido en distintos modelos, conformados por aportaciones de las teorias filmicas y literarias focalizadas en su mayor parte en los procesos de recepcion. Aunque se ha mantenido la especificidad de los codigos que forman parte del mito, se trazan convergencias entre ellos al tratarse de una realidad intersemiotica. Para ello, se ofrece un recorrido critico de los textos desde la estetica de la recepcion, la semiotica, la narratologia, la teoria de los polisistemas y la iconologia, ademas de las teorias de los generos literarios y cinematograficos. Se constata que el mito, especialmente el que surge en la cultura de masas, exige la proximacion comparatista, trasversal e interdiciplinar de los distintos discursos y artes. Ello demuestra la vigencia del mito en la literatura contemporanea.-------------[EN] This thesis analyses the literary impact of the myth of Greta Garbo from a panHispanic perspective. As a starting point, the constitution of film and cinematographic myth in literature is explained, and subsequently different models are applied based on film and literary theories that primarily address reception. Since we are dealing with an inter-semiotic reality, convergences are drawn among the different codes describing the myth. To do so, a rich corpus of texts has been studied (novels, stories, poems, microstories, hybrids) from the point of view of the aesthetics of reception, semiology, narratology, theory of polysystems and iconology. Also explored is the notion of literary and film genre. It was found that myth, especially when emerging from mass culture, requires a comparative, cross-sectional and interdisciplinary approach involving different discourse and arts. Furthermore, the general validity of myth is demonstrated in both Spanish and Latin American contemporary literature.

Este ebook presenta Amor, honor y poder (Edición completa), con un sumario dinámico y detallado. Amor, honor y poder es una comedia de Calderón de la Barca, estrenada en 1623. La comedia cuenta la historia del rey Eduardo de Inglaterra y de sus amores con la condesa de Salveric. La Infanta Flerida, hermana del Rey Eduardo III de Inglaterra, esta a punto de morir despeñada a causa de su desbocado caballo pero es rescatada por Enrico, hijo del Conde de Salverie. El joven se prenda de ella y, ya en el castillo del Conde, el Rey se congratula de la salvacion de la Infanta y se siente atraido a su vez por Estela, hermana de Enrico. Pedro Calderon de la Barca (1600 - 1681) fue un escritor barroco español del Siglo de Oro, fundamentalmente conocido por su teatro. La obra teatral de Calderon de la Barca significa la culminacion barroca del modelo teatral creado a finales del siglo XVI y comienzos del XVII por Lope de Vega.

Sabbioneta, la ciudad ideal del príncipe renacentista Vespasiano Gonzaga entre Mantua y Parma, es un espacio único de la cultura artística y arquitectónica europea, Patrimonio mundial de la Humanidad. El protagonismo de su Teatro allantica da cuenta del lugar privilegiado que tuvo la accion escenica entre los siglos XVI y XVII, epoca abierta a la busqueda de nuevos codigos de la representacion del mundo. Recordando el encuentro que se realizo en 2009 a la sombra del sugestivo edificio teatral, este libro reune ensayos de filologos e historiadores del espectaculo italiano y español sobre algunos aspectos del teatro clasico, con el objetivo de contribuir a la recuperacion y valorizacion de los lugares simbolicos de la cultura europea.

Si Shakespeare, y Lope, fundaron el teatro moderno, rompiendo la rígida preceptiva del clasicismo, Ramón María del Valle-Inclán es, sin duda, el creador del teatro contemporáneo. Con su innovador esperpento subvirtio los codigos de la dramaturgia (realista y simbolista) y, de la mano de las vanguardias, a las que supo adelantarse en no pocos aspectos, e inspirado por las timidas tecnologias audiovisuales que se abrian paso con el nuevo siglo, protagonizo una autentica revolucion del espectaculo. Cuando se cumple el 75 aniversario del fallecimiento de Valle-Inclan, Jose Maria Paz Gago, con La revolucion espectacular, reivindica los valores escenicos, esteticos y eticos del teatro valleinclaniano, y situa al autor en el lugar que le corresponde como uno de los mayores dramaturgos del siglo xx, pero tambien como uno de los autores de teatro mas importantes de la historia de la literatura universal.