Libros de Teoría y crítica del cine, página 3 de 53

Esta sugerente obra a Angélica García-Manso nos introduce en el fascinante mundo del cine desde una perspectiva tan nueva como necesaria: las complejas interrelaciones que el Séptimo Arte entabla consigo mismo y con otros sistemas de expresión artística que han dejado huella textual ¿e intertextual- tan sensible como creativa. En breves capítulos se recorren aspectos teóricos y prácticos, en un viaje en el que la Intertextualidad, el Arte Comparado y el propio Metacine se revelan como herramientas clave a la hora de contemplar la gran pantalla.

El miedo a los muertos es un temor universal que persiste desde hace siglos. Vampiros, fantasmas o momias han inundado en todo este tiempo cualquier forma de cultura popular. Pero son los zombis ?los muertos vivientes? quienes en estos últimos años han impregnado libros, música, cine, cómics y hasta videojuegos. Los zombis torpes que arrastran los pies y extienden sus brazos hacia sus víctimas son la representación más universal del terror. El exitoso modelo que creara George A. Romero en La noche de los muertos vivientes sirvió de inspiración para recrear un sinfín de manifestaciones que van desde la industria casera del gore mundial hasta las marchas zombis que se organizan en lugares públicos.

Entre la segona meitat de la dècada dels anys vint i els trenta es produeix a Espanya la conformació d'una cultura cinematogràfica, un aparell discursiu de difusió i reflexió sobre el cinema articula

En esta obra, el autor analiza un conjunto de narraciones literarias y cinematográficas que le permiten pensar el concepto de lo extremo en tanto movimiento, desplaza-miento o aproximación a lo externo, lo extranjero y lo extraño. Se trata de textos y filmes que comparten un irrefrenable magnetismo por el limite, que fueron recibidos como atipicos, anomalos, exasperados o provocativos, realizados en Argentina hacia fines de la decada de 1960 y principios de la de 1970. La eleccion de dicho momento no es casual; es cuando se produce, de manera exacerbada, esa ambicion que atra-viesa la modernidad: arrastrar el lenguaje al abismo y entonces hallar su punto ciego.

El presente volumen reúne una colección de textos procedentes de la obra dispersa de Román Gubern, uno de los más brillantes teóricos de la comunicación audiovisual de nuestro país, centrados en temas relacionados con la imagen y la cultura audiovisual y escritos entre 1981 y 2011, con destino a periodicos, revistas, conferencias, simposios o congresos, catorce de los cuales (es decir, cerca de una cuarta parte de los ofrecidos en este libro) han permanecido hasta ahora ineditos. El volumen esta dividido en cuatro apartados: el primero dedicado a teoria e historia del cine; el segundo centrado en el cine norteamericano; el tercero -y mas extenso- sobre cine y cultura de masas en España, y el ultimo sobre cultura de la imagen en general y sobre aspectos diversos de las industrias audiovisuales y sus tecnologias. En el periodo abarcado por esta antologia se asistio al nacimiento de la television global, a la explosion de las televisiones privadas en Europa, a la despenalizacion de la pornografia en muchos paises occidentales, al transito de la imagen analogica a la imagen digital, a la difusion de la telefonia movil, a la comercializacion de la realidad virtual, a la expansion meteorica de Internet y de las redes sociales, al ascenso en el mercado de los videojuegos y a la emergencia de las "tablets" y del libro electronico. Todos estos temas, y algunos mas -como la revolucion robotica-, aparecen tratados en algun momento en este corpus heterogeneo de reflexiones, que balizan aspectos fundamentales del tejido cultural en nuestra sociedad posmoderna.

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais es un conjunto de reseñas cinematográficas que tratan sobre las películas y sobre las muchas cosas que pasan alrededor, antes y después de ellas: referentes literarios, secuelas, precuelas, actores, directores, festivales. No es una selección canónica de títulos ni una hoja de ruta para el lector: se trata de un compendio de títulos que ayuda al autor a contar una historia, hecha de muchas historias más pequeñas, a las que él llega a través de las películas.

Cine documental e inmigración en España: una lectura sociocrítica , se acerca desde el campo de los estudios sociocríticos a los textos fílmicos documentales producidos en España sobre el fenómeno de la inmigracion durante la primera decada del siglo XXI.Basandose en un corpus de unos 30 filmes documentales, Pablo Marin Escudero desentraña los mecanismos ideologicos que consciente o inconscientemente funcionan en estas representaciones:el control ideologico del estado y la autocensura.los mitos en torno a una primermundializacion de un pais convertido en receptor de inmigracion.el borrado de las medidas represoras del Estado y la sociedad en favor de una autorrepresentacion edulcorada como pais caritativo y acogedor.la ambiguedad de los planteamientos en torno a la multiculturalidad.el analisis de los elementos puramente filmicos tales como el doblaje, subtitulacion, encuadre, color, sonido, etc.

La represión y la locura de la Junta Militar se manifiestan en las peripecias de sus personajes

Este libro nace de un diálogo entre investiga-dores, artistas y profesionales de Chile, Méxi-co y Francia, referido a un doble punto de vis-ta para abordar el cine tridimensional, pues reúne el aporte conjunto de los estudios ci-nematograficos y la practica profesional au-diovisual, con un enfoque transversal que permite comparar los usos de la imagen tridi-mensional en diversas disciplinas. Ademas del tratamiento teorico, esta obra cuenta con multiples imagenes que permiten al lector ob-servar un amplio archivo de fotografias en 3D, gracias al uso de unas gafas especiales in-cluidas en la edicion.

El Poder nos atrapa, y aquí abrimos la puerta de su manifestación por el cine. Entre los modos de representación del poder, se aborda el género fílmico de procesos judiciales o cine de juicios, profundizando en uno de sus reflejos mas significativos, El proceso, dirigido en 1962 por Orson Welles, donde el espectador se identifica con el angustiado señor K. en su lucha contra el corrupto sistema judicial que lo procesa sin motivo. Este magico filme de simbolica belleza visual se contrasta con la enigmatica novela (1915) de Franz Kafka adaptada. Ambas obras son relevantes creaciones de la modernidad. Por un lado, Kafka es referencia popular de muchas obsesiones del siglo XX: la burocracia, los laberintos legales, la injusticia y el autoritarismo; denominando el termino kafkiano a lo absurdo-siniestro.

Las imágenes urbanas que nos ha trasmitido el cine han conformado y siguen conformando el imaginario de generaciones enteras. La ciudad en la pantalla es signo y significado de la acción. Expresa determinadas formas de vida de sus habitantes a la par que contribuye a definir el caracter, las circunstancias y la diversidad que rodea a cada uno de ellos. Puede ser transgresora, distinta, universal, cosmopolita e, incluso, un espacio imaginado. Se nos presenta como trasfondo de conflictos belicos, destrucciones masivas, intensos movimientos migratorios, crisolde razas y culturas. Es el espejo donde se proyectan las diferencias sociales y culturales. Cobija y arropa a las personas que la transitan. Unas veces se exhiben sus edificios, establecimientos y barrios mas conocidos a modo de carta de identificacion; otras, lo mas reconditos. Con frecuencia, su fisonomia cambia a medida que lo hacen los comportamientos de los protagonistas. Actua como un personaje mas dentro de la trama y tiene el mismo valor argumental que cualquiera de ellos.Bajo todos esos prismas se estudia en este libro, en el cual dieciocho especialistas investigan diversas ciudades europeas en el cine, que abarcan todo el continente de norte a sur y de este a oeste, es decir, desde Helsinki hasta Sevilla y desde Moscu hasta Lisboa, cubriendo asi parte del gran vacio bibliografico que existe sobre el tema.

Este libro recoge las ponencias de Encuentros PHE08, organizadas por el Ministerio de Cultura, dentro del marco del festival PHotoEspaña, en el que se analiza el papel de la fotografía en el arte del futuro. Edicion bilingue español-ingles.

El audiovisual contemporáneo ofrece un arsenal extenso de historias e imágenes sobre mujeres y hombres que, sin duda, tienen algún tipo de influencia en la construcción de las identidades personales. El cine y la television (en sus vertientes de ficcion, entretenimiento y publicidad) transmiten valores, modelos, actitudes y, como no, determinadas representaciones de genero que refuerzan, mantienen o transgreden los estereotipos de masculinidad y feminidad.Atendiendo a esa realidad, este libro propone analizar con rigor la mirada de algunos de los creadores y creadoras contemporaneos mas relevantes que han centrado su interes en el protagonismo femenino, asi como las representaciones sobre las mujeres que distintas obras audiovisuales contemporaneas proponen.Su contenido incluye reflexiones sobre la imagen contemporanea de la heroina en el cine epico, la obra de cineastas interesados en la figura femenina, la presencia de las mujeres mayores en la pantalla, la imagen de la mujer en el cine español preterito, el abuso sexual de la mujer en los filmes, la renovacion de la protagonista romantica , el papel asumido por las presentadoras en el entretenimiento de la pequeña pantalla, los estereotipos de genero que fragua el spot publicitario y los roles desempeñados por los personajes femeninos en la ficcion televisiva de nuestros dias.Para lograrlo, el volumen reune un grupo de expertos y expertas provenientes del ambito de los estudios de genero por una parte, y de la narrativa cinematografica y televisiva por otra. Aunque de procedencia muy diversa, el encuentro de sus trabajos forja una obra compacta, tan estimulante como necesaria.

Errata Naturae presenta a sus lectores el primer ensayo escrito en profundidad sobre Pere Portabella: cineasta referencial de la modernidad cinematográfica y una figura absolutamente imprescindible para comprender el origen y el desarrollo de las producciones cinematograficas independientes, experimentales y clandestinas en España a partir de los años sesenta. Pere Portabella, nacido en Barcelona en 1929, es uno de los directores mas relevantes de la historia del cine español, recientemente recuperado para el publico tras las importantes retrospectivas de su obra organizadas por los museos MoMA, MACBA y el Centre Pompidou de Paris, y con el reestreno en salas comerciales de buena parte de sus peliculas. Estas son un referente central a la hora de analizar la impregnacion de las rupturas esteticas e ideologicas de los llamados Nuevos Cines europeos en el ambito de la cinematografia española. Ademas, los filmes de este cineasta plantean de forma casi excepcional en nuestro pais una vinculacion estrecha y enriquecedora entre la produccion filmica y las nuevas propuestas formales de la vanguardia artistica. Constituyen, ademas, uno de los cuestionamientos mas lucidos y constantes de los limites convencionales entre el genero documental y la ficcion que se han llevado a cabo dentro de nuestras fronteras. Ruben Hernandez recorre en profundidad la obra de Portabella, proponiendonos una lectura de la relacion entre las peliculas de este cineasta y las politicas de la narracion en el cine. ¿Que es, en realidad, el llamado cine politico? ¿Que factores determinan, en uno u otro sentido, los valores politicos de una pelicula? ¿Cual es la relacion entre arte y politica que tiene lugar en una obra de vanguardia, como es el cine de Portabella? ¿Pueden ser la forma, el lenguaje y la tecnica de una pel

Viajar es vivir, aprender, conocer, crecer, descubrir. Pero frente al género literario de los libros de viajes, definido y cultivado desde hace cientos de años, en el ámbito cinematográfico nunca decimos que hemos visto una película de dicho género. Así y todo, ¿podríamos hablar de un cine de viajes? Precisamente de eso trata Hasta donde el cine nos lleve: de películas que cuentan un viaje físico y de otras en las que este es también espiritual o emocional. Viajes célebres o anónimos que, en cualquier caso, siempre resultarán excitantes, ya que a través de este cine de viajes vamos a descubrir hermosos paisajes y paisajes desolados, aventuras sin límite y desventuras al límite, pasiones irrefrenables y emociones a raudales. Ya sea por placer o por necesidad, el ser humano es viajero por naturaleza. Si en sus orígenes la búsqueda de alimentos le obligaba a ser nómada, el hombre del siglo XXI tiene puestas sus miras en mundos que no están en este sino en el espacio exterior. Así, Hasta donde el cine nos lleve relata la odisea definitiva del homo itinerantis en la gran pantalla, de la Prehistoria de En busca del fuego al lejano futuro de Dune, así como realiza un somero repaso a la historia del séptimo arte, de Viaje a la luna de Georges Méliès a Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen, pasando por el cine de aventuras, el western clásico, las road movies o el cine de terror actual. Un viaje doble en el que el lector comprenderá, como Paul Bowles y Bernardo Bertolucci, que no es lo mismo ser turista que viajero, y que en la mayoría de los casos -y este libro no es una excepción- es el camino y no el destino lo que de verdad importa.

Las guerras del cine es una reedición de uno de sus libros más importantes. Entre los cuales podemos encontrar ´Movie Wars: How Hollywood and the Media Limit What Movies We Can See´. Este libro se esmera en denunciar cómo Hollywood y los medios de comunicación hacen lo posible por evitar que el público norteamericano vea películas extranjeras dejándolas fuera de los grandes canales de distribución. La producción de éste libro se realizó en conjunto con el Festival Internacional de Cine de Valdivia, considerando la visita del autor como jurado del certamen el año 2007