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Le escritura es, sin duda, uno de los grandes inventos de la historia de la humanidad. Sin ella hubiera sido imposible el desarrollo de las matemáticas, la medcina o establecer el sistema jurídico y administrativo de una comunidad. Y por supuesto hubieran sido imposible creaciones artisticas y libertarias como Don Quijote de la Mancha. La evolucion de la escritura ha sido estudiada por numerosos autores que han analizado el proceso desde practicamente todos los puntos de vista: la semiotica, la sociologia, la filosofia o la arqueologia...

El ?blanco?, como tal, solo existe en nuestra percepción; es inútil, por tanto, salir en su busca. En lugar de ello, debemos encontrar el modo de sentir la blancura, ya que a través de este proceso tomaremos conciencia de un blanco ligeramente mas blanco que el blanco que percibimos normalmente. Esto, a su vez, nos hara ser conscientes de la sorprendente diversidad de blancuras que podemos encontrar en la cultura japonesa: por fin lograremos entender palabras como ?silencio? o ?espacio vacio?, y sabremos distinguir los significados ocultos que contienen. A medida que adquiramos esta compenetracion con el blanco, nuestro mundo se tornara mas resplandeciente y sus sombras mas acusadas. Kenya HARA

El retrato en el Renacimiento se le atribuyen múltiples usos y funciones -emotivas, documentales, devocionales o legitimadoras- que lo convierten en uno de los generos por excelencia de este período. Estas funciones quedarian condesadas en las galerias de retratos: uno de los nuevos espacios de exposicion y almacenamiento propios del Renacimiento junto a la camara de las maravillas y al studiolo. En esta comunicacion analizaremos el origen y evolucion de estas galerias, sus usos y funciones y sus ejemplos mas representativos desde la perspectiva de genero. Por eso, en esta ocasion, Felipe II, Francisco I o Fernando II cederan el testigo a Margarita de Austria, Maria de Hungria, Juana de Austria o Catalina de Austria, mujeres todas ellas que reunieron algunas de las galerias de retratos mas significativas de las cortes europeas del siglo xvi, a traves de las cuales hicieron presentes a familiares y amigos ausentes en la distancia y en el tiempo, subrayaron su pertenencia a un linaje familiar y legitimaron su posicion en la corte y en los circulos reales y nobiliarios.

Desdeñando los clamores del partido contrario, voy a decirle al público con franqueza y sencillez lo que siento ante cada uno de los cuadros que honre con su atención.

Manual de texto, para la asignatura de Historia del Arte Contemporáneo: Siglo XX del Grado en Historia del Arte.

Publicado con motivo de la exposición Otro Renacimiento. Artistas españoles en Nápoles a comienzos del Cinquecento, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 18 de octubre de 2022 y el 29 de enero de 2023, en colaboracion con el Museo e Real Bosco di Capodimonte en Napoles.La vinculacion entre España y Napoles va mucho mas alla de una relacion de proximidad mediterranea. El virreinato instituido en 1503 tras la conquista del territorio por el Gran Capitan inaugura una larga secuencia de historia compartida y el primer tercio del siglo XVI seria una etapa crucial en el intercambio cultural y las manifestaciones artisticas. Estas circunstancias propiciaron que los artistas hispanos formados en el norte de Italia, en Roma o Florencia, viajaran a Napoles llevando un nuevo lenguaje, antes de regresar a su patria.En este catalogo, que acompaña una exposicion del mismo nombre, se aborda de manera novedosa ese particular momento, que no ha ocupado un lugar preeminente en los estudios sobre el Renacimiento europeo, para desvelar los mecanismos que rigen la circulacion de influencias mutuas.La investigacion minuciosa sobre las excepcionales piezas que integran la exposicion y los apurados ensayos introductorios permiten analizar esa fecunda interrelacion, la españolizacion de Italia y, al mismo tiempo, un similar y enriquecedor proceso inverso.Las transformaciones que se producian en ese mundo cambiante en lo politico, pero tambien en la literatura, la pintura o la escultura, se estudian en unos textos elaborados bajo la doble y exhaustiva mirada de especialistas de ambos paises: Manuel Arias, Carlos Hernando, Riccardo Naldi, Encarnacion Sanchez, Carlo Vecce y Andrea Zezza.

El cantar del mio cid es el poema épico más famoso de la edad media hispánica y la obra que supuso la consagración de Rodrigo Díaz de Vivar como personje literario.

En 1958, cuando el arquitecto polaco Oskar Hansen presentó su proyecto de monumento para el campo de exterminio de Auschwitz-Birkenau, una de las víctimas valoró su propuesta de este modo: “Nosotros

Beautifully illustrated Anna Jackson s Kimono includes more than 200 kimono from collections at the V&A and around the world as well as examples of the ways in which they have been represented in paintings prints and photographs and interpreted in popular culture and fashion from Bjork to David Bowie John Galliano to Issey Miyake The kimono worn by women men and children is the ultimate signifier of Japan revered within the country as the embodiment of national culture and regarded internationally as an exotic fascination Often viewed as a simple unchanging garment the kimono has been equated with tradition and seen as something static and timeless This book published to accompany a major exhibition at the V&A London presents the kimono as dynamic and fashionable and explores its significance in historical and contemporary contexts both in Japan and in the West The kimono cannot simply belong to Japan or it will disappear This is not a ceremonial garment It s fashion it always has been And fashion is for everybody Vogue Jataro Saito

Desde la creencia de sus poderes curativos hasta la autoproclamación de criminales, a través de la representación de mitos y diferentes religiones o la confirmación de la pertenencia a un grupo, los tatuajes son una de las mas caracteristicas formas de expresion asociadas a los marineros, los soldados, el crimen organizado, las bandas o tribus urbanas ademas de ser una forma de adorno corporal y una expresion de estilo de vida, filosofia o creencia. A traves de un texto claro y detallado, este libro descubre el significado de los tatuajes que han perdurado a lo largo del paso del tiempo y que, incluso hoy, explican mucho acerca de la persona que los llevan. Despues de todo un tatuaje es mucho mas que un dibujo en la piel; es una declaracion de intenciones. Y cada tatuaje tiene una historia escondida que este libro esta dispuesto a revelar. Todas estas historias estan acompañadas de excelentes ilustraciones de tatuajes, algunas de gran formato, sobre las pieles de diferentes personas. Este titulo esta dividido enagrupadas: mundo marinero; mafias, mundo carcelario y militar y tribus urbanas; erotismo y amor; filosofia y espiritualidad; estilo de vida, pureza; fortaleza, poder y dignidad; mal y muerte; mundo magico, suerte y mitologia; culturas y religiones, racismo y nazismo.

En 2018 se celebró en Barcelona una exposición que supuso uno de los más bellos homenajes a la mítica figura Madelman coincidiendo con el 50 aniversario de su nacimiento. El evento despertó el interés de creadores, diseñadores, modelistas y demas personal que habia participado en la creacion de Madelman y que hasta ese momento no se habian visto representados en la historia oficial relatada. Asi que pusieron de manifiesto su deseo de que algun dia se pudiese explicar el verdadero origen de la figura y quienes fueron sus protagonistas, poniendo a disposicion de los autores material que nunca habia visto la luz. El analisis de dicho material, junto al inedito fondo de la familia Arnau, que formaba parte de la leyenda madelmaniaca, dibujaba una historia muy distinta que merecia ser contada.

Antes no hacía falta entender nada para tener una experiencia estética al contemplar una obra de arte, pero hoy no es así: desde las cajas de Brillo de Andy Warhol hasta el tiburón en formol de Damien Hirst, en el mundo del arte actual se exponen muchas cosas extrañas, incluso chocantes. Se comprende que a menudo los espectadores se pregunten: ¿no es esto una tomadura de pelo? ¿Por que el arte actual es asi, por que no se entiende? Antonio Puerta narra con claridad y perspicacia el viraje del arte en el siglo XX a traves de 43 obras iconicas, dialogando a la vez con las ideas sociales, cientificas, religiosas o culturales que las acompañan. Gafas para entender el arte moderno se abre, con estilo informativo y ameno, tanto al amante como al detractor del llamado arte despues del arte, para mostrar el contexto, advertir el impulso creador de cada artista y desentrañar el sentido de sus obras. Porque una cosa es aprender a mirar el arte actual y otra distinta entenderlo, las gafas que nos propone Puerta no son para corregir nuestra vision, sino para favorecerla. Tras la lectura de este libro, ir al museo o a la galeria puede convertirse en una experiencia completamente diferente y, sobre todo, mas gratificante.

De entre todas las obras de Velázquez, Las hilanderas son, junto con Las meninas, aquellas que más bibliografía han generado. La causa hay que buscarla en su extraordinaria calidad, en la ambición y complejidad de sus composiciones, y en su capacidad para generar respuestas artisticas. Sin embargo, esa abundancia de acercamientos tambien ha sido propiciada por su ambiguedad, pues ofrecen importantes dificultades de lectura, lo que constituye todo un reto para quienes se acercan a ellas.

Opuesto al pesimismo posromántico de los simbolistas, Malévich ?fiel en esto a la inspiración nietzscheana de su generación futurista? optó por un porvenir en el que el hombre sera único dueño de su destino. Confiado en la dialectica optimista del futurismo (ruso), elaboro una buena parte del vocabulario profetico, voluntarista de esta escuela. Sus frases dinamicas se estructuran con ritmo irregulares, trufadas de imagenes luminosas, bajo la apariencia de un lirismo incontrolado.

La memòria i la utopia identifiquen dues disposicions del subjecte, una orientada cap al passat i una altra cap al futur, sent ambdues actituds crítiques respecte al present. La intersubjectivitat de

Desde el romanticismo, el bufón, el saltimbanqui y el payaso han sido imágenes hiperbólicas y a propósito deformantes con las que los artistas han querido mostrarse a sí mismos y exponer la propia naturaleza del arte. Se trata de un auto­rretrato encubierto, cuya intención no se limita a la caricatura sarcástica o dolorosa. Una actitud tantas veces repetida, que se reinventa de forma tan obstinada a lo largo de tres o cuatro genera­ciones, no debe pasar desapercibida a nuestra atención. El juego irónico se emplea como inter­pretación de uno mismo por sí mismo: es una epifanía ridícula del arte y del artista. La crítica a la honorabilidad burguesa tiene, así, su equiva­lente en la autocrítica dirigida contra la propia vocación «estética», uno de los componentes que se debe reconocer como característico de la «modernidad», desde hace algo más de cien años.

Un texto breve y apasionante, polémico, en el que se articulan los ejes principales de la gran pintura italiana. Tres protagonistas fundamentales por encima de los nombres más consagrados: Giotto, Piero della Francesca, Giovanni Bellini. Con ellos, Paolo Uccello, Antonello da Messina, Miguel Angel y los grandes venecianos; tambien Caravaggio. La narracion de Longhi rompe los esquemas preestablecidos y se aventura en una articulacion historica original. Si algo le preocupa es mirar las obras y analizarlas en esa mirada: su argumento prescinde de los elementos externos y trata de precisar con rigor los caracteres de su plasticidad.En 1914, cuando solo tenia veinticuatro años, Roberto Longhi redacto esta sintesis de la historia de la pintura italiana para uso de los estudiantes del liceo en el que impartia clase. Reproducida en numerosas ocasiones, se convirtio en un texto legendario que solo muchos años despues seria publicado, que ofrecemos en traduccion castellana.Como ha dicho su introductor, Cesare Garboli, aqui esta en embrion el Longhi posterior. Un embrion apasionante y polemico, que se lee de un tiron, casi como si fuera una novela.

¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberiamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relacion que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona como conciliar nuestra indignacion y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va mas alla: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es tambien madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran exito de critica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una epoca en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razon de serlo, pero plantea tambien importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepcion misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos mas oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es mas, ¿que ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo victima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.

El art brut fue definido por el artista francés Jean Dubuffet como toda práctica artística, intermitente o permanente, realizada por una persona «indemne» de cultura. Aunque Dubuffet redefinió con lo

Nell'ampia spianata erbosa chiamata Campo dei Miracoli sorge a Pisa uno dei complessi monumentali più famosi del mondo. Qui svetta la celebre Torre pendente, uno dei simboli del nostro Paese, ma non meno straordinaria è la candida mole marmorea del Duomo, mirabile fusione di elementi architettonici orientali e occidentali. Una pietra miliare dell'arte romanica al cui interno rifulge non solo il concitato, drammatico linguaggio espressivo del pergamo di Giovanni Pisano, ma anche una ricca serie di capolavori scultorei, pittorici e musivi che coprono un arco di tempo compreso tra l'XI e il XX secolo.