Libros de Arte contemporáneo, página 16 de 167

En un cruce de disciplinas entre el cine, el video, las artes plásticas y la narrativa poética, la obra de Enrique Ramírez (Chile, 1979) hace eco a la hibridez del mundo contemporáneo en el que vivimos.Entre ficcion poetica y realismo documental, la obra de Enrique Ramirez es sobre todo una invitacion al viaje, a la capacidad de descentrarse y mirar desde el otro lado; a cuestionar el espacio, la geografia y sus cartografias con la arbitrariedad de sus politicas y sus fronteras; a repensar la historia y sus discursos preestablecidos; a liberar la palabra a traves de la poesia proponiendo una lectura plural y subjetiva ante el tiempo, el animo y el mundo.Este libro constituye el primer proyecto editorial enmarcado dentro del programa Encuentros Latinoamericanos, cuya intencion es institucionalizar espacios de encuentro, dialogo y reflexion critica en torno a la produccion artistica del subcontinente Latinoamericano.

Recoge, con el mismo carácter convergente y pluridisciplinar propio de las prácticas artísticas contemporáneas, la pluralidad de miradas que los autores han realizado en sus últimos trabajos e investigaciones desde la arquitectura, escultura, pintura, urbanismo, diseño grafico, critica de arte, historia, comunicacion, artes aplicadas, cine y fotografia.

En junio de 2012 tenía lugar la última edición del festival In-Presentable, un espacio en el que artistas nacionales e internacionales han compartido con los espectadores todo tipo de prácticas, discursos, situaciones, acciones y obras.La pregunta de la que partieron los editores era como afrontar, tres años despues de su final, una publicacion que no solo hablase de la historia reciente del festival sino que tambien generase una experiencia por si misma. El equipo de editores se propuso retomar esta idea he invito a participantes del festival a hablar y dialogar entre si, dando lugar a ocho entrevistas. El diseño del libro sigue las pautas del primer volumen. Si en la primera edicion los contenidos se organizan con formato diccionario contraponiendo imagen con texto, la segunda ordena el contenido separandolos: se abre y cierra con imagenes que captan en vivo a muchos de los protagonistas de In-Presentable 2008-2012; mientras que las entrevistas a los invitados y el interrogatorio al que es sometido Juan Dominguez (comisario de In-Presentable) por el equipo editor, forma el bloque central de la publicacion.

"Catálogo de la exposición Bruce Conner (1933, McPherson, Kansas-2008, San Francisco) es uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición, la primera que presenta su trabajo en nuestro pais, reune mas de 250 obras que abarcan los cincuenta años de su trayectoria.La obra de Conner surge en la escena artistica de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes tecnicas y, a menudo, creando piezas hibridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado."

La exposición, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes) y comisariada por Berta Sichel para Bureau Phi Art Projects, es una inmersion multimedia en cuatro decadas de la produccion de Leandro Katz, El rastro de la gaviota- titulo de una de sus obras- es un ensayo visual de la conexion del artista con la antropologia, la historia y la literatura desde diversos acercamientos conceptuales. En su obra, uno de los intereses mas destacados es la cultura Maya. La aparente simplicidad en las imagenes de la Luna en peliculas como Tomas Lunares o La ventana de Judas, entre otras, y tambien en la serie fotografica El Alfabeto lunar, por ejemplo, estan implicitamente relacionadas con esta cultura, ya que existia una intima conexion entre la Luna y algunos de sus mitos.

Arte y sida en Nueva York desarrolla los efectos artísticos de uno de los episodios históricos más relevantes en el desarrollo de la cultura gay: la irrupción del sida en la vibrante comunidad homose

Los Encuentros Internacionales de Arte en Pamplona reunieron, en junio de 1972, obras de más de 350 artistas de todas las disciplinas: arte electrónico, performance, videoarte, poesía pública, pintura y escultura, musica electroacustica, musica aleatoria A lo largo de la semana que duraron, lograron convocar, ademas, a varias decenas de artistas internacionales como John Cage, Steve Reich, Michael Nyman, etc. Los Encuentros de Pamplona supusieron un verdadero shock en la conciencia colectiva española. Y aunquese celebraron con todas las limitaciones impuestas por la agonica dictadura, fueron un preanuncio de la creacion artistica y cultural en libertad que llegaria a España tras la muerte de Franco.Este acontecimiento inesperado y premonitorio es el que se aborda en el libro Los Encuentros de Pamplona, en donde se incluyen entrevistas a sus principales protagonistas (Luis de Pablo, Jose Luis Alexanco, IgnacioGomez de Liaño, Isidoro Valcarcel Medina, Jose Miguel de Prada Poole), varios ensayos de importantes especialistas y dos series completas de las fotografias que documentan aquel decisivo acontecimiento. Los Encuentros de Pamplona permitira poner en perspectiva los logros y las limitaciones de la creacion artistica y cultural en España tras este casi medio siglo de convivencia

José Luis Puche, artista malagueño que ha realizado en los últimos tiempos trabajos de gran predicamento. A través de esta muestra, "Colibrí. Puntos de sutura", exhibe un diario, no solo de la pandemia, sino tambien del confinamiento, de esa vida desarrollada de puertas para adentro, y de la "nueva normalidad", todo ello mediante la observacion de la realidad desde una perspectiva creadora.Puche apela al proceso creativo durante el confinamiento en un espacio limitado, con pocos medios. Aun asi, mas alla de reflexionar con espiritu critico, las dosis de melancolia y nostalgia que impregnan su obra lo significan como un artista comprometido con el tiempo que le he tocado vivir.Decidido y valiente, artista por vocacion, ---tal y como el mismo se define-, con esta exposicion da un paso al frente en el ejercicio de su responsabilidad como creador. No en vano, este tiempo se ha convertido para el en una pausa contemplativa, una coyuntura que le ha permitido reflexionar sobre su propio trabajo, sobre el pasado, el presente y el futuro, ademas de valorar las posibilidades de desarrollo de su obra en este contexto tan particular.Manuel Jodar Mena

Barcelona és famosa arreu del món per la seva arquitectura modernista, però allò que no és tan conegut és que moltes construccions modernistes han anat desapareixent. Recuperem la memòria d'aquests elements destruïts, alguns d'ells obres mestres d'un moment cultural irrepetible.

Street art is conquering the world. All over the globe, urban areas are home to pioneering creators and artistic communities. Art is Trash, the nom de guerre for Francisco de Pájaro, has astounded not only passersby in the streets of London, Barcelona and New York, but also gallery owners and art curators who are hungry for straightforward, instinctive and honest artists. His work speaks explicitly to the public, denouncing corruption and abuse of power, and also demanding our reaction. Art is Trashs work has been exhibited in renowned specialist galleries in London and Barcelona and Dubai.However, most of Art is Trashs work is ephemeral: he uses rubbish bags, abandoned furniture and debris to create art that works as a mirror for those who see it, reflecting our boundless, desperate consumerism and our obsession with power. It disappears fastsometimes as soon as it is finished. This book therefore fulfils the important task of collecting and recording the works and evolution of an artist who is surely on the cusp of transforming the streetand urban-art scenes on an international scal

Catálogo de la exposición centrada en el primer procedimiento fotográfico de la historia y su introducción en España. El daguerrotipo se presentó en 1839 como el sistema mecánico de reproducción de la realidad, una nueva tecnología capaz de fijar las imágenes obtenidas en el interior de una cámara oscura. El propósito de esta exposición ha sido contextualizar el nacimiento de un invento tan singular, como el mejor ejercicio para conocer su historia y de acercar al público aunque sea mínimamente, a lo que debieron sentir aquello que vieron por primera vez un daguerrotipo, su perfección, la finura de sus detalles, su cercanía con la realidad, en definitiva, a la "extrema fidelidad" del daguerrotipo presente como el "triunfo de la imagen", como portador de verdad y memoria, individuales y colectivas.

What is modern art? Why do we either love it or loathe it? And why is it worth so much damn money? Join Will Gompertz on a dazzling tour that will change the way you look at modern art forever. From Monet's water lilies to Van Gogh's sunflowers, from Warhol's soup cans to Hirst's pickled shark, hear the stories behind the masterpieces, meet the artists as they really were, and discover the real point of modern art. You will learn: not all conceptual art is bollocks; Picasso is king (but Cezanne is better); Pollock is no drip; Dali painted with his moustache; a urinal changed the course of art, why your five year-old really couldn't do it.

What about the Art? Contemporary Art from China es el reflejo editorial de la exposición de mismo nombre organizada por Qatar Museums que tuvo lugar el pasado año en la galería Al Riwaq en Doha. Cai Guo-Qiang reflexiona sobre el proceso creativo a parti

L'inventivit des formes et la puissance potique de l'oeuvre d'Annette Messager la placent parmi les artistes les plus importants du XXe sicle. Cette monographie rassemble ses travaux depuis le dbut des annes 1970 aujourd'hui. L'auteure, Catherine Grenier, enrichit son texte d'un nouveau chapitre qui comprend notamment ses dernires grandes expositions, "Casino" la Biennale de Venise en 2005, ou encore "Les Messagers" au Centre Pompidou Paris en 2007. Catherine Grenier propose une analyse chronologique de cette oeuvre singulire tout en analysant les thmes qui sont au coeur de son travail, de l'autobiographie fictive de ses dbuts ses grandes installations "pntrables" de ces dernires annes telle "Casino" Venise en 2005. Ce brillant essai est illustr par plus de 200 reproductions, il fait de cet ouvrage l'unique monographie de rfrence sur Annette Messager