Libros de Historia de la pintura y la escultura, página 3 de 96

"Verba Inanis" es un breve libro que sumerge al lector en un fascinante mundo de palabras vacías. Entre sueños fugaces y revelaciones escasas, el protagonista se adentra en un laberinto de pensamientos. Las rocas cobran vida, susurran secretos y revelan una sabiduria silenciosa. Esta obra invita a explorar el significado de la existencia, la memoria y la eternidad, acompañada de imagenes que enriquecen el viaje.

Este trabajo contribuye al conocimiento de la pintura zamorana del Renacimiento, que hasta ahora no habia sido estudiada en su conjunto, y que, por tanto, carecía de entidad y definición más allá de los talleres toresanos del tercio central del siglo XVI.

La actividad de los pintores y escultores que trabajaron durante los siglos del Gótico y del Renacimiento contnúa despertando gran interés en Occidente. Una de las aproximaciones más sugerentes para su comprension es desde un punto de vista historico-artistico, asi como el conocimiento de materiales y procedimientos tecnicos actualizados

La pintura mural romànica a la Vall de Boí es un libro del autor Pagès i Paretas, Montserrat editado por EDICIONS SALORIA. La pintura mural romànica a la Vall de Boí tiene un código de ISBN 978-84-12

Materia de escritura: entre el signo y la abstracción en la época del Intermedia (1950-1980) piensa las prácticas artísticas que indagan entre las operaciones de la escritura y la abstracción pictórica desde sus fundamentos esteticos. A partir de la escritura experimental desarrollada en las decadas de eclosion del arte intermedia en Europa y Estados Unidos, esta publicacion se centra en obras y artistas que mantienen una tension irresoluble entre el lenguaje y la representacion, poniendo el acento en la materialidad de la escritura. Con este planteamiento, el libro ofrece una ocasion idonea para cubrir la gran carencia academica que afecta todavia tanto dentro como, en buena medida, tambien fuera de nuestras fronteras a la historiografia y a la teoria de estas practicas artisticas. El terreno del arte intermedia ha venido desafiando, desde su nacimiento en los años cincuenta, los estudios disciplinares por su caracter hibrido y metamorfico. La fuerza de esta experimentacion llega hasta el momento presente e invita a repensar la supuesta oposicion entre arte abstracto e intermedia y a buscar nuevas perspectivas que permitan una vision mas organica con respecto a las tensiones escriturales, visuales, performativas, matericas y conceptuales que recorren el conjunto de los desarrollos artisticos de las decadas contempladas en este estudio. Una apuesta inaugural e interdisciplinar como esta no seria posible sin la hibridacion de los perfiles de las autoras y autores que contribuyen a ella: bajo la labor de edicion de dos historiadoras de las artes, se reune por primera vez a un grupo de especialistas nacionales e internacionales que, desde diversas areas de investigacion historia del arte, estetica, literatura, filologia y linguistica, piensan la escritura en su materialidad. Asi, los nueve ensayos ineditos que componen este volumen abordan las practicas escriturales de artistas y colectivos cuya actividad se desplego en una amplia variedad de ambitos, tanto geograficos que van de España a Estados Unidos, pasando por Lituania, Egipto y Francia como (in)disciplinares escritura, graffiti, pintura o performance y esteticos Surrealismo, CoBrA, Zaj, Fluxus o poetas Language, pintura informal, neodadaismo, minimalismo o arte conceptual son categorias que se cruzan, sin imponerse, en las paginas de este libro. Esta coleccion de ensayos abre, en definitiva, un territorio extremadamente fertil y apenas sondeado tanto nacional como internacionalmente. Pluralidad, complejidad y coherencia son algunas de las palabras que definen este intento valiente de paliar las carencias, tanto bibliograficas como teoricas, que afectan al intersticio en el que se situa, entre la literatura, la filosofia y la historia del arte. Materia de escritura quiere desestabilizar ciertas categorias criticas fijas y abrir nuevas posibilidades para pensar las artes de un momento del que nuestra actualidad es directa heredera.

Uno de los escultores más destacados del siglo XX y uno de los promotores de la renovación artística que tuvo lugar en España durante los años veinte y treinta de esta centuria. Su obra presenta unas caracteristicas personalisimas que la hacen perfectamente identificable dentro del universo de la escultura del siglo XX.

Este libro pretende, mediante un centenar largo de imágenes acompañadas de sus correspondientes textoscatalográficos, recuperar la apariencia visual que tuvieron originalmente numerosos retablos vallisoletanos cuyarealizacion se efectuo entre los años finales del periodo medieval y el neoclasicismo decimononico. En muchos casos, elpaso del tiempo, provoco su destruccion, pero otro tipo de circunstancias ocasionaron entre los conservados,alteraciones, modificaciones, cuando no enajenaciones y desplazamientos a otros lugares que han descontextualizadosus arquitecturas y programas iconograficos.Mediante la utilizacion metodologica de la restitucion virtual, se intenta evidenciar las perdidas causadas al patrimonioartistico, propiciadas por diferentes y nefastas circunstancias, al tiempo que se pone en valor un importante numero deobras descabaladas y se recupera un patrimonio que podria conceptuarse como de intangible. Su contenido no afectaexclusivamente al territorio provincial sino que se ha perseguido la presencia de la produccion retablistica vallisoletanaen otros lugares.

La importancia de la obra artística se amplifica considerablemente cuando se atiende a su verdadero valor como contenedora de significados y en la valoración de ese aspecto fundamental para la Historia de la Cultura se centran la iconografia y la iconologia, que son materias fundamentales en los Grados de Historia del Arte.Los niveles de significacion son muy diferentes, no solo dependiendo de los emisores sino tambien de los receptores y de su nivel de implicacion con la obra, teniendo en cuenta asimismo las variadas lecturas de la misma, desde el punto de vista formal o fase preiconografica a la lectura iconologica que pueden trabarse, pudiendo llegar al espectador solo una parte de los significados en funcion de su interes por el conocimiento de la creacion artistica y de su preparacion para lograr aprehenderla en su totalidad.Todo ello, favorece la complejidad y contribuye a la diversidad de lecturas, la mayoria de ellas validas si nos situamos en el lugar del receptor. A ello, habria que añadir el contexto, el cual es esencial para la experiencia recreadora de una obra de arte', en la que, ademas de la sensibilidad, adiestramiento visual y bagaje cultural, es basico conocer las circunstancias que la rodean para conseguir una valoracion lo mas objetiva posible (Panofsky, 2008: 31-32), pero es dificil prescindir de la implicacion personal argumentada por Gombrich, quien abordo las limitaciones de la iconografia (1983: 12-51), secundadas puntualmente por Moralejo (2004: 63-80), quien comienza su texto advirtiendo del peligro del "integralismo de la interpretacion, señalando que sin una pequeña dosis del mismo no "es posible una iconologia", subrayando que la intuicion puede poner "en la pista del hilo programatico que corresponderia establecer a la sintesis iconografica" (p. 64).

La pintura como experiencia cognitiva es un manual que induce a reflexionar desde la práctica sobre las experiencias basadas en la concienciación de los procesos cognitivos, llevadas a cabo en el Laboratorio de Pintura Cognitiva de la Universidad de Barcelona tras estimular, potenciar y canalizar la investigacion pictorica. Incluye dieciocho actividades para aprender a cultivar y descubrir factores cognitivos de tipo fisiologico, mental, sensorial, cultural relacionados con la naturaleza que conllevan una toma de conciencia sobre diferentes partes y propiedades de nuestro propio ser. Explora aspectos interculturales que la globalizacion nos ha dado a conocer, asi como algunos fenomenos naturales que es necesario observar con atencion para redescubrirlos al servicio de la creatividad artistica. En resumen, el objetivo del libro es impulsar el ejercicio de la pintura en un sentido cognitivo poco trabajado, reflexivo y multidisciplinar, con aportaciones de los profesores Antonio Quadros Ferreira, Sebastia Serrano, Carme Junque, Josep Vallverdu y Han Yu Chi, que nos muestran como una reduccion adecuada de la inhibicion cognitiva puede abrir nuevas posibilidades creativas mas ricas y plenas. Esta obra es una muestra del compromiso docente y de investigacion, despues de mas de cuar

En 2022 se cumple el centenario de la edificación del Pabellón Español en la Bienal de Venecia. La labor realizada en estos cien años ha contribuido a la construcción y consolidación de la imagen de España como una potencia cultural en el ambito internac

El presente trabajo pretende mostrar uno de esos ejemplos en los que convergen los estudios documentales, las comparaciones estilísticas y las aportaciones técnicas obtenidas de una restauración, para sumar informacion que reconstruya la historia de los bienes culturales; en este caso del Cristo yacente del Real Monasterio de San Joaquin y Santa Ana de Valladolid. La escultura tiene a su vez la peculiaridad de ser durante la Semana Santa un paso procesional.En el libro analiza con rigor y seriedad la documentacion, la historia y las restauraciones (1985 y 2018) que ha conocido el Yacente del Real Monasterio de San Joaquin y Santa Ana, garantizando (como se comprueba al apreciar los resultados) su integridad y respeto historico como profesional. El autor, ademas, manifiesta la necesidad de la proteccion de la obra hasta el grado de realizar un plan integral de conservacion preventiva para evitar una futura accion, que tambien programa por si fuera inevitable, reconociendo los posibles factores de alteracion y proponiendo incluir la escultura en una urna que la proteja del paso del tiempo y de los agentes patologicos.Afortunadamente, el Cristo de San Joaquin y Santa Ana, que sufrio el olvido durante decadas como señalo Agapito y Revilla, cuenta a partir de ahora con una monografia profunda y seria que relata con detalle los valores de la imagen y rescata su trascendencia.

El libro tiene como punto de partida las innumerables formas de exponer y mostrar el arte contemporáneo en la actualidad. Además del concepto tradicional de museo, con su programa de exposiciones temporales y su coleccion permanente, en las ultimas decadas han surgido otros formatos que orientan el pensar y el hacer del arte contemporaneo, como las fundaciones, las residencias artisticas, los espacios de arte independiente o los parques de esculturas, entre otros. El libro ofrece al lector una seleccion de 35 espacios de creacion y exhibicion en America Latina que son una referencia para el desarrollo del estado del arte no solo en la region sino en el mundo, cada uno a su manera. Compuesta por imagenes de cada espacio y entrevistas exclusivas con sus respectivos directores y comisarios, la publicacion reune lugares ineludibles y originales que hoy representan los mayores polos de pensamiento y vanguardia del arte latinoamericano contemporaneo.

El libro reúne a 20 artistas latinoamericanos que, según los editores, redefinirán el horizonte artístico y cultural en la próxima decada. No son los únicos. Por cada artista que fue invitado a participar en este libro, varios otros fueron descartados. Pero la seleccion es seleccion, y la seleccion es exclusion. Para afrontar este reto, los editores abrieron un dialogo con diversos criticos, comisarios, artistas y galeristas para descubrir, de cada uno de ellos, quienes podrian ser esos artistas que buscaban. Un ejercicio cada vez menos en boga, los organizadores hablaron mucho y se repartieron la autoridad de la eleccion. En un dialogo continuo con sus compañeros, fue tomando forma el cuerpo del libro, una pluralidad de temas, voces y acentos.

La construcción del discurso religioso de la Edad Moderna constituye una de las líneas que mayor interés han suscitado entre los historiadores modernistas y del arte en los últimos años. Una parte sustancial de ese discurso religioso y de cualquier discurso politico o simbolico de su epoca fue desempeñado por la imagen, vehiculo capital de difusion de ideas que adquirio matices persuasivos en los siglos del Barroco. En consecuencia las condiciones de construccion visual de estos discursos, esencialmente el religioso, han sido un tema de estudio al que atender en el desarrollo del proyecto de investigacion Barroco entre dos mundos: relaciones y alternativas en la escultura andaluza e hispanoamericana entre 1700 y 1750 (HAR-2017-83017P), financiado por la Agencia Estatal de Investigacion del Ministerio de Economia, Industria y Competitividad, desarrollado entre 2018 y 2021. Fruto de esos esfuerzos es el presente volumen que desarrolla un recorrido desde distintos enfoques que viene a confirmar los procesos de construccion de lo visual como resortes de persuasion, de eficacia contrastada al integrarse en la mentalidad colectiva barroca como ingredientes principales de ella.

Una estatua ecuestre del dictador que se expuso en Barcelona en la plaza del Born en 2016 en el marco de una exposición se independizó de las referencias que la encuadraban y comenzó su propio periplo singular de interaccion con los ciudadanos. La reflexion sobre los acontecimientos, que se desencadenaron de forma imparable durante cuatro dias con un clima de violencia increscendo que terminaron con la retirada de la estatua, es de donde parte la arquitecta Julia Schulz-Dornburg para iniciar su particular Odisea siguiendo los pasos de las nueve esculturas ecuestres del dictador destinadas a glorificar la imagen de Franco como Caudillo y salvador de España que hay distribuidas por Madrid, Zaragoza, Valencia, Santander, Toledo, Segovia, Ferrol y Melilla, ademas de la propia Barcelona.

Un artista es un observador de la vida, en constante diálogo con la naturaleza, con la realidad, consigo mismo y con el arte. Si el arte se enajena de alguna de sus dimensiones, necesita empezar a dialogar, es decir, necesita confrontarse. Algo que puede empezar a resolverse cuando dos artistas se reunen a discutir, a debatir sobre sus respectivas experiencias, sobre aspectos relativos a los procesos creativos y al ser del creador. Eso trataran de abordar Silvana Solivella y Daniel Orson Ybarra en esta distendida charla llena de sana complicidad e inducida por Patricia Bentancur, que no es sino prolongacion de las muchas que se han llevado a cabo en Abanico, ese milagro ginebrino que auna arte y amistad: "Estas conversaciones son saludables para el espiritu. Son una hermosa manera de compartir cono- cimientos y experiencias, ademas de un eficaz ejercicio de apertura a las diferentes formas de pensar: ¡son el dialogo por excelencia!".

Baltasar Lobo (1910-1993) es el escultor zamorano de mayor renombre internacional del siglo xx. Su obra, al margen de los academicismos imperantes y con una base popular, modela la definición escultórica de la figura humana dinamica a traves de la sencill

Pocas veces he visto a una persona tan vocacional en su oficio de escultora, como a María Antonia Román Prado, mi esposa. Una profesional tan entregada a su tarea de trabajar y pulir la piedra hasta extraer de ella la forma que llevaba dentro, segun el concepto, el pensamiento y la reflexion interior de la autora, desde el mismo momento en que tenia el material petreo ante sus ojos.No necesito boceto previo para empezar a trabajar, decia Maria Antonia con frecuencia, lo llevo dentro o lo veo nada mas tener el marmol ante mi. Efectivamente, ella se dejaba guiar por una u otra veta de la piedra, mas clara o mas oscura y segun su consistencia, y, como diria Michelangelo Buonarroti, extraia de ella la escultura sepultada o secreta. Ella sabia lo que habia dentro. (...)Le escuche en mas de una ocasion que ella era la representante o continuadora del arte taino de Puerto Rico, su pais natal, si bien lo hacia de manera libre, abierta y siguiendo la estetica del tiempo que le habia tocado vivir. Sentia una gran admiracion y devocion por el arte taino al que dedico su tesis doctoral, que finalmente no pudo leer ante tribunal publico universitario, porque le sorprendio la muerte.Maria Antonia Roman Prado era una artista visual perfeccionista, exigente consigo misma y dotaba de una espiritualidad a su obra que se observa en el recorrido pausado de la misma. Su escultura no es abrupta en su ejecucion, se revela suave y sin aristas, por lo que invita a un tacto silencioso.Una de sus mayores satisfacciones estuvo cuando pudo mostrar buena parte de sus esculturas juntas en el Centro Washington Irving de Madrid, dependiente de la Embajada de los Estados Unidos de America en 1992.El arte puertorriqueño y la cultura taina es un libro fruto del estudio e indagacion para la tesis doctoral, que Maria Antonia no pudo llegar a leer, porque su fallecimiento en 2017 lo impidio. Celebremos hoy sus reflexiones sobre el arte puertorriqueño y la cultura taina, que ella tanto amo.