Combinando 35 obras de arte famosas con un encantador texto para leer en voz alta, My Art book of Peace ilustra la compleja idea de la paz a través de situaciones familiares, como encontrar la paz en compañia de amigos y hacerla realidad con gestos amables. Las conmovedoras palabras y el colorido diseño del libro invitan a los niños a conectar sus experiencias cotidianas con las que ven en las obras de arte, permitiendoles conectar verdaderamente con el tema del libro, a la vez que desarrollan su apreciacion por el arte. My Art book of Peace presenta una diversa gama de vibrantes pinturas, dibujos y esculturas de artistas famosos, desde Hilma af Klint y Franz Marc hasta Joy Labinjo y Noah Davis. Con cada imagen, cuidadosamente seleccionada, acompañada del titulo de la obra y el nombre del artista, este libro sin duda se convertira en la base de la coleccion de libros de arte de cualquier niño. Con paginas resistentes y una atractiva y elegante cubierta con lamina holografica, este lujoso libro de carton es un regalo precioso para bebes, niños pequeños y niños pequeños, asi como para padres primerizos y futuros. Es una magnifica incorporacion a la exitosa serie My Art Books de Phaidon, compuesta por hermosos libros de carton que exploran grandes sentimientos a traves de obras

Una referencia imprescindible en los estudios de estética, historia del arte y teoría de la imagen. «En un mundo saturado de estímulos visuales, la invitación de Klein a mirar con atención y descubr

¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolitico hasta el arte contemporaneo, los simbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artistica se reduce a una contemplacion superficial. En un mundo saturado de imagenes, hemos perdido la capacidad de leer los simbolos que dan profundidad al arte. Esta guia esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.

Sabemos por su relato "El niño en la casa" (1878) que Walter Pater (1839-1894) llevó una vida retirada, más contemplativa que activa, pero de una "contemplación apasionada". Con la misma pasión diáfana por el arte que Ruskin, compuso sus influyentes estudios sobre el Renacimiento. Pensaba que el hombre moderno no debia estar atado a epoca alguna y, eclectico por naturaleza, entendio mejor la piedad que la fe. No creyo en el fruto de la experiencia estetica, pues opinaba que la experiencia misma era un fin. Existe un equilibrio en todas sus paginas, afin a la belleza y a la ascesis, y su estilo transmite un cansancio encantador. Para Oscar Wilde, fue "el mejor maestro de la prosa inglesa" de su tiempo. La serie de ensayos que Pater reunio bajo el titulo de "Apreciaciones" (1889), que abarca desde los reyes ingleses de Shakespeare hasta los poetas romanticos, puede leerse como una consumacion de su ideal de amplitud y serenidad de la vision. En ella encontramos un discurrir textual tan erudito como elegante, fruto de una comprension profunda de las diferencias entre las sucesivas epocas historicas del arte occidental, que nos invita a extraer lo mejor de cada una de ellas.

EL ARTE NO ES TAN HETERO COMO TE CONTARON.El segundo libro de la divulgadora Claramore (Un Van Gogh en el salón) y la primera historia del arte LGTBIQ+ contada como un periódico. Se dice que el arte

Una valiosa y estimulante colección de ensayos, críticas y entrevistas de la influyente autora de Todo sobre el amor.«Debe haber una revolución en nuestra forma de ver, en nuestra forma de mirar».En

Un ensayo fascinante sobre cómo "el año terrible" de París desembocó en el nacimiento del impresionismo. Entre el verano de 1870 y la primavera de 1871, un periodo que Victor Hugo bautizó como el "Año Terrible", Paris fue sitiada, padecio una hambruna y hubo de rendirse al ejercito aleman. A continuacion, los republicanos radicales establecieron la Comuna, que fue aplastada tras sangrientas batallas callejeras y el incendio del centro de la ciudad. Como demuestra el prestigioso critico de arte Sebastian Smee, ganador del Premio Pulitzer, fue durante estos tiempos tumultuosos cuando nacio el movimiento impresionista, como respuesta a la violencia, la guerra civil y la intriga politica. Smee relata la historia de aquellos dias dramaticos a traves de los ojos de las grandes figuras del impresionismo. Edouard Manet, Berthe Morisot y Edgar Degas quedaron atrapados en Paris durante el sitio. Otros, como Pierre-Auguste Renoir y Frederic Bazille, se unieron a regimientos fuera de la capital, mientras que Claude Monet y Camille Pissarro huyeron del pais justo a tiempo. En el periodo posterior, estos artistas desarrollaron una nueva conciencia sobre la fragilidad de la vida. Esa sensacion de transitoriedad -reflejada en el enfasis en la luz fugitiva, las estaciones cambiantes, las escenas callejeras fugaces y la impermanencia de todas las cosas- se convirtio en la gran aportacion del movimiento a la historia del arte. En el corazon de todo ello hay una historia de amor: la de Manet, considerado por todos el padre del impresionismo, y Morisot, la unica mujer que desempeño un papel central en el movimiento desde sus inicios. Smee describe con gran sensibilidad su compleja relacion, la influencia mutua que ejercieron y su inmenso legado, al tiempo que otorga el merecido reconocimiento a la mujer en el corazon del impresionismo. Penetrante y absorbente, Paris en ruinas capta las pasiones y politicas cambiantes del mundo del arte y explica el profundo impacto que tuvieron las presiones del sitio y el caos de la Comuna en el arte moderno, y como el genio artistico puede surgir de la oscuridad y la catastrofe.La critica ha dicho: Smee se basa en una gran cantidad de fuentes historicas y biograficas para examinar el nacimiento del impresionismo durante una epoca de feroz agitacion politica y social en Francia... Transmite vividamente el terror de la epoca, los tensos enfrentamientos militares y las conspiraciones, y las pasiones inflamadas... Su descripcion de las obras de los impresionistas es perspicaz, como lo es su sensibilidad hacia las complicadas relaciones entre los artistas. Historia cultural habil y vibrante.Kirkus ReviewsPersuasivo y vivido El arte de la rivalidad se enraiza en la teoria de primera mano, pero esta dirigido a lectores no especializados, se trata en parte de minibiografias y en parte de una historia del arte mas amplia.John Williams, The New York Times (Sobre El arte de la rivalidad)Con detalles e incisividad propios de una novela y una prosa vivida y agil El arte de la rivalidad es una delicia pura y cargada de informacion, escrita con astuta autoridad.Michael Upchurch, The Boston Globe (Sobre El arte de la rivalidad)La brillante biografia de grupo de Sebastian Smee es unica en su genero.Ann Hulbert, The Atlantic...

La dimensión humorística del arte es un territorio enigmático y sorprendente, repleto de interesantes paradojas: la risa es efímera pero convive con la eternidad de la obra; puede ser un signo de alegria, pero tambien de sufrimiento; y encuentra su espacio incluso en los museos mas solemnes, donde el humor parece estar proscrito. Carlos Reyero rastrea la viva presencia de la risa en el arte occidental -especialmente en la pintura- desde el Renacimiento hasta principios del siglo XX, invitandonos a descubrir un fascinante juego de complicidades que une a artistas y espectadores a traves del tiempo. El autor muestra como la risa puede ser tanto un mecanismo de critica social y desafio al poder como un reflejo de tensiones culturales y subjetividades cambiantes. A partir de un sinfin de ejemplos artisticos, aborda temas como la satira politica, la parodia, el carnaval y la inversion de roles, lo pretencioso y lo cursi o el humor escatologico y sexual, destacando siempre el papel del contexto y la mirada del publico. Este libro es una sugestiva contribucion a la comprension no solo de la risa artistica sino tambien de lo comico en general. Y es, ademas, una reivindicacion convincente del humor como eje fundamental de la historia del arte, capaz de revelar contradicciones y complejidades de la experiencia humana.

Icons recorre el extraordinario legado de la casa de subastas internacional Sotheby's a través de cien de las obras más significativas vendidas bajo su bandera. Con obras que abarcan diferentes historias y medios, desde un Tyrannosaurus rex de 67 millones de años hasta el infame platano Cattelan de Maurizio, este atractivo libro ofrece a los lectores una vision exclusiva del recorrido de cada obra de arte hasta su llegada a la sala de ventas de Sotheby's. La presentacion de estos objetos, procedentes de algunas de las colecciones mas prestigiosas confiadas a Sotheby's, ofrece acceso entre bastidores a momentos cruciales de la historia del mercado del arte. Desde iconos nacionales como la Constitucion hasta exitos de subastas como la inolvidable "Niña sin globo" de Banksy, parcialmente destrozada, cada obra premiada se muestra como una imagen de gran formato acompañada de un texto informativo escrito por especialistas de Sotheby's. Algunas entradas seleccionadas tambien incluyen imagenes contextuales, como la obra expuesta in situ o en la sala de subastas, asi como citas inmersivas de curadores, criticos del sector y los especialistas de Sotheby's que las pusieron a la venta. Desde redescubrimientos hasta lotes record y subastas de guante blanco, cada objeto vendido a traves de Sotheby's tiene una historia fascinante que contar. Publicado para coincidir con el regreso de la marquesina de Sotheby's al Breuer un referente de la escena artistica neoyorquina, que anteriormente pertenecio al Museo Whitney de Arte Americano, y posteriormente al Museo Metropolitano de Arte y a la Coleccion Frick, Icons destaca el legado de la casa de subastas a traves de las obras maestras que ha tenido el privilegio de custodiar. Los artistas y creadores destacados incluyen a Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Constantin Brancusi, Leonora Carrington, Paul Cezanne, Edgar Degas, Salvador Dali, Helen Frankenthaler, Achille y Pier Giacomo Castiglioni, Vincent van Gogh, Edward Hopper, Frida Kahlo, Gustav Klimt, Jacob Lawrence, Edouard Manet, Andrea Mantegna, Ludwig Mies van der Rohe, Joan Mitchell, Piet Mondrian, Georgia O'Keeffe, Patek Philippe, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Raphael, Norman Rockwell, Mark Rothko, Georges Seurat y Louis Comfort Tiffany, entre otros.

A comienzos de los años sesenta, en el noreste de Madrid, nace el Barrio del Pilar: un barrio obrero levantado a la vez que crecen sus carencias, sus luchas vecinales y una fuerte identidad colectiva. En ese entorno, marcado por la falta de infraestructuras, la llegada de la droga en los años ochenta y una vida en la calle intensa, se forma Toro.Mientras el barrio cambia -con hitos como la construccion de La Vaguada o unas fi estas populares que se vuelven referencia en Madrid-, un grupo de chavales empieza a experimentar con pintar las paredes sin saber aun que aquello tenia nombre. El graffiti aparece como juego, como impulso y como forma de afirmarse en un entorno duro.Con Muelle como referente inalcanzable del graffiti madrileño, Toro construye su propio camino, atravesado por la familia, la salud y la escritura urbana. Un relato de barrio, memoria y supervivencia que retrata el nacimiento de una generacion marcada por la calle.

New Humans traza una historia diagonal de los siglos XX y XXI a través de la obra de más de 150 artistas, escritores, científicos, arquitectos y cineastas, destacando momentos clave en los que los dramaticos cambios tecnologicos y sociales impulsaron nuevas concepciones de la humanidad y nuevas visiones de su posible futuro. El libro, y la exposicion que lo acompaña, que inaugurara el edificio ampliado del Nuevo Museo, diseñado por OMA/Rem Koolhaas y Shohei Shigematsu, conecta la era de los automatas con la floreciente era de la IA generativa y reune una procesion de humanos que se convierten en maquinas y maquinas que se convierten en humanos. Presenta obras nuevas y recientes de: Sophia Al-Maria, Lucy Beech, Cyprien Gaillard, Pierre Huyghe, Tau Lewis, Daria Martin, Wangechi Mutu, Precious Okoyomon, Berenice Olmedo, Philippe Parreno, Hito Steyerl, Jamian Juliano-Villani y Anicka Yi en el contexto de obras de artistas y figuras culturales del siglo XX, incluidos Francis Bacon, Constant Nieuwenhuys, Salvador Dali, Ibrahim El-Salahi, H.R. Giger, Kiki Kogelnik, Hannah Hoch, Tatsuo Ikeda, Gyula Kosice, El Lissitzky, Lennart Nilsson, Eduardo Paolozzi, Carlo Rambaldi, Germaine Richier y Elsa von Freytag-Loringhoven Ensayos de: Aaron Betsky, Gary Carrion-Murayari, Erin Christovale, Meghan Forbes, Hal Foster, Sophie Lewis, Eric Michaud, Katy Siegel, McKenzie Wark y Gary Zhexi Zhang Incluye un flipbook integrado en la portada.

La Petite Mort se adentra en la atracción por las superficies de las obras de de la Mora y va más allá de ellas para explorar los impulsos y deseos inconscientes que han sido un tema constante en la practica del artista.Su meticuloso proceso de recopilacion, catalogacion y ensamblaje de fragmentos redefine los limites entre el dibujo, la pintura y la escultura.Acompañando la exposicion Gabriel de la Mora: La Petite Mort, esta edicion incluye una lectura en profundidad de la obra del artista a cargo del curador Tobias Ostrander, junto con ensayos comisionados especialmente de la historiadora del arte Maria Minera y del escritor y poeta Pablo Soler Frost; cada uno reflexiona sobre aspectos de la muerte, el erotismo y la transformacion en la practica de de la Mora. Este volumen ilustra mas de 80 obras del artista producidas a lo largo de los ultimos 25 años. Numerosos detalles muestran la precision y el atractivo de sus composiciones, que emplean materiales como cabello humano, fragmentos de cascaras de huevo, alas de mariposa y obsidiana.

The Art Book Mini es un libro apreciado en todo el mundo, conocido por introducir a millones de lectores en el placer de apreciar el arte. Este galardonado estudio, que abarca un siglo, presenta a más de 600 artistas desde la epoca medieval hasta la actualidad. Cada uno esta representado por una obra clave y un texto informativo y explicativo sobre la pieza y su creador. Ademas de cientos de los artistas mas queridos del mundo, la seleccion incluye numerosas figuras historicas y contemporaneas de vanguardia poco conocidas, como: Berenice Abbott, Hilma af Klint, El Anatsui, Romare Bearden, Mark Bradford, Cao Fei, Cecily Brown, Judy Chicago, John Currin, Guerrilla Girls, Lee Krasner, Jacob Lawrence, Kerry James Marshall, Joan Mitchell, Zanele Muholi, Takashi Murakami, Louise Nevelson, Clara Peeters, Jenny Saville, Wolfgang Tillmans y muchos mas. Rompiendo con la tradicion, The Art Book Mini esta organizado por nombres en lugar de fechas, creando una vibrante secuencia de la A a la Z con brillantes ejemplos de todos los periodos, escuelas, visiones y tecnicas. El resultado es un libro de consulta visual accesible, emocionante e inigualable que celebra nuestra rica y multifacetica cultura en todo su esplendor creativo. Ahora disponible en formato mini, ideal para viajes, The Art Book Mini garantiza que el arte este siempre a mano.

Pocos autores han sabido desentrañar las conexiones secretas entre el arte, la política, la memoria y la muerte con la lucidez de John Berger. Esta colección de ensayos es la mejor puerta de entrada a su pensamiento.Antes de convertirse en uno de los intelectuales mas influyentes de nuestra epoca, John Berger quiso ser pintor; quiza por eso, cuando escribia, mas que escribir pintaba con las palabras. Por eso, cuando en estas paginas escribe sobre cubismo, no solo escribe acerca de Braque, Leger, Picasso y Gris, sino tambien de ese milagroso momento al inicio del siglo pasado cuando el mundo convergia alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas lineas de la figura pintada. Recreandose desde el Renacimiento hasta la conflagracion de Hiroshima; desde el Bosforo hasta Manhattan; desde los tallistas de un pequeño pueblo de Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh, y desde sus experiencias personales de amor y perdida hasta los levantamientos politicos que definieron el siglo XX, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira su autor.El sentido de la vista no es una simple antologia: es un completo mapa del pensamiento de un verdadero maestro de nuestro tiempo. Con la mirada de un pintor y la voz de un poeta, Berger nos enseña a descifrar y transformar el mundo. Una leccion de lucidez, humanidad y compromiso teorico.

Un libro inspirador para todos los creadores, artistas y soñadores, ya estén comenzando su camino o buscando una nueva perspectiva. A través de su experiencia como novelista y mentora creativa, Amie

L’art de gairebé tots els temps i gairebé totes les cultures apareix, en major o menor grau, impregnat d’erotisme. I no faig valoracions morals. Constato un fet».L’obra de qualsevol bon poeta conté,

A finales del siglo XIX y comienzos del XX se incorporaron en las publicaciones periódicas españolas una serie de noticias que trataban numerosos aspectos del arte nipón. En la presente obra se pueden encontrar un buen numero de articulos que vieron la luz en España entre 1868 y 1926 y que versaban sobre diversas manifestaciones artisticas japonesas, con informaciones sobre arquitectura, jardineria, pintura, grabado, escultura, lacas, marfiles, armas y ceramicas, mostrando, por parte de sus autores, una clara sensibilidad hacia el Pais del Sol Naciente.