Libros de Historia general del arte, página 26 de 169

Desde los primeros daguerrotipos de finales de la década de 1830 y, sobre todo, tras el descubrimiento en años posteriores de las técnicas de impresión fotográfica en papel, la relación de la fotografia y la pintura fue muy estrecha. El ojo artificial de la camara de fotografos como Le Gray, Cuvelier, Nadar o Disderi, por citar a unos cuantos, estimulo en Manet, Degas y en los jovenes impresionistas el desarrollo de un nuevo modo de mirar el mundo. La fotografia le valio al impresionismo no solo como fuente iconografica sino tambien como inspiracion tecnica, tanto en la observacion cientifica de la luz o en la representacion de un espacio asimetrico y truncado como en la exploracion de la espontaneidad y la ambiguedad visual. Asimismo, por influencia de la nueva factura impresionista, algunos fotografos comenzaron a preocuparse por la materialidad de sus imagenes y a buscar formulas para hacer sus fotografias menos precisas y con un efecto mas pictorico.El papel primordial que ha adquirido hoy la fotografia en el panorama del arte contemporaneo ha hecho resurgir el interes de la historiografia artistica por el impacto que su invencion provoco en las artes plasticas. La exposicion Los impresionistas y la fotografia, y este catalogo que da cuenta de ella, se suma a esta linea historiografica, planteando una reflexion critica sobre las afinidades e influencias mutuas entre fotografia y pintura, sin olvidar la fructifera polemica entre criticos y artistas que su aparicion desencadeno en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX.

Following the appearance of the earliest Daguerreotypes in the late 1830s and above all after the subsequent discovery of photographic printing on paper, the relationship between photography and painting became an extremely close one. The cameras artificial eye in the work of photographers such as Le Gray, Cuvelier, Nadar and Disderi, to mention just a few, stimulated Manet, Degas and the young Impressionists to develop a new way of looking at the world. Impressionism used the medium not just as an iconographic source but was also inspired by it technically in its scientific observation of light, its representation of an asymmetrical, truncated pictorial space and its exploration of spontaneity and visual ambiguity. In addition, the new Impressionist type of brushstroke led some photographers to become interested in the materiality of their images and to look for ways of making their photographs less precise and more pictorial in effect.The key position that photography now occupies in the context of contemporary art has encouraged a renewed interest in art-historical studies with regard to the impact of its invention on the visual arts. The exhibition The Impressionists and Photography , and this catalogue, pursues this line of research. It offers a critical reflection on affinities and mutual influences between photography and painting while also looking at the lively debate that its emergence generated among critics and artists in France in the second half of the 19th century.Text by Paloma Alarco, Jefa de Conservacion de Pintura Moderna, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Desde los primeros daguerrotipos de finales de la década de 1830 y, sobre todo, tras el descubrimiento en años posteriores de las técnicas de impresión fotográfica en papel, la relación de la fotografia y la pintura fue muy estrecha. El ojo artificial de la camara de fotografos como Le Gray, Cuvelier, Nadar o Disderi, por citar a unos cuantos, estimulo en Manet, Degas y en los jovenes impresionistas el desarrollo de un nuevo modo de mirar el mundo. La fotografia le valio al impresionismo no solo como fuente iconografica sino tambien como inspiracion tecnica, tanto en la observacion cientifica de la luz o en la representacion de un espacio asimetrico y truncado como en la exploracion de la espontaneidad y la ambiguedad visual. Asimismo, por influencia de la nueva factura impresionista, algunos fotografos comenzaron a preocuparse por la materialidad de sus imagenes y a buscar formulas para hacer sus fotografias menos precisas y con un efecto mas pictorico.El papel primordial que ha adquirido hoy la fotografia en el panorama del arte contemporaneo ha hecho resurgir el interes de la historiografia artistica por el impacto que su invencion provoco en las artes plasticas. La exposicion Los impresionistas y la fotografia , y este catalogo que da cuenta de ella, se suma a esta linea historiografica, planteando una reflexion critica sobre las afinidades e influencias mutuas entre fotografia y pintura, sin olvidar la fructifera polemica entre criticos y artistas que su aparicion desencadeno en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX.Texto de Paloma Alarco, Jefa de Conservacion de Pintura Moderna, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Yo existo, tú existes, nosotras existimos es un trabajo de investigación artística y divulgación relevante en el que se ha valido de las nuevas tecnologías para dar a conocer a otras mujeres artistas y su obra. Una labor en la que se unen pasado, presente

En la búsqueda del placer por el conocimiento y la belleza, el arte de la ilustración botánica siempre ha requerido una meticulosa técnica de delineado y una rigurosa comprensión científica. Esta nueva edicion, que incluye nuevas imagenes, repasa toda la tradicion botanica y sus talentos, con una seleccion de las mejores obras de la Biblioteca Nacional de Viena.Desde manuscritos bizantinos hasta obras maestras del siglo XIX, a traves de peonias, lirios y crisantemos, estas exquisitas reproducciones deslumbran por su precision y su estetica. Sea con hojas cuidadosamente enrolladas, texturas de frutas dibujadas con precision o la belleza pura y la variedad de los colores, esta forma de arte es tan delicada como precisa, e incluso despierta nuestra conciencia sobre el entorno ecologico y sobre la preciosa flora natural tan amenazada.

Surrealism and Film after 1945 is the first collection devoted to the vibrant culture of transnational surrealist cinema since the Second World War Eleven chapters by leading and emerging scholars of surrealism and film studies establish the parameters of this history and situate surrealism as a major force in postwar cinema

Apoyado en un riguroso trabajo de archivo, este estudio moviliza acercamientos de diferentes áreas como modernismo y prensa, la intersección política entre memoria e historia, el judaísmo y la guerra fria cultural, como vectores que se suman a la interpretacion de aspectos mejor conocidos de la participacion del exiliado republicano Seoane en las disputas por la hegemonia del galleguismo. El resultado es una iluminadora demostracion de la insercion del artista como agente activo en localidades multiples (Buenos Aires, Galicia, Nueva York) y del entramado global de redes esteticas y politicas que, teniendo en las revistas su principal vehiculo, las comunica. El trabajo de Garcia Martinez sigue abriendo camino a nuevas aproximaciones a las culturas del exilio republicano reactivadas desde la interdisciplinariedad y la atencion a marcos de interpretacion supranacionales que enriquecen nuestro entendimiento de sus aportaciones y nuestra capacidad para valorar el legado que nos dejaron.

Si el viaje es también una lectura, Provenza se puede recorrer como un texto privilegiado en el que se leen los orígenes y el desarrollo de la noción de paisaje en el arte. Naturaleza y cultura son indisociables en este espacio que ha convocado desde siempre a poetas y pintores. Viajar, leer y meditar es lo que hace Valero en este bello libro que reune dos textos. Cuaderno de Provenza, es un magistral mosaico en el que muestra, ademas de su itinerario particular, las huellas de artistas geniales: Mallarme, Cezanne, Rene Char, Picasso El resultado es un personal cuaderno de viaje que comprende un verdadero ensayo sobre el arte del paisaje. El segundo texto, Junio en casa del doctor Char, es un diario poetico donde aborda el vinculo conflictivo entre la celebracion y la creatividad.

"La Torre también está presente en todo el mundo (...) es un símbolo universal de París (...) desde el Oeste americano a Australia, no hay viaje a Francia que no se haga, de algún modo, en nombre de la Torre (...)". Roland Barthes Cuando Gustave Eiffel termino de levantar su torre de hierro forjado en el Campo de Marte de Paris con ocasion de la Exposicion Internacional de 1889, afirmo que era la construccion mas alta del mundo. Y cuando, 41 años despues, el edificio Chrysler, en Nueva York, rozo un poco mas el cielo, la Eiffel no perdio un apice de su altivez. Proyectada originalmente para permanecer en pie durante un periodo de 20 años, se convirtio en elemento permanente y fascinante de la linea del horizonte parisiense. Imponente de dia y centelleante de noche, el enrejado colosal de la torre Eiffel ha cautivado a francofilos y amantes, escritores, artistas y soñadores de todo el mundo, dando la bienvenida a unos siete millones de visitantes cada año. Basada en un pliego original de Gustave Eiffel de edicion limitada, este volumen de TASCHEN explora la concepcion y construccion de esta estructura excepcional. Poco a poco, añadiendo una capa tras otra, el diseño emblematico de la torre Eiffel evoluciona en este libro a traves de las laminas a doble pagina, los dibujos minuciosos y las fotografias in situ, añadiendo imagenes ineditas y datos adicionales del contexto historico. El resultado es, al mismo tiempo, una mina de informacion sobre esta joya de la arquitectura vintage y una inmersion en el concepto creativo escondido tras el icono.

Ce discours prononcé en 1781 inaugura l'historiographie moderne de la peinture espagnole, dont il définit son unité dans la diversité, ses étapes, ses caractéristiques, sa continuité.

La perspectiva de género es la metodología que más profundamente ha transformado las humanidades en las últimas décadas. Esta selección de críticas posicionadas sobre el trabajo de artistas mujeres y los relatos de la historia del arte contemporaneo en España ofrece una agencia de herramientas contra la discriminacion sexista en nuestro sistema del arte. Dando testimonio del compromiso pronto, a golpe de novedad, y del combate compartido con otras agentes para fracturar el viejo patriarcado.

Escrito para cualquier artista, el último libro del autor super ventas Magnus Resch nos explica cómo puede desarrollar una carrera el artista en el campo que haya elegido. El libro responde a las preguntas calves como, ¿como encontrar una galeria que me lleve?, ¿como escribo mi declaracion de artista? ¿como debo valorar mi obra, que precios debo poner? ¿cual es la mejor estrategia en Instagram? Contiene casos sacados de entrevistas con expertos, criticos, galeristas, comisarios y artistas que lo convierte en una obra de referencia Mas de 1000 entrevistas realizadas para su escritura

Aquest llibre es el fruit de la col·laboració entre científics i artistes procedents de diverses universitats en el projecte internacional "HerbArt: art i ciencia en confluencia", en el qual la flora i l& x02019;herbari es tracten com a font d& x02019;inspiracio, d& x02019;estudi i de reflexio. Al llarg del cami que han recorregut junts, els participants han compartit processos, han identificat territoris interdisciplinaris i han trobat vincles entre la creacio artistica, la genetica i l& x02019;evolucio de les plantes. HerbArt. Confluencies entre art i ciencia presenta una seleccio dels treballs resultants d& x02019;aquesta iniciativa. El dialeg entre disciplines ha donat lloc a multiples i variades idees sobre l& x02019;insubstituble entorn natural en que vivim, i ha demostrat una clara voluntat de compromis pel coneixement i l& x02019;observacio del nostre habitat en temps d& x02019;emergencia climatica.

Primer tomo de Plata y bronces en la colección Bordonaro. La obra es un catálogo, en dos tomos, en el que se ordenan alfabeticamente y se estudian 225 objetos de plata y bronce, anteriores al año 1700, pertenecientes a la coleccion Bordonaro.

Segundo tomo de Plata y bronces en la colección Bordonaro. La obra es un catálogo, en dos tomos, en el que se ordenan alfabeticamente y se estudian 225 objetos de plata y bronce, anteriores al año 1700, pertenecientes a la coleccion Bordonaro.

WINNER OF THE 2021 PEN ACKERLEY PRIZE A strange and mesmerising piece of work Sunday Times An absolute masterpiece Laura Cumming An uncommon delight Observer Claire Wilcox has been a curator of fashion at the Victoria and Albert Museum for most of her working life In Patch Work she turns her curator s eye to the fabric of life itself tugging at the threads of memory a cardigan worn by a child a tin button box the draping of a curtain a pair of cycling shorts a roll of lace a pin hidden in a seam Through these intimate and compelling close ups we see how the stories and the secrets of clothes measure out the passage of time our gains and losses and the way we use them to unravel and write our histories Effervescent poetic puzzle like Wilcox picks at the heartstrings Financial Times

La mitad de la población mundial, las mujeres, han sido excluidas de la Historia del Arte, relegadas a ser meras espectadoras, inspiradoras o agentes pasivos de unos hechos que tambien protagonizaron o de los que fueron participes, si bien desde los margenes. Este libro analiza el mecenazgo y coleccionismo de algunas mujeres destacadas, no solo reinas, que se sirvieron de las artes figurativas, la arquitectura y la musica para manifestar su autoridad y su entidad, mas que su identidad, asi como los casos de varias artistas que gozaron de un reconocimiento silenciado despues por los expertos al construir el relato de la Historia del Arte. Su visibilidad no debe hacernos creer que siempre estuvieron ahi y disfrutaron los mismos derechos que sus colegas varones, pues, en la mayoria de los casos, ellas tuvieron que recorrer un camino lleno de dificultades para alcanzar sus metas, al amparo de su condicion social, su estado civil o de los resquicios que dejaban las propias leyes. Tambien compartimos el esfuerzo de algunas mujeres por caracterizar de un modo primordial sus espacios habitacionales o su identidad publica y privada, sorteando las mas privilegiadas los prejuicios de su epoca, aunque otras veces ellas mismas sirvieron para reforzar los estereotipos de la cultura patriar

Este volumen recoge las aportaciones entorno a la configuración del perfil del artista y cómo ha ido evolucionando a lo largo de la Historia, atendiendo a los procesos formativos, la proyección social de su figura y la construccion de la idea de genio, asi como a la representacion de su imagen. Han sido llevadas a cabo por mas de treinta autores procedentes de diversas universidades y centros de investigacion nacionales e internacionales en el marco del simposio internacional Reflexiones sobre el gusto V, dedicado a El artista, mito y realidad, organizado por el grupo de investigacion de referencia Vestigium a finales de octubre de 2019 en Zaragoza.

Este libro está dedicado al coleccionismo privado en Estados Unidos y su relación con las instituciones públicas. Al narrar las historias que se esconden tras la creación de muchos de los principales museos de aquel pais, trece autores analizan una larga tradicion de coleccionismo privado y filantropia. Coleccionistas generosos como Henry Clay Frick, Paul Mellon y Solomon e Irene Guggenheim cumplieron sus sueños creando la Frick Collection, la National Gallery of Art de Washington, DC, y el Guggenheim Museum, respectivamente. John G. Johnson lego a la ciudad de Filadelfia su coleccion como un museo independiente que quedo mas tarde bajo la administracion del Philadelphia Museum of Art. El apoyo y la contribucion de Eleanor y Edsel Ford fueron clave para el Detroit Institute of Arts. Samuel Putnam Avery era un marchante, asesor y coleccionista con gran conciencia civica cuya coleccion de porcelana ayudo a formar el Departamento de Arte Asiatico del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Muchos coleccionistas, entre ellos Catharine Lorillard Wolfe, Michael Friedsam, Adelaide de Groot y Martin A. Ryerson, hicieron donaciones significativas a museos ya fundados como el Metropolitan o el Art Institute de Chicago. Por ultimo, el coleccionista Robert Gilmor y seguramente tambien

En esta obra presentamos Las 36 vistas del monte Fuji creadas por Utagawa Hiroshige y Katsushika Hokusai, los más reputados dibujantes, grabadores y pintores del estilo ukiyo-e. Los dos son los intérpretes mas importantes de la ilustracion nipona, con un control sutil del cromatismo con el dominio del verde y del azul y su sentido del primer plano, que seria imitado, mas tarde, por la fotografia y el cine.Este libro es una gran novedad porque muestra las visiones enfrentadas y al mismo tiempo compenetradas del monte Fuji, el pico mas alto de la isla de Honshu, esta considerado sagrado desde la Antiguedad y les estaba prohibido a las mujeres llegar a la cima hasta la era Meiji (finales del siglo XIX)Los dos mejores autores del ukiyo-e en una obra inedita y con edicion limitada de 2.000 unidades Esta edicion limitada incluye una fabulosa lamina que se despliega en tripticos para su exposicion y decoracion en cualquier pared. Desde The Galobart Books hemos seleccionado la mas espectacular para que forme parte de una coleccion privada y exclusiva de arte japones