Libros de Teoría y crítica de arte, página 7 de 166

THE WORLDWIDE BESTSELLER A VITAL GUIDE TO CREATIVITY OVERCOMING OBSTACLES AND MAKING YOUR WORK NO MATTER WHAT Filled with insights that every artist and creator needs to hear JAMES CLEAR I ve stolen tons of inspiration from this book and so will you AUSTIN KLEON The antidote to our creative ailments DEBBIE MILLMAN The ultimate pep talk for artists WENDY MACNAUGHTONArt & Fear is about the way art gets made the reasons it often doesn t get made and the nature of the difficulties that cause so many creatives to give up along the way Written by artists for artists the book delves into the internal and external challenges to making creative work and shows how they can be overcome every day First published in 1994 Art & Fear quickly became an underground classic and word of mouth has placed it among the best selling books on artmaking and creativity It offers generous and wise insight into what pushes us to sit down at an easel or desk go to a studio or performance space and try to create new work to put into the world Every creative and artist whether a beginner or a prizewinner a student or a teacher faces the same fears and this book illuminates the way through them

Nadia Scit desvela en este libro las claves alquímicas para poder entender las metáforas de cada una de las escenas de este cuadro del Bosco. El jardín alquímico de las delicias es un libro basado en los principios alquimicos que el Bosco conocia muy bien, cuya interpretacion ha dado lugar a controversias que han perdurado mas de quinientos años

Extraordinary An intellectual feast as well as a visual one Edmund de Waal author of The Hare with Amber Eyes The world comes to us in colour But colour lives as much in our imaginations as it does in our surroundings as this scintillating book reveals Each chapter immerses the reader in a single colour drawing together stories from the histories of art and humanity to illuminate the meanings it has been given over the eras and around the globe Showing how artists scientists writers philosophers explorers and inventors have both shaped and been shaped by these wonderfully myriad meanings James Fox reveals how through colour we can better understand their cultures as well as our own Each colour offers a fresh perspective on a different epoch and together they form a vivid exhilarating history of the world We have projected our hopes anxieties and obsessions onto colour for thousands of years Fox writes The history of colour therefore is also a history of humanity

John Berger one of the world s most celebrated storytellers and writers on art tells a personal history of art from the prehistoric paintings of the Chauvet caves to 21st century conceptual artists Berger presents entirely new ways of thinking about artists both canonized and obscure from Rembrandt to Henry Moore Jackson Pollock to Picasso Throughout Berger maintains the essential connection between politics art and the wider study of culture The result is an illuminating walk through many centuries of visual culture from one of the contemporary world s most incisive critical voices

In this brilliant collection of diverse works essays short stories poems translations which spans a lifetime s engagement with art John Berger reveals how he came to his own unique way of seeing He challenges readers to rethink their every assumption about the role of creativity in our lives Paying homage to the writers and thinkers who influenced him he pushes at the limits of art writing demonstrating beautifully how his artist s eye makes him a storyteller rather than a critic His expansive perspective takes in artistic movements and individual artists from the Renaissance to the present while never neglecting the social and political context of their creation Landscapes alongside Portraits completes a tour through the history of art that will be an intellectual benchmark for many years to come

Breu tractat sobre filosofia de la pintura xinesa escrit a principis del segle XVIII. Shitao presenta lactitud espiritual que el pintor ha de tenir a lhora dexecutar el seu art, de manera que lartista, pintant, aconsegueixi la comunio amb lunivers i amb ell mateix. El llibre conte una vintena de quadres de lautor a color, a linici de cada capitol. Manel Olle nha escrit un extens proleg que situa lautor i explica els conceptes principals de la pintura xinesa, allunyats de la percepcio de la pictorica occidental. Un llibre de lectura senzilla pero profunda, escrit en prosa retallada bellesa que atrapa qualsevol tipus de lector, encara que no conegui la tematica.

¿Com exercir l& x02019;escriptura com una força cosmica mes? ¿Com procurar-se un discurs en el qual, mes enlla de les personals, hi dominin causes territorials o climatiques? ¿Com accedir a una escriptura de la materia o compartida amb la materia, que doni alEternatives i camp a la nostra creacio tan cansadament humana?

En el tránsito del siglo XIX al XX, en pleno apogeo de la industrialización y el imperialismo, y en los albores de las crisis políticas, económicas, territoriales y medioambientales del pasado siglo surgieron voces discordantes que cuestionaron el orden social hacia el que se dirigia el mundo moderno. Muchos de estos discursos, asociados con la lucha obrera, feminista o antimperialista, estuvieron a su vez vinculados al espiritismo o la Teosofia. Por otra parte, en la misma epoca, surgieron en torno al arte de danza interesantes procesos de colaboracion e intercambio entre creadores que contribuyeron a la renovacion de las artes. A pesar de ello, hasta fechas recientes, la danza ha quedado relegada a un espacio sombrio dentro de las narrativas de la historia del arte; un lugar compartido con corrientes vinculadas al esoterismo a las que tambien se acercaron un buen numero de creadores. En este libro se recogen un conjunto de textos que reflexionan sobre el arte de inicios del siglo XX a traves de sus conexiones con el ocultismo, tomando la danza como hilo conductor. A traves de este arte se articulan discursos que atraviesan tiempos y territorios, generando una cosmologia que permite repensar nociones como identidad, cuerpo, movimiento, gesto; asi como los binomios Orient

Pancho Lasso fue el primer y más importante escultor nacido en Lanzarote. Se formó en Madrid y llegó a ser parte muy activa de uno de los movimientos de vanguardia del arte español de preguerra: la Escuela de Vallecas. A lo largo de su dilatada carrera desarrollo diversos generos (escultura, dibujo, medalla y pintura) en distintos lenguajes (neocubismo, surrealismo telurico, realismo popular...), pero sin perder una coherencia artistica e ideologica basada en la union de dos principios esenciales: el compromiso social y el amor hacia su isla natal, fuente inagotable de inspiracion.

No estamos frente a un tratado o a una obra sistemática, sino frente a una suerte de aforismos que capturan una intuición, ante reflexiones sobre la pintura desarrolladas en medio de los alumnos, mientras se mueve entre los caballetes, da explicaciones de

Con su estilo personal y provocador, a traves de estos pequeños ensayos el filósofo ingles Timothy Morton nos invita a reflexionar sobre ecología, arte y antropocentrismo y apela a nuestras emociones y experiencias como base para la construccion de un compromiso filosofico con el medio ambiente.

La historia del color azul en la cultura occidental es la de una auténtica transformación. Para los griegos y los romanos, este color contaba poco e incluso era desagradable a la vista; se le conside

* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmosfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas mas grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, politicas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta que extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A traves de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporaneas, a lo largo de estas paginas podra navegar por puntos de inflexion de mayor y de menor importancia, asi como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a traves de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino tambien el secreto fundamental de su exito.

¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolitico hasta el arte contemporaneo, los simbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artistica se reduce a una contemplacion superficial. En un mundo saturado de imagenes, hemos perdido la capacidad de leer los simbolos que dan profundidad al arte. Esta guia esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.

Sabemos por su relato "El niño en la casa" (1878) que Walter Pater (1839-1894) llevó una vida retirada, más contemplativa que activa, pero de una "contemplación apasionada". Con la misma pasión diáfana por el arte que Ruskin, compuso sus influyentes estudios sobre el Renacimiento. Pensaba que el hombre moderno no debia estar atado a epoca alguna y, eclectico por naturaleza, entendio mejor la piedad que la fe. No creyo en el fruto de la experiencia estetica, pues opinaba que la experiencia misma era un fin. Existe un equilibrio en todas sus paginas, afin a la belleza y a la ascesis, y su estilo transmite un cansancio encantador. Para Oscar Wilde, fue "el mejor maestro de la prosa inglesa" de su tiempo. La serie de ensayos que Pater reunio bajo el titulo de "Apreciaciones" (1889), que abarca desde los reyes ingleses de Shakespeare hasta los poetas romanticos, puede leerse como una consumacion de su ideal de amplitud y serenidad de la vision. En ella encontramos un discurrir textual tan erudito como elegante, fruto de una comprension profunda de las diferencias entre las sucesivas epocas historicas del arte occidental, que nos invita a extraer lo mejor de cada una de ellas.

¿Es una joya un objeto que simplemente se porta? ¿O es una obra de arte? ¿Cuándo deja de ser joya para convertirse en escultura, en instalación, en performance? Este volumen no solo revisa estas cuestiones, sino que nos invita a formular nuevas y a abrir camino a muchas reflexiones. Ademas, Mar introduce un interesante sistema de analisis que permite evaluar si los conceptos se ajustan a las caracteristicas formales de la pieza o viceversa, asegurando la coherencia entre idea, forma y material. La autora nos invita a mirar la joya como un archivo vivo: un testimonio de recuerdos y significados, un objeto que conserva la memoria y el contexto en el que ha existido, y que guarda gestos y emociones en su forma. ¿Por que? ¿Que papel juegan las emociones en la joya? ¿Como se inscriben los recuerdos en los objetos? ¿Como un material influye o ayuda a narrar una historia? Pero este libro no solo teoriza; tambien es un gran banco de materiales y referencias a traves de los cuales el lector podra recorrer un corpus de obras que le ayudaran a comprender todas estas ideas.

Hugo Ball y su compañera Emmy Hennings ya venían improvisando él al piano, ella recitando y cantando veladas en algún local de Zúrich, cuando en enero de 1916 decidieron abrir su propio Cabaret donde exponer obras de arte, organizar lecturas de poesia y montar espectaculos de musica y baile, todo con el animo de denunciar la violencia desatada en Europa con la Gran Guerra y denigrar los supuestos valores en nombre de los cuales se combatia.Desde el mismo dia de la inauguracion, se asomaron al local artistas que, huyendo de la guerra, se habian refugiado en la neutral Suiza. Especialmente un poeta rumano, Tristan Tzara, adquirira protagonismo en cuanto acontecera en el Cabaret Voltaire, tanto que pronto liderara una revolucion que desde esas paredes no tardaria en estallar: la revolucion DADA.

Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzo en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la linea que separa el arte y la artesania fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII.Tambien muestra como el sistema moderno sostiene su hegemonia asimilando a los artistas y a los musicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distincion entre artistas y artesanos, arte culto y artesania.

¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberiamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relacion que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona como conciliar nuestra indignacion y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va mas alla: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es tambien madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran exito de critica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una epoca en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razon de serlo, pero plantea tambien importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepcion misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos mas oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es mas, ¿que ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo victima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.