Libros de Teatro, página 88 de 397

La historia original del moro de Venecia, de Gianbattista Giraldi Cinthio (1565), sirvió a William Shakespeare para crear Otelo, la única de sus "grandes tragedias" basada en una obra de ficción. Contraviniendo la imagen isabelina del "moro", Shakespeare invierte los papeles de los protagonistas y otorga al moro Otelo el caracter de hombre noble y aristocratico, mientras que reserva para el italiano Yago la perversidad y la hipocresia, desarrollando en el uno de los estudios mas profundos del mal. Otelo se presenta como la tragedia de la incomprension, en la que luchan el amor puro, la pasion, el orgullo, los celos, la venganza..., y en la que al final, el protagonista, como un autentico heroe tragico, consciente de su degradacion y de su perdida, escribe su propio epitafio, con la angustia del heroe destrozado.

El azar juega con los personajes de esta nueva obra de Antonio Buero Vallejo y les tiende sus trampas. Incapaces de superarlas, condenarán su vida a la falsedad, pero ese mismo azar les obligará luego a asumir sus consecuencias. Buero Vallejo otorga a su obra una profunda carga simbólica que eleva el suceso individual y aislado al plano colectivo y social. La insatisfacción de una vida familiar inauténtica y la irresponsabilidad de una actividad pública relacionada con el tráfico de armas y residuos contaminantes suscita la reflexión: la inconsciencia favorece el azar; lo casual y lo fortuito puede ser irreversible.

Este teatro, realista y simbólico a la vez, sitúa en primer término los problemas del individuo y encierra al mismo tiempo una significación social. Tiene siempre en cuenta "la importancia infinita del caso singular", segun la formulacion de los investigadores de El Tragaluz. Sus personajes son seres humanos concretos, complejos, nunca de una pieza ni meros sustentadores de una idea. Puede considerarse, en tal sentido, este como un teatro psicologico. Por otra parte, el personaje bueriano tiene que afrontar y resolver, como individuo, una problematica moral que es de naturaleza social (De la Introduccion de Jose Luis Garcia Barrientos)

Estas dos obras, consideradas como las mejores comedias de Shakespeare, pertenecen a las llamadas "comedias románticas o de amor", con una trama llena de enredos y equívocos que culmina en un final feliz. EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO se configura como la pieza mas singular y popular. En ella conviven y armonizan el mundo real y el sobrenatural, el deseo y la razon, la cordura y la locura, en una mezcla de tradiciones que Shakespeare reinventa y transforma para crear un mundo de ensueño, infantil y ludico, rico en posibilidades escenicas, que da vida al contraste entre imaginacion y realidad. NOCHE DE REYES supone la despedida de las comedias romanticas, con elementos que perfilan ya la comedia de caracter, en un prodigio de sintesis que auna el mas crudo realismo con la melancolia mas tenue. Su trama contiene los momentos culmenes de las comedias de Shakespeare, la escena mas comica junto a la mas lirica del autor. La traduccion de Angel Luis Pujante mantiene la extraordinaria variedad poetica de las dos piezas: el lenguaje formal y coloquial, lirico y burlesco de la primera junto a la libertad compositiva de la ultima.

OMBRE. GUERRE. CHAOS.Un royaume envahi par les ténèbres.Une élite magique qui se bat sans relâche contre ce mal.Des citoyens envoyés en pâture aux créatures qui peuplent le Shadow Fold.Parmi eux : Al

Les heÌÁros de l'ombre aÌÁ la rescousse !

Con el título de Retablo jovial agrupó Casona en un libro cinco obras cortas, escritas originariamente para ser representadas en el Teatro del Pueblo de Misiones Pedagógicas, que Casona dirigía: Sancho Panza en la insula, Entremes del mancebo que caso con mujer brava, Farsa del cornudo apaleado, Fablilla del secreto bien guardado y Farsa y justicia del corregidor. El proposito, por tanto, de estas obras de teatro menor es el de entretener y divertir, a traves de una trama de burla y enredo, sin intencion moralizante, en un ambiente desenfadado y festivo. Subyace, no obstante, un proposito didactico, relacionable con la vocacion pedagogica de Casona, de poner al pueblo en contacto con los clasicos en cuyas obras esta la esencia del teatro puro; no falta, tampoco, a traves del humor, la critica de determinadas actitudes individuales y sociales y una amable satira de algunos comportamientos humanos. En un momento de crisis para el teatro, Alejandro Casona supo traspasar los limites del realismo y conferir al teatro dignidad y categoria literarias.

El rey Duncan de Escocia, demasiado blando, es asesinado por uno de sus caballeros, Macbeth, que se alza en rey apoyado en las profecías de las Hermanas Fatídicas, diosas del destino, brujas o magas. Su ambicion de poder acrecienta su crueldad y salvaguardado en dos de las profecias que auguraban que nunca seria muerto a manos de un hombre nacido de mujer, y que no debia temer hasta que el bosque de se moviera, se cree invencible y eterno y se forja su terrible destino. Se intensifica el temor y la desconfianza que se apodera del protagonista. Mas que un lugar geografico, Escocia representa una mentalidad primitiva y una forma de vida basada en la violencia tribal, la brujeria y la supersticion, con un concepto magico del mundo. Lo que hace de Macbeth una obra tenebrosa e inquietante es tambien lo que le imprime vigor y fascinacion: su tratamiento dramatico del mal, del mal que nace del ansia de poder. Es una obra activa`pero tambien profundamente introspectiva. En ella van paralelas la accion fisica con el torbellino de conciencias en las que se apoya. De esta forma la obra indaga en lo prohibido, explora la trasgresion mediante un lenguaje metaforico y sensorial unico, el mas denso lenguaje figurado de Shakespeare, con imagenes asociadas a las tinieblas, la muerte, la naturaleza quebrantada, la crueldad, la esterilidad (el alma llena de escorpiones, el recien nacido cabalgando a lomos de un caballo en la noche, la criatura sonriente arrancada del pecho de su madre). La altura poetica e intelectual de Macbeth no oculta ni suaviza el mundo politico concreto de sangre y violencia, ambicion y deslealtad en que la accion se desenvuelve.

Francisco Nieva nos sorprende con dos nuevas obras inéditas que se engarzan perfectamente en la línea de su teatro y que permiten comprender que su capacidad de producción dramática sigue viva. En ¡Viva el estupor! los personajes inician su aventura a traves de un viaje en barco, un viaje que supone una inmersion en un mundo desconocido donde lo inexorable del destino dirigira los pasos de los protagonistas. El barco no es solo un medio de transporte, sino el simbolo de un proceso, de un cambio que va desde una realidad hacia un sueño.En Los mismos la imaginacion de Nieva, siempre sorprendente, nos presenta un juego magico entre la inmortalidad y el entorno decadente de tres pesonajes que ofrecen al joven heroe el mundo de la trasgresion y el placer a traves de un sueño irreal. Con una maestria maravillosa, Nieva va desgranando todo un mundo de esnobs, de galanteo, de perfumes exoticos, de peliculas.... como si del mejor Visconti se tratase.

A medida que se pasea por las hojas reflexivas de este libro, se puede descubrir cómo el ser humano se enfrenta en el gran reto de la vida, marcado antes de nacer y que transcurre por ese destino incierto a la mente. En ese camino suelen acontecer vicisitudes llenas de circunstancias que producen trances externos e internos, tales como esa soledad existencial, la duda, la monotonia que a diario intenta corroernos, esa busqueda que nunca llega a consumarse, la utopia que se nos distancia, el amor que..., ese camino que se recorre con una pesada cruz y ese sacrificio que coloca la religion en las sienes del alma como si de una corona de espinas se tratara. Uno se encuentra, tambien, con ese castigo humano como es la eleccion y por ultimo el dilema del mas alla. En resumidas cuentas, "el mundo de la vida". Esa filosofia vital, ese darnos cuenta de lo que verdaderamente somos y en el universo en el que vivimos. Un cumulo de reflexiones que tenemos que plantearnos y aprender para transitar esquivando, a diario, mil y un golpes.

En 1972, el joven director de teatro frances Georges Werler fue a ver a Milan Kundera a Praga y a su regreso consiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatro Jacques y su amo. Kundera la habia escrito despues de la invasion sovietica, cuando toda su obra, pasada y futura, habia quedado borrada de las letras checoslovacas. aa Jacques y su amo relata tres historias de amor que se entrecruzan durante el viaje que emprenden Jacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye; tres historias que se entremezclan polifonicamente, donde cada una es, a su vez, variacion de la otra, y juntas conforman una comedia sobre los problemas existenciales de la pasion amorosa.

Clásicos Literarios ofrece a los nuevos lectores las obras maestras de la literatura: Precedidas por una introducción que las enmarca en su época e incide en sus valores expresivos; anotadas con claridad y concisión, y complementadas con un apéndice didáctico que aprovecha los planteamientos de la reforma educativa (transversalidad, motivación, participación) y convierte cada texto en un útil instrumento para la reflexión y el debate.

Clásicos Literarios ofrece a los nuevos lectores las obras maestras de la literatura: Precedidas por una introducción que las enmarca en su época e incide en sus valores expresivos; anotadas con claridad y concisión, y complementadas con un apéndice didáctico que aprovecha los planteamientos de la reforma educativa (transversalidad, motivación, participación) y convierte cada texto en un útil instrumento para la reflexión y el debate.

Cuando en 1953 se estrenó en París Esperando a Godot, casi nadie sabía quien era Samuel Beckett, salvo, quizá, los que ya lo conocían como ex secretario de otro irlandés, no menos genial, James Joyce. Por aquellas fechas, Beckett tenia escrita ya gran parte de su obra literaria ; sin embargo, para muchos, paso a ser el autor de Esperando a Godot. Se dice que, desde aquella primera puesta en escena -que, realizada por el gran Roger Blin, causo estupefaccion y obtuvo tanto exito- hasta nuestros dias, no ha habido año en que, en algun lugar de nuestro planeta, no se haya representado Esperando a Godot. ¡Mas de cuarenta años en los escenarios del mundo ! El propio Beckett comento en cierta ocasion, poco depues de recibir el Premio Nobel de Literatura en 1969, que Esperando a Godot era una obra horriblemente comica. Si, todo lo horriblemente comica que puede resultar, a fin de cuentas, la angustiosa situacion limite de dos seres cuya vida y grotesca solidaridad se forjan el la absurda y vana espera de ese quien sabe que (o quien) al que llaman Godot

El burlador de sevilla:La famosa obra del Siglo de Oro, que retoma el mito de Don Juan Tenorio, personaje audaz, desfachatado y temerario. Toda una crítica a una sociedad aparentemente intachable, puesta del reves por este incansable cazador de mujeres jovenes.Don Juan Tenorio:El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradicion literaria del Siglo de Oro español, se convirtio durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. El drama de Jose Zorrilla estrenado en 1844, incorporo definitivamente la figura de Don Juan Tenorio al acervo de la cultura popular. El Don Juan auna el mito del libertino redimido por el amor con motivos de la literatura fantastica y el folclore europeo de gran efecto escenico.