eBooks de Historia del arte, página 49 de 340

El manual de los metadatos está dirigido a aquellos editores y autores autoeditados que quieran optimizar la distribución de información completa, ajustada y atractiva sobre sus libros a través de la cadena de suministro del libro. Este Manual describe los metadatos que deberian acompañar a cada nuevo libro a traves de las multiples actividades necesarias para introducirlo en el mercado, propiciar que sea descubierto e incrementar su potencial de ventas. El texto se ha ampliado para adaptarlo a los estandares y practicas de los mercados español y latinoamericano. En la medida de lo posible se ha procurado adaptar todos los ejemplos a casos concretos de estos mercados, y se han añadido toda la informacion relativa a los organismos rectores de los estandares para España y Latinoamerica asi como los pasos y procesos para la gestion de los ISBN. Tambien se han incorporado empresas españolas y latinoamericanas a los directorios de organizaciones comerciales y de servicios relacionadas con la creacion, gestion y mantenimiento de los metadatos, y la produccion, distribucion y venta de libros en todos los formatos.

En El juego del arte Hugo Hiriart explica los mecanismos que hacen funcionar a la imaginación humana y permiten la llegada de ese fenómeno misterioso que conocemos como la creación artística.El resultado es un ensayo divertido y provocador, un pequeño tratado diseñado como una conversacion exquisita, capaz de cambiar nuestra manera de apreciar y disfrutar el arte: una puerta de entrada al corazon del enigma.Hiriart es un ensayista de lo inaudito, su vision filosofica suele revelar un mundo invisible que, sin embargo, esta presente en la realidad, incidiendo en ella y cambiando el destino de seres y cosas. Rafael Perez Gay

"El dadaísta ama el sinsentido y odia la estupidez."Así resume Raoul Hausmann el impulso dadaísta de subversión de la civilización que trajo la I Guerra Mundial como la nube trae la tormenta. Estupidez de la ciencia que perfecciono la maquinaria militar, estupidez del arte y la literatura que enaltecieron la guerra, estupidez de la razon instrumental que manipula todo lo que toca, estupidez de la explotacion capitalista que produce individuos estupidos, etc.El programa dada opuso una logica del absurdo a la estupidez organizada. El poema fonetico contra el lenguaje devastado y vuelto imposible por el periodismo. El fotomontaje para desintegrar las formas semanticas establecidas y engarzar de otra forma lo decible y lo visible. El haptismo como indagacion de una sensorialidad excentrica. El arte nuevo como dislocacion del individuo moderno, su optica posesiva, su seguridad vertical sobre el mundo, su presencia soberana. Raoul Hausmann se entrego en cuerpo entero a esta revuelta logica como uno de los fundadores del Club Dada de Berlin, que exploraba el camino entre el radicalismo politico y el antiarte. En su Correo Dada, que aparecio en 1958, repasa la historia del asalto dadaista a la realidad, recoge manifiestos y proclamas, evoca la invencion del fotomontaje y la nueva pintura, recuerda las delirantes veladas dadaistas con Richard Huelsenbeck y Johannes Baader, su amistad con el "anti-dada merz" Kurt Schwitters, etc. Hoy, en una sociedad anestesiada, en la que incluso los movimientos mas reivindicativos son tan previsibles, ojala el precioso testimonio de Hausmann pueda contagiarnos algo de la bendita locura dadaista, donde la ligereza y la gracia se fundian con el mayor de los atrevimientos en un gesto de desafio. ¡Vuela escarabajo!

En nuestra cultura (al menos por cuanto debe a los griegos, que no es poco) ver siempre fue sinónimo de conocer. "¿Ves?" preguntamos a nuestro interlocutor cuando queremos asegurarnos de que ha comprendido, de que se ha enterado. La etimologia de la lengua griega nos enseña que idea, eidos, el objeto del conocimiento, e imagen, eidolon, el objeto de nuestra vision, tienen la misma raiz: ver, idein. La misma palabra idea, el eidos, antes de convertirse en el ente invisible por excelencia de la metafisica (es decir, de una region que esta mas alla de la fisica y de su visibilidad) y antes de transformarse en el concepto abstracto de la logica, era, mas concretamente, el modo de aparecer.En la Estetica de la pintura Pinotti distingue tres partes fundamentales, mimesis, idea, motivo, etc. Se ocupa despues del analisis filosofico de la pintura a partir de algunas reflexiones filosoficas ya clasicas, las de Simmel, Heidegger, Merleau-Ponty y Faucault. Por ultimo, aborda algunos de los problemas pictoricos que mayor debate han suscitado: la pintura del icono, de la sombra, su relacion con la literatura, el papel del marco, la comparacion con la escultura.

Estética y teoría del arte son disciplinas -y actividades- que desarrollan su marco teórico en el Siglo de las Luces, en estrecho contacto con la historia y la crítica de arte, con la progresiva difusion y popularizacion de las obras en salones y exposiciones, el auge del periodismo, etc. Fenomenos que hoy son cotidianos tuvieron entonces su punto de partida e incidieron de manera decisiva en la configuracion de las diferentes teorias. Este primer volumen de la Historia de las ideas esteticas y de las teorias artisticas contemporaneas analiza ese proceso tal como se produjo a lo largo de los siglos xviii y xix, procurando destacar los momentos, temas y autores que constituyen sus ejes fundamentales y relacionando aspectos que son tratados habitualmente de forma independiente. El resultado es una historia que propone, tambien, una concepcion de la estetica y la teoria del arte diferente de la habitual.En este primer volumen de la Historia de las ideas esteticas y de las teorias artisticas contemporaneas se abordan los principales problemas y se analiza a los mas destacados autores en este campo. Se inicia con un analisis de los importantes cambios habidos en el siglo xviii, en especial el desarrollo de la estetica empirista y el movimiento ilustrado, pero tambien las teorias arquitectonicas y fenomenos como el de la critica de arte y el desarrollo de los salones.Los autores fundamentales para la comprension de la historia de la estetica son motivo de una especial atencion: Kant, Addison, Burke, Hume, etcetera.

Siguiendo el hilo conductor de la relación entre el cuerpo y la pintura, "Estudios antiguos" se detiene en el análisis de obras de muy diversa condición (de Tiziano, Pontormo, Velázquez, Vermeer, Courbet, Manet y Dali, ademas de laminas de tratados del Renacimiento y viñetas de prensa del siglo XIX) y las interroga de un modo poco convencional.Juan Jose Lahuerta ensaya una mirada a la pintura que lo situa en la primera linea de las tendencias renovadoras de la historiografia del arte.

Los creadores de la pintura y la escultura modernas, Picasso, Miró, Julio González, los artistas españoles de la Escuela de París, el arte nuevo, la vanguardia de los años treinta, el pabellón de Paris en 1937...El cosmopolitismo del modernismo y el noucentisme catalanes, la posibilidad de alcanzar un rango de modernidad en el seno de una tradicion definida como España negra, el debate en torno a un arte renovador o vanguardista, la marcha de muchos artistas fuera de España, preferentemente a Paris, la invencion del arte moderno que es la pintura de Pablo Picasso y Joan Miro, la escultura de Julio Gonzalez, el dificil vanguardismo de los años republicanos -¿arte puro o arte comprometido?- y la ruptura tragica de la Guerra Civil constituyen los principales temas de una historia que por su complejidad no permite un relato lineal y de sentido unico. Los cambios de direccion, el dialogo entre diversas tendencias, el encuentro entre las que se dicen contrarias, son otros tantos de los temas abordados.Este primer volumen de Historia de la pintura y la escultura del siglo xx en España estudia el periodo comprendido entre los años 1900 y 1940, en la hipotesis de que la Guerra Civil constituye un punto de ruptura y su desenlace inicia una epoca diferente. El relato tiene en cuenta la trayectoria del arte en la busqueda de una modernidad que solo ocasionalmente se alcanza, de forma mas clara y rotunda, fuera del pais, en la obra de Picasso, Joan Miro y Julio Gonzalez, tambien en la de aquellos artistas que componen la llamada Escuela española en Paris.

La figura del poeta y dramaturgo Bertolt Brecht sirve de guía a Georges Didi-Huberman para mostrar las encrucijadas de la estética del siglo xx, germen de los problemas del arte actual. Guerra, exilio, vanguardias esteticas, compromiso politico y nacimiento de la industria cultural, Cuando las imagenes toman posicion presenta las preguntas clave de novelistas, poetas, filosofos y artistas acerca del lugar de la imagen y la imaginacion en un mundo convulso. "Un documento encierra al menos dos verdades, la primera de las cuales siempre resulta insuficiente."

La obra fundamental de Alois Riegl, creador de la moderna historia del arte.A quien viaje hoy por las antiguas ciudades holandesas, le llamarán principalmente la atención los cuadros de enormes dimensiones de los museos, pero tambien de los ayuntamientos, de los hospitales, de los asilos de pobres, de las compañias civicas. No es comun encontrar cuadros asi en ningun otro lugar: cuadros con numerosas figuras, en ocasiones de cuerpo entero y otras veces de medio cuerpo, pero casi siempre de tamaño real, que aparecen unas junto a otras, bien sin relacion entre ellas, bien presentando una conexion vaga, de forma que el observador casi nunca duda de su caracter de retrato.Riegl lleva a cabo un estudio minucioso y riguroso de los retratos holandeses de grupo, compañias de tiradores, regentes de instituciones beneficas, lecciones de anatomia, un genero propio de la pintura holandesa que, como muestra el historiador, crea un modo especifico de mirar y de representar.

El desarrollo de la estética y las teorías del arte en el siglo xx adquiere una fisonomía directamente condicionada por la evolución de los movimientos artísticos y literarios. Siendo habitual que las ideas esteticas respondan a los problemas planteados por las obras, su recepcion e interpretacion, es rasgo propio de nuestro siglo el creciente interes de los creadores, artistas, poetas, etc., por la reflexion sobre su propia actividad. El panorama que ofrece la estetica del siglo xx se ha enriquecido con experiencias inesperadas y ha puesto en juego contribuciones desde muy diferentes perspectivas teoricas y metodologicas. El papel jugado por las vanguardias debe articularse con el auge de los estudios disciplinares y la evolucion de la critica. Todo ello, sin olvidar la respuesta social, su incidencia en el mundo cotidiano y en las interpretaciones, individuales o colectivas, de esa cotidianidad.Cuatro son los ejes que organizan el presente volumen. En el primero ocupan un lugar central los problemas relativos al lenguaje, a la consideracion del lenguaje del arte y del arte como una forma de lenguaje. El segundo atiende a la conexion entre arte y sociedad y a las explicaciones que esta cuestion ha suscitado: desde la que Gerard Vilar denomina "estetica de la produccion" hasta la "estetica de la recepcion", analizada por Ricardo Sanchez Ortiz de Urbina. Los estudios disciplinares -sociologia del arte, iconologia, formalismo, pura visualidad, etc.- son el tema abordado en tercer lugar. Estos estudios, que, como se comprende bien, no son ajenos a las cuestiones anteriores, han alcanzado en nuestro siglo un amplio desarrollo. Por ultimo, se concede especial atencion al conjunto de problemas que suelen englobarse en el marco de la postmodernidad, empezando por el mismo concepto de postmodernidad. La evolucion de la critica literaria, las teorias de la arquitectura y las que Estrella de Diego denomina "figuras de la diferencia" concluyen esta historia.

La pintura y la escultura gestuales de Tàpies, Chillida, Millares, Chirino, Saura, la ironía de Eduardo Arroyo, Equipo Crónica y Luis Gordillo, la diversidad de los años ochenta y la actividad de lo

A partir de un material excepcional formado por la rica correspondencia mantenida entre los agentes que compraban pinturas en Venecia en el siglo xvii para los grandes coleccionistas españoles, Leticia de Frutos recrea el vivo ambiente del mercado artistico entre los canales venecianos, a la vez que examina y replantea conceptos teoricos que marcaron la mirada y forma de entender la pintura en el siglo XVII.Cartas del navegar pintoresco. Correspondencia de pinturas en Venecia es una ventana abierta para conocer las reglas que marcaban el mercado del arte: riesgos de fraude, regateos y cambios de atribucion se encuentran detras de algunas pinturas que hoy podemos ver en nuestros museos.

Desde el exilio del silencio en el que vivió recluido sus últimos años, y desde la inmensa modestia de unos textos, bien publicados en pequeños volúmenes nunca traducidos al castellano, o bien inéditos, Matti Megged se asomo al arte moderno con un punto de vista diferente al habitual. Ni su formacion, ni su experiencia vital, ni su sensibilidad eran las tipicas de un historiador del arte. Al contrario, las tres fueron de una dramatica intensidad rara en el apacible mundo de la academia. Y quiza porque el mismo fue tambien un artista -su capacidad creadora le llevo a escribir delicados poemas, hoy casi desconocidos, y tambien a adentrarse en otros terrenos literarios como el teatro-, o quiza porque su inquisitiva actitud ante la vida y el arte le llevo a cuestionarse muchas de las ideas o creencias sobre las que ha descansado el relato ortodoxo en campos tan variados como la politica, la historia -especialmente en cuanto se refiere al pueblo judio-, y el arte y la estetica, Megged se replanteo desde su soledad cuestiones clave del arte moderno. No lo hizo desde un analisis formal de obras concretas. No era ese su objetivo. Se trataba mas bien de recorrer un camino que tenia mucho de busqueda personal: de descubrir en determinados artistas lo que consideraba la urgencia de la creacion en el mundo moderno. Ese es realmente el tema de tres textos contenidos en este libro: Dialogo en el vacio: Beckett y Giacometti; La montaña y el castillo (Cezanne y Kafka) y Vedere e Pensare.Matti Megged "recrea" un dialogo a cuatro voces entre cuatro de los principales creadores del siglo xx: Beckett, Giacometti, Cezanne y Kafka. La diferente naturaleza de sus obras no impide una proximidad que se salda en una tarea inalcanzable, que Matti Megged considera especifica de la creacion artistica, en la que el lenguaje visual y el literario alumbran un mundo nuevo, distinto del cotidiano, transcendental.

Doce fricciones que tienen al mundo del arte como protagonista, y ello cuando el mundo del arte se ha convertido enreferente obligado, muchas veces único, de su calidad e importancia, incluso de su condicion artistica. Fricciones ironicas, no por ello menos verosimiles, en las que estamos a punto de reconocernos, ¿o nos conocemos?

Este manual presenta los temas mas discutidos de la armonía modera. La información se muestra de una manera clara y concisa, con un seguimiento que va desde los conceptos más básicos hasta los mas complejos.La armonia es una de las partes mas complejas de la musica, desde sus inicios hasta nuestros tiempos ha ido evolucionando dia con dia, haciendo mas dificil catalogar o nombrar las nuevas tecnicas. Este breve manual representa una manera, entre muchas, de interpretar los conceptos basicos de la armonia moderna. Algunos terminos aqui expuestos podrian variar de acuerdo a otros autores.El objetivo de este trabajo es proveer al estudiante las herramientas elementales para que desarrolle un leguaje armonico y asi ayudar a su crecimiento musical, sin importar el genero o estilo en el cual se desenvuelva. Los ejemplos presentados en este manual fueron diseñados para su facil comprension, buscando simplificar y compactar los textos y terminologias, mostrando una gran variedad de graficas con el objetivo de hacer dinamico el aprendizaje.Para el mejor aprovechamiento del material se recomienda ampliamente tocar tantas veces como se requiera los ejemplos en un instrumento armonico como el piano, ya que este instrumento permite visualizar los acordes y el movimiento de ellos. Sin embargo tambien se puede utilizar los instrumentos melodicos, estudiando los ejemplos en arpegios, y asi de igual manera poder aplicar los conceptos aprendidos como elementos de la improvisacion.

Maintenant avec index des lieux! LArt arabo-normand: La culture islamique dans la Sicile médiévale montre comment le riche héritage artistique et culturel de la domination islamique sur lîle (Xe-XIe

El cuento es un género literario en el cual grandes escritores como Juan Rulfo y Jorge Luis Borges cosecharon éxitos y elogios, y México es cuna de talentos literarios, principalmente en el terreno de historias breves. Emergencias es una antologia que reune los mejores trabajos de cuentistas mexicanos nacidos despues de 1970, jovenes valores que despuntan, algunos, y otros siguen consolidando su calidad como escritores. La seleccion no fue caprichosa sino exhaustiva por parte de uno de los mejores exponentes mexicanos de la narrativa concisa: Alberto Chimal, quien por su trabajo ha sido merecedor de diversos galardones, incluido el Premio Bellas Artes de Cuento San Luis Potosi, considerado como el mas importante del genero.

"Son críticas poderosas, originales y urgentes; cañonazos intelecuales lanzados contra las murallas del recalcitrante conservadurismo artístico y social. Una lectura obligada para quienes buscan entender la vida y el arte contemporaneo y mantener despejada la propia vision"Jerry Saltz, critico de arte.New York Magazine

Este es el primer libro realizado en Chile del fotógrafo Sergio Larraín, el libro está dividido en tres cuerpos, el primero contiene una exhaustiva investigación biográfica de Sergio Larraín, su historia, el contexto social, politico y cultural de Chile de los 60 y 70. Para esta biografia se realizaron una serie de entrevistas tanto a familiares como amigos del fotografo. La segunda linea investigativa se desarrolla en el trabajo fotografico documental realizado por Sergio Larrain en las revistas O Cruzeiro, Agencia Magnum, revista Paula, y otras de America Latina y Europa. Ademas esta investigacion es ampliada con un estudio sobre las publicaciones que el realizo de sus fotografias en libros de su propia autoria y en conjunto con otros artistas. Finalmente el libro incluye trece fotografias de Sergio Larrain.

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